El álbum, que salió al mercado el pasado martes y es noticia en todos los medios especializados, ha dado mucho que hablar.

Quienes esperaban una bomba discotequera futurista, como lo fueron en su momento Homework (1997) y Discovery (2001), se chocaron de sopetón con piezas orquestales, cortes que evocan el sonido soft rock y AOR de los 80 estilo Eagles (The Game of Love), o con una balada en piano como Within, interpretada con voz robótica. Las reacciones han sido encontradas y algunos de sus fanáticos simplemente han odiado el álbum... un choque con el que seguramente estaba contando Daft Punk.

Pero Random Access Memories es tan completo que también está en algunos cortes esa ventana al futuro que representa siempre el dúo de DJ francés: Contact (que recuerda a la película musical en anime Interstella 5555), Motherboard y Beyond son eso.

La diferencia de estos cortes con ese pasado de Daft Punk, esas atmósferas electrónicas tan claras como se vieron en su anterior trabajo, la banda sonora de la cinta Tron: Legacy (2010), es que entran a jugar las baterías (manuales, no programaciones) y las guitarras, los instrumentos no electrónicos: Daft Punk en formato de banda de rock.

Es lógico que al emprender una cruzada (en este caso, “devolverle el alma a la música”), el héroe tenga que romper paradigmas y sacar a su propia gente de la zona de confort. Daft Punk propone una revisión de las raíces de todo lo que han hecho antes, y –gracias a la campaña de expectativa– convirtió en un fenómeno comercial un sonido que ya no era comercial.

“Este disco es una carta de amor: a la gente, a los momentos y a la música misma”. Así lo definió un crítico musical (del portal faster/louder).

Píldora para la memoria

Para lograrlo, rescató a figuras que los influenciaron pero habían desaparecido de la escena musical actual. Uno es Nile Rodgers, quien en los 70 construyó con su guitarra el sonido disco de Chic (Le Freak, I Want Your Love, Good Times) y estuvo detrás del éxito I’m Coming Out, de Diana Ross.

Más allá de presentar una estampa melancólica, Rodgers se convirtió en parte fundamental del proceso detrás de Random Access Memories. La sociedad, junto con el cantante Pharrell Williams, dio pie al exitoso y limpiamente mezclado sencillo Get Lucky, que las emisoras de radio están programando hasta la saciedad.

Otro es el productor italiano Giorgio Moroder, quien fabricó a Donna Summer como estrella disco y luego, a través de los sintetizadores, inventó el llamado eurodisco, un dance robótico que fue precursor del sonido que Daft Punk imprimió en el álbum Homework, ese que los puso en la estela de la música electrónica mundial.

Para generaciones más recientes, Moroder es recordado por To Be Number One, la canción del Mundial Italia-90. Y ahora revive, con este tributo que le rinden en un tema en el que su voz narra la historia de su vida. Esta semana, la revista Spin le dedicó un perfil, titulado acertadamente Back to the Future.

Otro homenaje que suena anacrónico y sorpresivo es la canción Touch, en la que pone su voz –como si hubiera sido transportado en el tiempo desde los años 70– Paul Williams, el músico recordado también como actor por sus papeles de Virgil en El planeta de los simios y el malévolo Swan en el musical Phantom of Paradise (1974).

El álbum de Daft Punk también es un recordatorio de cómo se hacían los discos antes, con grandes presupuestos, campañas de expectativa, publicidad por muchos canales y la grandilocuencia de reunir los mejores recursos. Cuando pase el tiempo, se sabrá si en efecto será el álbum de la década.

@laresonancia
Redacción Cultura y Entretenimiento

“Pareces mi madre”, le respondió Refn a una periodista que lo confrontó por la ultraviolencia que exhibe su filme, que protagonizan Ryan Gosling y Kristin Scott Thomas. “No pienso realmente en lo que hago (…). Algunas cosas despiertan más interés en mí que otras. No me considero muy violento, pero tengo una tendencia por las emociones y las imágenes violentas; no puedo explicar de dónde viene”, dijo minutos después, en tono más calmado, según publicó la agencia Efe.

En contraste, títulos como Inside Llewyn Davis, de los hermanos Coen; Behind the Candelabra, de Steven Soderbergh, y Le passé (El pasado), de Asghar Farhadi, contaron con la aceptación de los cerca de 4.500 periodistas y críticos de cine acreditados. Así, entre aclamaciones y abucheos, transcurrieron los 12 días del certamen cinematográfico más importante del mundo, que termina esta noche.

Este año, en su edición 66, el director Steven Spielberg presidió el jurado, que se encarga de escoger a los ganadores entre los 20 títulos de la competencia oficial. Su designación despierta expectativas acerca de sus preferencias, que solo se harán públicas esta noche, cuando se devele el palmarés en la gala de clausura –que incluye la proyección de la cinta Zulu, de Jérôme Salle–.

Entre los favoritos hay una afortunada coincidencia de nombres legendarios del cine de autor de EE.UU.: Ethan y Joel Coen, Jim Jarmusch y Soderbergh, a quienes Spielberg seguramente querrá rendir un homenaje. Cuentan, además, a su favor con la calidad excepcional de Inside Llewyn Davis (de los Coen) y el trabajo a gusto pleno de Michael Douglas como actor en la película Behind the Candelabra.

Suena también el iraní Asghar Farhadi, un director con quien Cannes está en deuda al no haber visto en su película Una separación las virtudes que sí encontró el jurado de la Berlinale, que le concedió el Oso de Oro. Su cinta, Le passé, con Bérénice Bejo, podría reparar la omisión del año pasado del festival francés.

Una de las ironías más grandes del certamen que se realiza en la Riviera francesa es que, pese a la fuerte presencia del cine local –casi el 40 por ciento de las producciones son de allí–, en muy pocas oportunidades ha resultado triunfador en el apartado central. La vida de Adela, de Abdellatif Kechiche, y su protagonista (Adèle Exarchopoulos) son un par de excelentes posibilidades para romper esta tendencia.

Lo último es la presencia en la carrera por la Palma de Oro del director más respetado del cine joven chino: Jia Zhangke, quien ha traído con A Touch of Sin la película más poderosa de toda la competencia en su apuesta visual, con un cuadro devastador acerca de la manera como la violencia se ha infiltrado vertiginosamente en grandes sectores de la sociedad en China.

Además de la belleza de la Costa Azul francesa, que rodea el festival, Cannes es un derroche de estrellas y oportunidades. Al tiempo que es la gran vitrina del cine de autor, también es el lugar donde arde a diario la ‘hoguera de las vanidades’. Allí, los famosos se ‘queman’ en el tapete rojo del Palacio del Festival, situado en el bulevar de la Croisette, mientras un enjambre de fotógrafos se pelea por obtener la portada o la imagen polémica.

Para los expertos y los amantes del séptimo arte, el certamen proporciona la mirada más amplia de lo que será la cosecha cinematográfica del año. Cada mayo, con un clima primaveral (un ambiente tibio, con lluvias esporádicas), Cannes revela el estado de salud de la gran pantalla y se convierte en el lugar de la primavera del cine.

Así brilló el corto ‘Solecito’ en Cannes

‘Solecito’, el corto colombiano de Óscar Ruiz Navia (abajo), se presentó el miércoles en el teatro de la Croisette, y el jueves en Studio 13. El mediometraje de 20 minutos participó en la Quincena de los Realizadores. Ruiz, recordado por ‘El vuelco del cangrejo’, dijo en la presentación de ‘Solecito’ en el festival francés que “estar parado aquí es como un sueño hecho realidad”.

Robo doble y un tiroteo

La acción saltó de la pantalla a la realidad: hubo dos robos de joyas, avaluadas en 4 millones de euros, y un hombre disparó con una pistola de fogueo mientras se emitía un programa de TV.

Eva Longoria al desnudo

La actriz de la serie de TV Desperate Housewives vivió un momento incómodo en Cannes: por causa de la lluvia se levantó mucho su vestido y dejó ver que no usaba ropa interior durante su paso por la alfombra roja.

Ozon se disculpa

El cineasta François Ozon rectificó sus declaraciones: “La prostitución es una fantasía común para muchas mujeres”. “Fueron palabras torpes y mal interpretadas”, explicó luego.

Orlando Mora
Crítico de cine
Para EL TIEMPO
Cannes

Se trata de Alejandro Casallas y Paola Moreno, que esta vez diseñaron un concierto que explora todos los subgéneros de este ritmo y proponen un cartel atractivo, para un público amplio, de dentro y fuera del género.

De Jamaica traen a Tanya Stephens, considerada la reina del reggae; a Anthony B y a Capleton, la cuota más pura del género. También confirmaron a la famosa banda Cultura Profética, de Puerto Rico, y a Morodo, de España, uno de los cantantes más conocidos en Colombia que trae el festival. Panteón Rococó, de México, cierra el cartel de artistas internacionales.

Por Colombia está el ganador del premio Grammy Latino, Chocquibtown, que será acompañado por los roqueros caleños de Superlitio. De San Andrés y Providencia estarán Hety & Zambo, y de Medellín llegará una de las agrupaciones con mayor proyección internacional en la escena reggae: De Bruces A Mí, y los reyes de la música urbana, Flaco Flow y Melanina. No obstante, en este festival (cuya primera edición se realizó en mayo del 2012 con una asistencia de 5.000 personas) no solo habrá música, sino toda una agenda, que incluye circo, sala de cine y canchas de fútbol cinco y voleibol playa.

¿Quién es la reina del reggae?

Tanya Stephens, considerada la reina del reggae, llega por primera vez a Colombia. La cantante y dee-jay es una de las exponentes femeninas que con pasos firmes se abrió camino en la música reggae. Nació 2 de Julio de 1973 en Kingston, Jamaica y se hizo mundialmente conocida por sus hits ‘It's a Pity’ y ‘Yuh Nuh Ready Fi Dis Yet’. Admirada en el mundo musical por su extensa carrera y versatilidad en la interpretación vocal, es una de las más importantes figuras del reggae.

Dónde y cuándo

Domingo 2 de junio, 9 a.m. Bogotá, calle 213 No. 93-50.
Valor: 130.000 pesos. En tuboleta. Inf.:311 521 2369.

26 de mayo de 2013
Redacción de Cultura y Entretenimiento

El aniversario, que cuenta con conmemoraciones en Argentina y Francia, donde vivió, plantea una pregunta: ¿qué hace a esta obra tan fascinante? Experimentación sonora y sintáctica, posibilidades de lecturas diversas, interpelación a la participación del lector y una sutil postura contracultural, evocadora de las contradicciones de los 60, hicieron de este simple objeto de pensamiento, papel y tinta un artefacto potente.

Su magnetismo cautiva a lectores de generación en generación. Con el tiempo, el texto ganó la admiración de grandes de la literatura. “Ningún otro escritor dio al juego la dignidad literaria que Cortázar, ni hizo del juego un instrumento de creación y exploración artística tan dúctil y provechoso. La obra de Cortázar abrió puertas inéditas”, expresó el Nobel peruano Mario Vargas Llosa.

“Si no hay una voluntad de lenguaje en una novela en América Latina, para mí esa novela no existe. Yo creo que la hay en Cortázar, que es casi un Bolívar de la literatura latinoamericana. Es un hombre que nos ha liberado, que nos ha dicho que se puede hacer todo”, consideró Carlos Fuentes. “Prosa hecha de aire, sin peso ni cuerpo, pero que sopla con ímpetu y levanta en nuestras mentes bandadas de imágenes y visiones, vaso comunicante entre los ritmos callejeros de la ciudad y el soliloquio del poeta”, opinó Octavio Paz.

“Cortázar es el mejor”, añadió sintético el escritor chileno Roberto Bolaño. “Cortázar nos ha dejado una obra tal vez inconclusa, pero tan bella e indestructible como su recuerdo”, dijo Gabriel García Márquez.

Las opiniones compiladas a lo largo del tiempo no escatiman elogios. Hoy Rayuela es parte del programa de lectura de muchas escuelas argentinas. Algo impensado hace cinco décadas, cuando la novela irrumpió en la escena literaria de habla hispana como algo extraño.

Cortázar, que murió en París en 1984, compartió sus intenciones en una entrevista en los 60: “A mí se me ocurrió, y sé muy bien que era una cosa muy difícil, un texto donde el lector, en lugar de leer consecutivamente una novela, tuviera opciones, lo cual lo situaría ya casi en pie de igualdad con el autor, porque él también había tomado diferentes opciones al escribir el libro”.

La primera página del libro se titula ‘Tablero de dirección’ y destruye en el mismo umbral de la obra el orden formal entre “lo escrito” y “lo leído”, al proponer dos maneras de leer las 600 páginas que siguen: de corrido –en cuyo caso el libro terminaría en el capítulo 56, siendo el resto “prescindible”– o, como propone el autor, según un orden alterado en el que ubica como primero al capítulo 73, en cuyo caso todos los capítulos serían “necesarios”. Así lo explicó la escritora Cristina Feijóo en una nota titulada ‘El pensamiento de Cortázar en Rayuela’, en la revista literaria La Máquina del Tiempo.

Pero la invención de Cortázar no solo fascina a escritores y lectores. También llamó la atención del mundo científico, por su construcción en diferentes capas. “Rayuela es una novela excepcional, que aborda multiplicidad de temas y miradas acerca del hombre y del sentido de su existencia. Si bien unos aspectos han envejecido mejor que otros, hay uno que está hoy más vigente que nunca: la búsqueda. Rayuela es para mí, entre muchas otras cosas, una novela acerca de la necesidad de buscar, de buscarse y de buscarnos. Es, además, una búsqueda hacia adelante, hacia lo nuevo y desconocido, hacia lo abierto. Una búsqueda del hombre nuevo, pero también de un nuevo lenguaje y de una nueva relación entre el lector y la novela. En los tiempos que corren, el espíritu de búsqueda que representa Rayuela debería estar hoy más vivo y presente que nunca”, dice Gustavo Ariel Schwartz, investigador del Centro de Física de Materiales de San Sebastián (España).

‘Ambición antinovelística’

El domingo 20 de octubre de 1963 se publicó en La Nación una crítica literaria a cargo de Juan Carlos Ghiano, con el título ‘Rayuela, una ambición antinovelística’. En el texto, el autor no solo reseña la obra, sino que también aporta datos de la “muchachada” literaria de la época a la que pertenecía el autor y señala como influencias a Alfred Jarry y al Joyce por fuera de Ulises.

Ghiano, que se declara admirador de Cortázar, desliza algunas críticas: “Rayuela, intensamente auténtica en algunos capítulos, muy pocos, decepciona y fatiga en la totalidad”. Y agrega: “Cortázar ha querido ser el escritor voyant (vidente) que pedía Rimbaud y del intento surge lo antinovelístico de su libro, tan preocupado por lo que intenta destruir que no siempre alcanza la novedad anunciada con insistencia”.

Cortázar fijó su residencia definitiva en París en 1951, donde murió en 1984. Desde allí desarrolló una obra literaria única dentro de la lengua castellana. Algunos de sus cuentos figuran entre los más perfectos del género. Rayuela marcó un hito dentro de la narrativa contemporánea. Por eso, la editorial Alfaguara lanzó una reedición conmemorativa y en la capital francesa el Instituto Cervantes inauguró este mes una exposición y publicó una guía de la ciudad basada en los lugares que menciona la novela. 

El autor, en pocas palabras

Julio Cortázar nació en Bélgica. Era hijo de argentinos. Murió a los 69 años en París, donde fue traductor de la Unesco. Además de escritor, trabajó como profesor y guionista. Se identificó con el surrealismo y siguió con fervor a Borges. Apoyó a líderes como Fidel Castro y Salvador Allende. En su ‘Libro de Manuel’ (1973) quedó reflejado su compromiso político.

Franco Varise
La Nación

El resultado de este disciplinado trabajo es el libro Poesía colombiana del siglo XX, poetas nacidas hasta 1949, que conforman un total de 84 mujeres que han dejado un legado de 434 libros. El proyecto incluirá un segundo tomo, con las escritoras de la siguiente mitad del siglo pasado, que los autores esperan publicar próximamente.

Guiomar Cuesta comenta que uno de los rasgos más llamativos, al mirar la publicación en perspectiva, es la manera como estas poetas fueron abriendo un camino que, en el fondo, se convirtió en pionero de la lucha de los derechos igualitarios de la mujer en la sociedad colombiana. “Sorprende lo anticipadas que fueron las primeras poetas con su obra”, anota.

Es el caso de escritoras como Margarita Gamboa (1899-1991), quien, a pesar de haber nacido en El Salvador, pertenecía a la familia Gamboa del Valle del Cauca. “Una mujer con una poesía erótica que llama la atención por su modernidad y actualidad, con una soltura en el lenguaje impresionante. Pensábamos que Laura Victoria (1908-2004) era la primera mujer que había escrito poesía erótica, pero Margarita se le anticipó”, agrega Cuesta.

Luego comienzan a aparecer los versos de autoras como Matilde Espinosa (1910- 2008), Meira Delmar (1921- 2009), Dora Castellanos (1924) y Maruja Vieira (1922), que retrataron su época, algunas con un lenguaje moderno, otras con un tono más del momento, pero que subvirtieron una cantidad de normas que trascendían todo aquello que a la mujer no le era permitido decir.

“Matilde Espinosa, por ejemplo, fue una gran incitadora del voto de la mujer y muchas de ellas comienzan, desde su poesía, a hacer un llamado a la mujer para que luche, desde distintos frentes, por su situación. Espinosa crea, con las obreras de unas fábricas, la revista Avanzada femenina, para hacer sentir su voz”, explica Cuesta. Destaca también la posición férrea de estas autoras frente a la violencia nacional.

Acercándose en el tiempo, surgen voces como las de Gabriela Castellanos o Águeda Pizarro de Rayo, cuya poesía es más experimentalista.

Junto a ellas, aparecen poetas afrodescendientes como María Teresa Ramírez, “gran estudiosa del palenque, por ejemplo, y quien escribe sus versos en palenquero y en español”, anota Cuesta. “Incluir a todas las mujeres, blancas y negras, es una manera de igualar y darles el lugar que ellas merecen, dentro de la obra general del país”, concluye.

*De venta en las librerías Lerner, Magisterio y UN o en apidamaediciones2002@gmail.com.

CARLOS RESTREPO
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

Ahora, 29 años después, Carradine vuelve a asumir su papel en El rey de los nerds, un concurso con elementos de reality, que acaba de estrenar el canal de TV paga NatGeo en Colombia.

“No fue lo único que hicimos en la vida, pero fue particular su efecto, para nuestro regreso en este nuevo espacio televisivo”, agrega Curtis Armstrong, compañero de fórmula de Carradine en ambas producciones.

El rey de los nerds reúne a un grupo de 11 jóvenes que representan este estereotipo social, para que se enfrenten en pruebas que no tienen nada que ver con deportes, sino que se acercan más a los juegos de rol, a la física cuántica o videojuegos de estrategia, entre otros.

“En los 80 era difícil ser un nerd, pero en esta era de Internet es chévere. Hay series donde los nerds son protagonistas, y mucha gente ama la tecnología, las matemáticas y la ciencia ficción.

“La gente adoró en silencio nuestra cultura nerd, pues representaba la lucha de un grupo de personas diferentes tratando de ser aceptadas, una discusión que se ha gestado en los últimos años y ha sido comprendida por el mundo”, agrega Armstrong, quien hizo otras tres cintas acerca de este estereotipo en cine y TV.

“Insisto: lo que está pasando es que estas personas están mostrando lo que son, no están cambiando para ser aceptadas en el mundo, sino mostrando sus habilidades, sus gustos y sus defectos en un programa”, agrega Armstrong.

Para Carradine, el formato del reality escapa de la burla y reivindica su inteligencia y encanto.

“Sabía que era algo diferente, y por eso decidí volver a ese mundo que todos adoran y que ahora nos tiene trabajando en una nueva temporada de El rey de los nerds”.

¿Cuándo se emite?

‘El rey de los nerds’ se emite los viernes, a las 7 p.m., por el canal de televisión paga NatGeo.

REDACCIÓN EL TIEMPO

En la historia hay una mujer arrolladora, Manuela, a la que todos quisieron y de la que nadie se olvida.
Con este tema se espera que el cantante panameño comience el concierto gratuito que dará mañana en el estadio Atanasio Girardot de Medellín para la celebración del evento Mayo por la Vida.

Un total de 38.000 boletas gratis entregó la Alcaldía de Medellín para este espectáculo organizado por la Alcaldía, UNE y EPM.

Antes de que el panameño inicie su presentación, cerca de 70 artistas locales, como Canto Alegre, Piso 21 y C15, entre otros, harán el espectáculo El mundo cabe en una canción, para hablar del respeto y la solidaridad.

Se espera que hacia las 7 p.m. Blades salga al escenario e interprete esta ópera salsa, junto a un grupo de 20 músicos.
“Nos ha manifestado que quiere interpretar otras canciones suyas que van en la línea de este evento, que invita a la reflexión. Su concierto tendrá una duración de tres horas”, explicó Juan Mosquera, director de Mayo por la Vida.

Entre las boletas que fueron entregadas, 2.000 dobles se les dieron a los maestros, pues “queremos hacerles un reconocimiento porque son ellos quienes nos enseñan de la vida. Este concierto es además una manera de persistir para que la violencia salga de nuestra ciudad”, dijo Claudia Restrepo, vicealcaldesa de Educación, Cultura, Participación, Recreación y Deporte de Medellín.

El resto de la boletería fue entregada a través de los diferentes medios de comunicación de la ciudad.

En julio del 2012, esta ópera salsa se presentó en Caracas, donde Blades estuvo acompañado del maestro Gustavo Dudamel y 140 músicos de la Sinfónica Nacional Simón Bolívar de Venezuela.

Ahora, Medellín se prepara para oír las letras de Manuela, Carmelo, Como tú, Yo soy una mujer, La fiesta, El nacimiento de Ramiro y Déjenme reír (para no llorar), entre otras.

¿Dónde y cuándo?

Mañana, desde las 5 p.m. Estadio Atanasio Girardot. Carrera 74 No. 48-21, Medellín. Informes: (4) 444-4144.

REDACCIÓN EL TIEMPO

El portal especializado en información sobre famosos TMZ.com publicó el jueves 23 de mayo una captura de pantalla del filme, de estreno en septiembre en EE. UU., donde se puede ver la imagen de Sheen portando un arma junto a una frase que reza: "Y presentando a Carlos Estévez".

La imagen corresponde a los títulos de crédito de la cinta, según pudo confirmar Efe con fuentes cercanas a la producción.

El nombre real de Martin Sheen, padre de Charlie Sheen, es Ramón Antonio Gerardo Estévez, a su vez hijo de padre gallego. Se cambió el nombre a Martin Sheen para conseguir trabajos como actor, pero nunca lo llegó a modificar de forma legal, así que pasó el apellido Estévez a sus cuatro hijos.

Martin Sheen protagonizó en 2011 la película ‘The Way’, dirigida por su hijo Emilio Estévez, la historia de un oftalmólogo californiano que viaja a Francia al enterarse de que su hijo ha fallecido en un temporal en los Pirineos y, tras descubrir que pretendía recorrer el Camino de Santiago, decide hacerlo por él cargando con sus cenizas.

En julio del año pasado Charlie Sheen aseguró no sentirse latino. "No me avergüenzo de ello, no huyo de ello, pero nací en Nueva York y crecí en Malibú: eso no es muy latino", explicó Sheen en una entrevista emitida por Univision.

"Soy un hombre blanco en América", resumió el actor, que se cambió el nombre de Carlos por el de Charlie "a los cuatro años" para evitar confusiones con un tío suyo que se llamaba igual, mientras que el paso de Estévez a Sheen lo dio cuando se hizo actor, según indicó él mismo en la entrevista.

"Simplemente no me levanto sintiéndome latino", afirmó Sheen, que no conoció a su abuelo español, fallecido antes de que él naciera.

Según el intérprete, sus padres nunca potenciaron las raíces latinas en su hogar. En una entrevista con Efe, Martin Sheen dijo sentirse "extremadamente orgulloso" de tener raíces hispanas y del origen gallego de su familia.

El actor Danny Trejo regresa en ‘Machete Kills’ como exagente federal que en esta ocasión es reclutado por el presidente de Estados Unidos para detener a un revolucionario y a un traficante que han unido sus fuerzas con el fin de sembrar el caos en todo el planeta.

‘Machete Kills’, dirigida por Robert Rodríguez, es la segunda parte de una trilogía que comenzó en 2010 (‘Machete’) y en ella participan Michelle Rodríguez, Charlie Sheen, Lady Gaga, Antonio Banderas, Sofía Vergara, Jessica Alba, Demián Bichir, Alexa Vega, Cuba Gooding Jr. y Mel Gibson.

Los Ángeles, EE.UU.
EFE

“Siempre hay que evolucionar y ponerles diferencias a los procesos”, dice el actor estadounidense durante la presentación de la película en San José de los Cabos (México), y agrega que, en este aspecto, aprendió de su padrastro, Irving Vincent, director de teatro.

Al fondo está el mar Pacífico, que se ve calmado, pero no es así: cuando las olas tocan la playa, se estrellan estrepitosamente y producen un ruido constante parecido al de un fuerte trueno, en un lugar donde llueve máximo dos semanas al año y donde al mar lo acompaña una tierra árida y seca, que tiene su encanto.

Y así, un poco en calma, estaba la vida de Toretto después de la edición cinco: con su nueva relación sentimental luego de la muerte de Letty (Michelle Rodríguez) y un pasar bueno con un tiempo libre ocupado revisando partes de carros.
Pero eso no podía durar mucho. Hacían falta los truenos. Toretto y sus cinco amigos son llamados por Luke Hobbs (Dwayne Johnson) para que lo ayuden a encontrar a un grupo de maleantes que han robado unas claves secretas que podrían crear caos y destrucción en el mundo.

Y la cabeza de este grupo (que tiene similitudes en su estructura con el de Toretto) es Luke Evans, inglés, actor de cine y teatro que está haciendo una carrera en Hollywood.

Como no todo es gratis, Hobbs les promete dejarlos limpios con tal de que atrapen a Owen Shaw (Evans), un villano que habla lo necesario, da instrucciones precisas, casi nunca se ríe y tiene un as bajo la manga para destruir al grupo de Dom.

Evans es, en vivo y en directo, tan serio como su personaje. Amable, sí, pero con frases exactas y cortas, como las de su villano, y también inteligentes, como su papel.

Cuenta que solo una vez en la vida lo han multado por andar muy rápido en su carro. “Sí, soy amante de la velocidad”, argumenta y sigue contando que prefiere los carros a las motos, lo que lo llevó a sentirse muy bien en la película, donde es la competencia directa de Toretto, no solo como cabeza de un grupo, sino como un muy hábil conductor.

Y para los seguidores de la producción, no podría haber una sexta parte mejor: Michelle Rodríguez, que retoma su personaje.

La actriz cuenta que en París, mientras veía la cinta número cinco, supo que estaba a punto de regresar al filme. “Ya me iba del teatro, porque no me gusta ver los créditos de las películas, y de pronto vi mi foto en la pantalla”, dice.

En Los Cabos se la pasó sin maquillaje y se vio mucho menor de los 34 años que tiene. Es una guerrera, hija de papá puertorriqueño y mamá dominicana, que afirma, más en inglés que en español, que la proyección del mundo latino es muy grande. “Es el gran poder”, dice.

Ella –dura, fuerte, de piel quemada– también dice que se dedica a escribir guiones.

“El 80 por ciento de los guiones son hechos por machos. A las historias les hace falta un toque de feminidad”, comenta.
Llena de efectos especiales (varios increíbles, pero válidos en el cine, mundo de la magia) y, por supuesto, de velocidad sin límite, Rápidos y furiosos 6 está dirigida por Justin Lin. Uno de los productores es Diesel, como en otras ocasiones.
* Por invitación de UIP

Rápidos y furiosos 6

Dirección: Justin Lin.
Con: Vin Diesel, Michelle Rodríguez, Luke Evans y
Dwayne Johnson.
Clasificación: 12 años.

OLGA LUCÍA MARTÍNEZ ANTE
COORDINADORA DE ESKPE

“No hay mejor lugar para empezar una gira mundial que Latinoamérica, porque los públicos son realmente asombrosos”, asegura el teclista Chris Lowe, acerca del recorrido que Pet Shop Boys (PSB) viene haciendo este mes por Chile, Argentina, Brasil y Colombia con el material de Electric, su nuevo álbum, antes de lanzarlo al mercado en Europa. Un privilegio poco común.

El título suena tentador: sugiere la electricidad (¿guitarras?) para una banda basada en el lenguaje de los sintetizadores. Pero parece hablar realmente de la energía que los envuelve. Axis es el título del primer sencillo.

“Este álbum tendrá mucha energía eléctrica”, dice sin adelantar mucho la sorpresa el vocalista Neil Tennant, en diálogo con EL TIEMPO.

Electric incluye una versión de The Last to Die, una canción original de Bruce Springsteen –¿acaso el artista más eléctrico de Estados Unidos?– del que cuenta Lowe: “Cuando escuchamos esta canción, lo primero que pensamos es que sería una gran grabación de Pet Shop Boys, tanto lírica como melódicamente”. Tennant agrega: “Es una canción muy dramática y suena fantástica con una producción ‘eléctrica’ ”.

Otro corte se titula Love is a Bourgeois Construct (El amor es una construcción burguesa), que suena un poco drástica para un grupo que creó una de las canciones más dedicadas de la historia del pop, Always on My Mind.

“Las letras de esta canción tienen un sentido del humor torcido, pero hay otra canción romántica en el álbum, Thursday”, sostiene Neil, a lo que Tennant complementa: “¿Qué tiene que ver el amor con esto?” (parafraseando la canción de Tina Turner).

El espectáculo que trae la gira, además de la música y de la apuesta estética por un vestuario sensacional, muestra la sincronía de cientos de luces y láseres que forman líneas similares a las de la carátula de Electric.

“Le pedimos a nuestra gente que diseña las luces que creara algo que haga que el espectáculo se vea muy ‘eléctrico’. Por primera vez estamos usando láseres, y se ven espectaculares”, sostiene Tennant.

Vigentes

Hoy, la escena de la música electrónica es muy diferente de la que bandas como Pet Shop Boys, Depeche Mode, Erasure y New Order, y antes Kratfwerk, crearon a su alrededor. Impera la música hecha en laptops y no en sintetizadores, mientras se habla de EDM (electronic dance music) como una nueva tendencia protagonizada por Diplo, Skrillex y Calvin Harris, entre otros.

Sobre cómo se ve PSB en este momento, los dos británicos bromean: “¡El EDM sí es una construcción burguesa!”, dice Lowe, mientras Tennant sentencia: “No somos parte del EDM, pero seguimos haciendo música dance electrónica cuando sentimos que queremos hacerla”.

¿Cuándo y dónde?

25 de mayo. Centro Bima. Autonorte No. 232-35. Bogotá. Informes: www.tuboleta.com y 593-6300. 195.000, 270.000 y 600.000 pesos.

CARLOS SOLANO
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

En cada presentación de esta pieza –que se podrá ver en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, de Bogotá–, los cinco intérpretes van construyendo sus personajes con la ayuda de los espectadores, quienes participan inventándose una historia para cada uno de ellos.

“Los comentarios del público aportan un elemento de ficción a las identidades de los personajes, y este elemento desconocido hace que tanto el espectador como el intérprete se sientan creadores”, asegura Vania Durán, directora de la compañía Tumakat.

El coreógrafo argentino Luis Biasotto, quien codirige la pieza con Durán, fue el autor de Yo antes es ahora, que combina técnicas de la danza contemporánea con improvisación.

Según Durán, esa mezcla crea un espectáculo que está en una dinámica constante y, por ende, nunca se repite. “Es una mezcla perfecta; tenemos movimientos establecidos, pautas más abiertas e improvisación. Hay espacio para la espontaneidad, y finalmente para que la obra y sus integrantes sigan adaptándose y creciendo”, añade la creadora.

El montaje se adereza con música de los británicos de Hot Chip (electropop), el colectivo de artistas electrónicos Raum y el mexicano Elias Puc.

La artista agrega que ese intento de romper la ‘cuarta pared’ que separa al público de los artistas les plantea a los cinco bailarines retos como “no repetirse y apreciar la escena no solo desde la fisicalidad y virtuosismo sino a través de la composición en colectivo... No está de más decir que, después de todo, ¡la última palabra la tienen los intérpretes!”.

Yo antes es ahora hace parte del proyecto ‘Sur+Sur’, liderado por Durán, que surge de la inquietud e interés de la directora de Tumakat por trabajar con coreógrafos de Suramérica.

“De Luis me llamó la atención que sus obras eran divertidas y a la vez que invitaban a la reflexión. Me gusta que incorpora elementos como la improvisación y la palabra”, dice Durán sobre su trabajo con el argentino.

Colaboración con Colombia

‘Sur+Sur’ se complementó con ‘Sutura’, una pieza creada por el colombiano Vladimir Rodríguez, quien se presentará en Impulsos con ‘ESCrito absurdo’, que creó con el mexicano Omar Carrum.

“Me interesa la manera en que incorpora la identidad latinoamericana a sus obras; su propuesta es muy orgánica para el cuerpo y, a la vez, altamente física”, dice Durán sobre su trabajo con Rodríguez.

Funciones de la obra

28 al 30 de mayo, 8 p.m. Fundación Gilberto Alzate Avendaño. Calle 10a. No. 3-16, Bogotá. Informes: 593-6300. Boletas: 25.000 y 35.000 pesos.

YHONATAN LOAIZA
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO
@YhoLoaiza

Pero no eran recomendaciones sobre la dramaturgia o consejos sobre el arte del montaje, era una anécdota sobre la profesión alternativa de Martínez: la natación.

“Para entrenarse, él amarraba un lazo a un árbol cuyas ramas se extendían sobre el río y empezaba a nadar varias horas contra la corriente. Yo me dije: ‘el teatro es eso’, es adquirir capacidad y potencia para lidiar con los inconvenientes”, dice Moyano.

Ese principio ha sido parte esencial del trabajo de Teatro Tierra, el grupo dirigido por Moyano y que está celebrando sus 25 años con una temporada de su más reciente montaje, La montaña de los signos, que comenzará el 29 de mayo en el Teatro La Candelaria, de Bogotá.

Además, en la reciente Feria del Libro de Bogotá se publicó Arte de labranza, recopilación de textos de las obras del grupo y ensayos de Moyano.

Teatro Tierra está integrado por 12 actores, todos dedicados exclusivamente a la actividad teatral y con un régimen de entrenamiento diario. Con ese método nació La montaña de los signos, un retrato del viaje que el poeta Antonin Artaud realizó a la Sierra Madre Occidental de México, en donde convivió con los indígenas tarahumara.

La figura de Artaud, considerado el padre del teatro de la crueldad, también ha marcado el camino artístico del Teatro Tierra, ya que Moyano se declara fascinado ante la obra del francés.

“Como me gusta la literatura, y sobre todo la poesía, Artaud me habla al oído. Era un tipo verdaderamente peligroso para los órdenes establecidos, pero un hombre que tenía una lucidez poco frecuente, particularmente frente al teatro”, dice el director y dramaturgo.

La obra reflexiona de una manera poética sobre el encuentro de Artaud con los indígenas mexicanos, pero también plantea los problemas que han tenido que enfrentar esas etnias, como la invasión del narcotráfico y las transnacionales mineras. Para resaltar ese punto, Moyano creó el personaje de un cronista colombiano que recrea el camino de Artaud.
“A través de él se puede contar la historia del autor sin volver esotérica la narración. Yo me planteé que esa historia, aparentemente sofisticada, pudiera ser comprendida por cualquiera que vea la obra”, añade.

Este nuevo montaje, una coproducción con el Teatro Mayor, explota uno de los recursos más destacados del Teatro Tierra: su manejo escenográfico. “Yo me fui distanciando del teatro ornamental y de la escenografía que tiene valor de decorado y fui tratando de encontrar en los elementos escenográficos cualidades orgánicas primordiales”, argumenta Moyano.

Por eso, en La montaña de los signos se utilizan casi dos toneladas de piedras. “La piedra es el valor de la memoria, lo perdurable, es lo más preciado de los indígenas”, añade Moyano.

El grupo ha seguido esa filosofía en títulos como La vorágine, adaptación de la novela de José Eustasio Rivera, en la que para plasmar la selva amazónica utilizó madera proveniente del sur del Huila.

En el trabajo del Teatro Tierra se pueden rastrear otras características, como un compromiso con las problemáticas sociales –la revuelta comunera en La insurrección de las hormigas y las secuelas de la guerra en Los ejércitos–. A la hora de hacer balance, para Moyano, lo más importante de este cuarto de siglo del grupo es haber “construido piedra a piedra una arquitectura humilde pero sólida... Son doce personas que comparten conciencia, aptitud y pasión por el trabajo teatral”. 

Funciones de la obra

29 de mayo al primero de junio, 7:30 p.m. Teatro La Candelaria. Calle 12
No. 2-59, Bogotá. Teléfono 281-4814.
Boletas: 20.000 pesos y 10.000 para estudiantes.

YHONATAN LOAIZA GRISALES
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

En verano abrirá sus puertas la primera réplica de esta ficticia ciudad en los parques temáticos de Florida (EE. UU.), según anunció Universal Orlando, sin concretar aún la fecha de inauguración.

Así, aseguran que éste será "el único lugar del mundo" donde los seguidores de la serie que más tiempo lleva emitiéndose en la televisión estadounidense se podrán pasear por las calles de la "verdadera" Springfield.

"Por primera vez en la historia, van a poder entrar en un mundo que solo han visto en televisión", afirma el presidente de Universal Creative, Mark Woodbury, en la web del complejo de parques temáticos de Orlando (Florida).

Desde mayo de 2008 en Orlando y en Hollywood ya hay una atracción dedicada expresamente a los populares personajes amarillos de Matt Groening, la llamada ‘The Simpsons Ride’, pero en los próximos meses en Florida se sumarán atracciones, restaurantes, tiendas y personajes de esta conocida ciudad, de poco más de 30.000 habitantes.

"Y sí, también habrá cerveza Duff, elaborada exclusivamente para Universal Orlando", al igual que la famosas Krusty Burgers, según promete el responsable de un proyecto en el que tampoco faltarán el restaurante marinero del capitán Horatio McCallister, la pizzería de Luigi o incluso el Lard Lad al que acudir por la mañana para comprar donuts.

El presidente de Fox Consumer Products, Jeffrey Godsick, detalla que la idea es "convertir en realidad lugares icónicos de Springfield con los que se han criado los seguidores de los Simpsons", considerado el mejor programa de televisión del siglo XX por la revista ‘Time’.

Así, también estará la estatua de Jebediah (Jeremías) Springfield, el pirata reconvertido en explorador que fundó la ciudad, y otros detalles imprescindibles de este fenómeno cultural que irrumpió en la vida de millones de personas al comienzo de los noventa y continúa en la de muchos de ellos, que lo siguen semana tras semana en su temporada número 25.

En consonancia con el gusto de sus creadores por mezclar con diferentes estrategias realidad y ficción, Homer0, Marge Bart, Lisa y Maggie, cuyas aventuras han sido merecedoras de 27 premios Emmy, incluso han visitado en la ficción ‘KrustyLand’, el parque temático de Krusty el Payaso, y han montado en la montaña rusa ‘The Simpsons Ride’.

Los creadores de la serie más popular de la cadena Fox siempre han eludido conscientemente dar pistas certeras sobre la localización exacta de la ciudad e, incluso, juegan al despiste y han convertido el tema en un "gag" recurrente de la propia serie.

Sin embargo, los fans han presionado durante años para tratar de poner cara a la vida real a Springfield, uno de los topónimos más comunes en Estados Unidos. Incluso, se han organizado concursos entre los Springfield de la vida real para determinar cuál se parecía más al de la ficción, pero lo cierto es que a día de hoy no existe en este país ninguno que se parezca medianamente a la ficticia ciudad.

Ello explica que, tras más de dos décadas de especulaciones, la confesión de Groenning hace tan sólo un año de que se inspiró en el Springfield de Oregón fue toda una revelación para la legión de seguidores de la serie.

Sin embargo, en seguida llegaron las matizaciones y las comparaciones, que dejaron en evidencia que esa población poco tiene que ver con la que los seguidores de la serie consideran la "verdadera" ciudad, aunque sea la única ficticia.

Las cuentas en redes sociales tanto de Universal Orlando como de la serie de los Simpson ofrecen hoy detalles sobre la que aseguran será la primera ocasión en la historia para pasear por las calles de la Springfield "real".

EFE

El presidente de la agencia gubernamental de tráfico en la metrópoli capitalina, Francis Tolentino, criticó al autor estadounidense por definir Manila como las "puertas del infierno" con un retrato, a su parecer, "inexacto". En una carta enviada al escritor, Tolentino expresó su "preocupación" por las párrafos del libro que hablan de la "polución sofocante y la terrible industria del sexo" en la capital filipina, una metrópoli de unos 11 millones de habitantes.

"Pese a que somos conscientes de que es una obra de ficción, estamos muy decepcionados con tu retrato inexacto de nuestra amada metrópoli. Estamos descontentos con cómo has usado Manila como el escenario y la fuente del trauma y depresión del personaje", precisó la autoridad filipina. Tolentino invitó a Dan Brown a visitar Manila, a la que describió como la "entrada en el cielo", para vivir la "hospitalidad y la bondad del pueblo filipino".

Apoyado por una parte de la población, el responsable político también ha recibido críticas de otros conciudadanos, quienes lamentan la contaminación, el mal servicio en los aeropuertos y los interminables atascos en la capital. "¡No lo invite! En lugar de llamar a Manila simplemente las 'puertas del infierno', podría calificarla como el 'propio infierno'", escribe con ironía un internauta en el diario ‘The Inquirer’.

‘Inferno’, que sale con una tirada de un millón de ejemplares en castellano, toma como punto de partida la obra maestra de la literatura italiana ‘La Divina Comedia’, del poeta Dante Alighieri. El profesor Robert Langdon, protagonista también de la exitosa ‘El Código Da Vinci’ y otras dos novelas posteriores, vive en la nueva entrega de Brown un tenso ‘thriller’ de simbología dantesca que transcurre principalmente en Italia. Publicado en España por la editorial Planeta el pasado 16 de mayo, un día después de su presentación en Estados Unidos, ‘Inferno’ ocupa ya el primer puesto de los libros de ficción más vendidos en las listas españolas.

Brown vendió 81 millones de ejemplares de ‘El Código Da Vinci’ (2003), un fenómeno que hizo que fuera la novela más vendida de todos los tiempos, traducida a 51 lenguas y considerada uno de los diez libros más leídos del mundo junto con la Biblia.

EFE

Siete obras, cada una de un cuarto de hora, ocho directores y diversos géneros se presentarán cada 15 minutos en sus distintas salas.

Jugando con la idea del ‘teatro para impuntuales’, las puertas de Casa Ensamble se abrirán a partir de las 6:45 p.m. para que los asistentes puedan tomarse un café o una cerveza en el bar central. Mientras esperan, podrán elegir qué obras quieren ver, de las siete que se presentarán esa noche (comenzando a las 8:15 p.m.), y los meseros les llevarán las boletas hasta su mesa.

Puro “teatro a la carta”, bajo la premisa de que el espectador es quien decide cuánto tiempo le dedica al teatro y cuánto quiere gastar. Aquí les presentamos el menú de esta primera temporada.

¿Dónde y Cuándo?

Casa Ensamble, avenida cra. 24 No. 41-69. Se estrena hoy. Miércoles a sábado, entrada desde las 6:45 p.m.; a las 8:15 p.m. empiezan las obras, cada una cuesta 10.000 pesos. Reservas: 368-9268.

‘Bell Venir’

“Bell Venir, su refugio de confianza, ilusión de muchos, privilegio de pocos. Porque solo se vive una vez”. Ese es el eslogan del ‘búnker’ que se inventó Beto Urrea y al que invita a los espectadores que quieran refugiarse del fin del mundo. Propone una obra que se pregunta sobre “la utilidad de las personas en una sociedad y en momentos extremos, como el fin del mundo”.

‘La ceguera del halcón’

Johan Velandia se la juega por una “tragedia contemporánea” que rinde homenaje a los actores olvidados de la televisión y el cine colombia- nos, y que parte de la idea de que “el fin del mundo para un actor es no volver a hacerlo”. Raquel Ércole abandona su retiro para protagonizar la obra.

‘Hablando (último aliento)’

Dos actores españoles, Carlos García y Carlos Aguilar, con una obra trágica que se pregunta acerca del sentido de la existencia, es la propuesta de Irma Correa, autora del texto. La obra es un diálogo entre secuestrador y secuestrado en un sótano, como si fueran los sobrevivientes del fin del mundo.

“Este formato es una oportunidad fantástica para que la gente se tome una copa mientras espera y decide qué tipo de obra quiere ver, es como ver cortometrajes, y con géneros muy diferentes”, dice Correa, profesora de actuación de Casa Ensamble, quien propone una reflexión sicológica.

‘Mi hermano y yo’

La obra, escrita y dirigida por Manuel Orjuela, director artístico de Casa Ensamble, es una reflexión política sobre los ‘falsos positivos’. “Ocurre en una tienda de un pueblo de tierra caliente y se desencadena del encuentro de dos personas que se quieren”, dice Orjuela.

‘Cómo ser la otra’

Una gurú de la sicología les da a los espectadores una ‘terapia teatral’ sobre cómo ser la otra mujer en una relación. Tips para ser la amante perfecta y no sufrir es lo que plantea la obra inspirada en un irónico texto de la escritora neoyorquina Lorrie Moore sobre ‘las otras’. Es dirigida por Martha Márquez (‘El dictador de Copenhague’) y Marc Caellas (‘Las Listas’, ‘El Paseo de Robert Walser’).

‘El infinito espejo de Pierrot’

Un actor se encuentra atado de por vida a un personaje que interpretó, y no logra zafarse de él. Ese es el argumento de la historia escrita y dirigida por Fernando Rojas, director de Ferronegro, el teatro de lo infrahumano. Rojas se inspiró en la historia de Jean Gaspard Deburau, un célebre mimo checo que interpretó a Pierrot (personaje de la comedia del arte italiana) durante muchos años, pero después vio cómo a su personaje lo convertían en todo lo contrario de su creación. “Tiene humor negro, pero con elementos de ‘clown’ ”, dice Rojas.

CATALINA OQUENDO
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO
@cataoquendo

“Los espectadores están acostumbrados a ver otro tipo de espectáculos; digamos que este lenguaje todavía está en un proceso de construcción de públicos. Entonces, uno necesita reflexionar sobre lo que estamos haciendo para que ese público venga a las salas”, dice Fernández.

Con esa mirada de reflexión y conquista de espectadores nació hace cuatro años el festival Impulsos, liderado por L’Explose y el Teatro Nacional y que este año realizará su tercera edición en Bogotá, del 22 de mayo al primero de junio en cuatro escenarios de la ciudad.

Fernández destaca que el objetivo en esta edición es presentarle al público un panorama de la producción que se realiza en Latinoamérica. “Estamos convencidos de que este es un continente que tiene muchas cosas que contar, y la prueba va a ser el festival”, dice el director, quien realizó la curaduría de este evento junto con Juliana Reyes y Daniel Álvarez Mikey.

Gracias a ese enfoque, Impulsos tendrá producciones de México, Ecuador, Uruguay y Argentina. Además, hay un espacio para los creadores nacionales, que hace énfasis en Medellín, que será la ciudad invitada de honor.

“El festival tuvo la oportunidad de hacer una ventana de la danza en enero, con programadores y distribuidores europeos, y descubrimos una Medellín con muchísima fuerza y muchísimas ganas, donde están pasando cosas, no solamente al nivel de Rafael Palacios y Peter Palacio, que son coreógrafos de nombre, sino de todo lo que se está viviendo alrededor”, añade el director.

Palacios y su grupo, Sankofa, serán los encargados de inaugurar el festival con La ciudad de los otros, que se centra en las expresiones de la comunidad afro-colombiana, mientras que Peter Palacio, que tiene una propuesta más clásica, presentará Middlesex, una pieza en la que los bailarines están acompañados por un piano y un violonchelo.

Por la capital antioqueña también se podrá ver la pieza Material/Material, del coreógrafo José Flórez.

El director añade que otra línea curatorial del certamen se enfocará en trabajos sobre la desnudez, con obras como Bon appétit!.

“Este es un trabajo muy interesante, en el que la piel está expuesta en el escenario. Es una pieza sobre el aprendizaje, sobre cómo vamos creciendo como seres humanos”, dice Fernández sobre este montaje de la compañía francesa La Halte-Garderie, que tiene coreografía del estadounidense Johan Amselem.

Además, se podrá apreciar el trabajo de coreógrafos colombianos que han forjado su carrera en otros países, como es el caso de Luis Garay, formado en Europa y quien trabaja actualmente en Argentina, que presentará el solo Maneries, y Vladimir Rodríguez, quien junto con el mexicano Ómar Carrum creó el espectáculo ESCrito absurdo.

Escenarios del festival

Impulsos tendrá programación en cuatro salas: el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, la Casa del Teatro Nacional, el Teatro Gilberto Alzate Avendaño y la Factoría L’Explose.

Además de los espectáculos de danza, el festival tendrá una muestra performática y una programación académica, compuesta por talleres para estudiantes y profesionales.

¿Dónde y Cúando?

Boletas desde 15.000 hasta 45.000 pesos. Informes sobre las funciones y los grupos en: www.teatronacional.com.co/
impulsos.

REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO
@YhoLoaiza

De pequeños detalles como estos sutiles cambios afectivos, advertidos por un agudo observador, se teje la narración que da vida al libro El confort de la cotidianidad, del científico colombiano Hernán A. Burbano, que hace parte de la colección literaria Inmigrantes II, de El Peregrino Ediciones, que reúne las historias personales de otros cuatro escritores.

“Hay que romper los códigos que uno trae, para apreciar y entender la vida en otro país o ciudad”, comenta Burbano, cuya capacidad de observación ha ido afinando con los años, desde que emigró de su natal Pasto a Bogotá, a los 18 años. Acá se graduó primero como veterinario y adelantó una maestría en genética, en la Universidad Nacional. Luego se radicó en Leipzig (Alemania), en donde hizo un doctorado en genética evolutiva.

Pero ¿cómo termina un científico que se dedica a la curiosa actividad de analizar el ADN del hombre del Neandertal haciendo literatura? “Tengo un interés muy fuerte por la literatura, lo que describiría como mi segunda pasión, después de la ciencia, y tenía cierta experiencia escribiendo cuentos de ficción”, explica Burbano (1978), sobre las motivaciones por las que aceptó hacer parte de este proyecto.

Siguiendo el consejo que alguna vez le dio su padre desde Pasto (“aproveche las románticas horas de la noche”), Burbano sacó tiempo luego de sus extenuantes jornadas en el instituto Max Planck de Antropología Evolutiva, en Leipzig, para estructurar su texto literario a través de tres líneas narrativas. “Una que le da importancia grande a la ciudad per se: siempre me ha parecido que las ciudades tienen su personalidad, que también influyen en la gente que vive en ellas; la otra era mi experiencia personal, y además quería contar dentro del hilo narrativo lo que es hacer ciencia”.

El resultado es un hermoso texto reflexivo que no solo lleva de la mano al lector por la vida cotidiana de Leipzig (su gente, sus bares, la vida estudiantil) sino que lo invita a pasar a las habitaciones privadas del alma del autor, para saber cómo se ve Colombia desde la distancia o cómo se percibe la nostalgia, el amor y la amistad.

De paso, Burbano también le revela al lector su investigación sobre el ADN del hombre del Neandertal, desaparecido hace más de 30 mil años, pero que –según él– abre “una ventana al pasado”. “Permite saber cuáles son los cambios que pasaron en el último medio millón de años –anota–, que son responsables de las características de los humanos modernos, lo que nos diferencian de otros animales”.

Aunque estos importantes hallazgos le han permitido al científico publicar en prestigiosas revistas como Nature, Science y Cell, su experiencia en la literatura le resulta, quizás, más especial.

“Otra de las ideas que quería mostrar en el libro es reivindicar lo pequeño. A veces las satisfacciones están en mirar un atardecer con alguna amiga que en publicar un artículo en Science, sin que eso no sea importante”, agrega Burbano, quien hoy vive en la población universitaria de Tübingen (Alemania), en donde sigue investigando el ADN ancestral: “pero ahora he cambiado un poco de organismos y estoy trabajando principalmente con plantas, en lugar de humanos”, concluye el autor, quien ya tiene en ciernes nuevos proyectos literarios. 

Experimento de no ficción literaria

Inspirados en un texto sobre lo que busca la literatura de no ficción, del español Vicente Verdú, los editores Álvaro Robledo y Juan David Correa iniciaron el sueño de El Peregrino Ediciones, invitando a personas radicadas en otros lugares del mundo, de diferentes disciplinas (científicos, fotógrafos, escritores, dramaturgos), que estén interesados en escribir de forma creativa. “Creemos que con la vida se puede hacer literatura, sin que sea solamente un asunto de imaginación. Estamos convencidos de que así uno hable de su cotidianidad, puede hacer narrativa”, dice Correa.

CARLOS RESTREPO
CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

Este disco, augura Carmona, “será un hermanamiento de la música del vallenato y la guitarra flamenca”.

“Estoy aprovechando para empaparme de la gente de acá, porque siempre que se va a hacer una fusión, es importante conocer el sitio y la base de la música, el espíritu de las personas”, explicó Carmona antes de partir para Madrid.

“La coincidencia que más encuentro es ‘la manera’ de los pueblos –agrega Josemi–, el pueblo gitano es muy parecido al caribe colombiano, en su forma de vida, en su alegría, su manera de ser”.

El guitarrista es un conocedor de la fusión. Junto a su primo Antonio Carmona integraron la segunda generación de la célebre agrupación Ketama, que llevó al flamenco por el camino de la fusión. Apenas tenía 16 años, pero a partir de ahí, Josemi se encaminó por las rutas del jazz.

“Mi flamenco es especial, siempre me ha gustado fusionar y me permito algunas licencias. Acá recojo las melodías y las letras del vallenato para llevarlas a la guitarra flamenca”, explica.

Recientemente, Josemi Carmona estuvo de gira con el jazzista Dave Holland y el quinteto de Pepe Habichuela, haciendo fusión de flamenco y jazz. Holland participó, de hecho, en el álbum de Josemi, Las pequeñas cosas, junto a otros artistas como el gigante Paco de Lucía y Jorge Drexler.

“Me encantaría venir por acá, al Festival de Jazz, para traerles el flamenco nuevo que se hace en España”.

En el proyecto de Chabuco, un álbum que verá la luz en próximos meses, también se han embarcado, entre otros músicos, Joel Waldman y Kike Purizaga, además del productor Carlos Huertas.

Fue a través de Antonio Carmona que Josemi llegó a Chabuco, luego de que el primero conociera al colombiano en una tertulia en España. “A Chabuco le encantó mi disco y cuando vino, en medio de la parranda, estuvo en el estudio, empezó a cantar y me enamoré de su voz, tiene un gusto increíble”, afirmó el guitarrista. 

REDACCIÓN EL TIEMPO

Haneke, director, guionista y profesor de cine austríaco de origen alemán (Munich, 1942) empezó su carrera como realizador independiente en 1970, trabajó para el cine, el teatro y la televisión y cuenta con numerosos premios por sus obras de estética expresivas y provocadoras que suelen generar controversia.

Además de sus trabajos cinematográficos, dirigió las obras de Mozart ‘Don Giovianni’ y ‘Cosi fan tutte’, que fue estrenada en el Teatro Real de Madrid en febrero de 2013. Un total de 33 candidaturas optaban a este galardón, el primero en fallarse de los ocho que concede anualmente la Fundación Príncipe de Asturias.

Los Premios Príncipe de Asturias, que este año alcanzan su XXXIII edición, están dotados con 50.000 euros (unos 65.600 dólares) y la reproducción de una escultura diseñada por el español Joan Miró y serán entregados en octubre por don Felipe de Borbón en el teatro Campoamor de Oviedo, en el norte de España.

Además de Haneke y de Acosta, los otros tres finalistas eran el artista estadounidense Bruce Nauman, el compositor estonio Arvo Pärt y la artista de 'performance' serbia Marina Abramovic.

Sobre Haneke

Haneke, experto en conmover al espectador, ganó la Palma de Oro de Cannes en dos ocasiones, por ‘Das weisse Band’, ‘The White Ribbon’, (2009) y por ‘Amour’ (2012), largometraje que le reportó además el Óscar a la mejor película en lengua extranjera y el César de la Academia de Cine de Francia.

Hijo de director Fritz Haneke y de la actriz Beatriz Degenschild, estudió Literatura, Psicología y Artes escénicas en la Universidad de Viena y empezó su carrera como realizador independiente en 1970.

Tras destacar también en la dirección teatral, su debut en la gran pantalla llegó con ‘Der siebente Kontinent’, ‘The 7th Continent’ en 1989, donde narraba la destrucción de una familia vienesa de clase media.

Desde sus inicios, la muerte como generadora de violencia se convirtió en uno de los temas centrales de su obra, valiéndose de una estética muy expresiva y provocadora.

En los siguientes años realizó ‘Benny's video’ o ‘71 Fragmente einer Chronologie des Zufalls’, entre otras, y ya en 1997 exhibió ‘Funny games’ en la sección oficial de Cannes, festival en el que ganó el Gran Premio del Jurado con ‘La pianiste’ (2001).

En 2003 volvió al Festival para presentar la apocalíptica ‘Le Temps du loup (Wolfzeit)’, que no compitió porque uno de sus protagonistas, el director francés Patrice Chéreau, presidía el Jurado. Con ‘Caché’ (2005) ganó el Premio al Mejor Director en Cannes y con ‘Das weisse Band’ (‘The White Ribbon’), la Palma de Oro de Cannes, el Globo de Oro a la Mejor Película de habla no Inglesa y el Premio a la Mejor Película Europea.

En 2012 volvió a la competición en Cannes con ‘Amour’, con la que ganó su segunda Palma de Oro, así como el Oscar a la mejor película en habla no inglesa y el César francés en cinco categorías: mejor película, director, guión original, actriz y actor, el Premio de la Academia del Cine Europeo.

Profesor de dirección en la Vienna Film Academy, cuenta con la Cruz de Honor de las Artes y las Ciencias de Austria (2007) y es comendador de la Orden de las Ciencias y las Letras de Francia (2010).

Es Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid y, desde hoy, Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

EFE

En homenaje a su legado, acaba de publicarse la antología ‘Mientras vivimos’, que recoge los poemas inéditos que el creador de las memorables bienales de Coltejer escribió entre 1960 y el 2010.

En esta nueva publicación se incluyeron, además de los textos de Cardenal y Arango, uno de su esposa María Helena Uribe de Estrada, que están acompañados de una serie de fotografías del autor con críticos de arte mundial y artistas reconocidos, que también fueron sus grandes amigos.

El poeta Juan Gustavo Cobo Borda destaca el famoso diccionario de arte que hizo Leonel Estrada, en el que definía varios términos artísticos contemporáneos.

“Pero el otro aspecto que vale la pena mencionar, es que siendo ya un hombre mayor, se descubrió a sí mismo como un poeta sorprendentemente joven, es decir un poeta que amaba la música rock, que amaba el jazz y sobre todo que cultivaba la fotografía en sus múltiples viajes, pero también sobre todo en su poesía”, explica Cobo, al agrega que sus versos los definió Ernesto Cardenal como de corte ‘exteriorista’.

“Leonel toma instantáneas de las cosas, a manera de pequeños primeros planos, de sus seres queridos, de la situación del Medellín de entonces, y también de los cambios sociales y culturales. Entonces, estamos ante un poeta despojado, con una veta religiosa, pero también un poeta muy seco, depurado, y lleno de agudeza y color”, anota Cobo Borda.

Aunque ejerció la profesión de odontólogo, con la que sacó adelante a sus cinco hijos, Estrada dedicó su vida al arte. “Pintaba un cuadro diario, al momento de su muerte, pero yo creo que lo más importante en su vida fue la gestión cultural de arte. Fue el creador de las bienales de arte de Coltejer, en los años 60 y 70, que en cierta forma transformaron el arte en el país, porque abrió el país a una visión internacional del arte”, comenta su nieto Martín Nova Estrada.

Esa mirada universal la trajo a su regreso de los Estados Unidos, luego de estudiar en la Universidad de Columbia, en donde había podido empaparse de las tendencias artísticas vanguardistas. “Cuando regresa a Medellín, se encuentra con un arte muy cerrado y local, que lo llevan a promover un cambio”, anota Nova, al destacar que hasta antes de morir, su abuelo participó muy de cerca en las escogencia de los artistas que iban para la bienal de Florencia.

REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

Los 'voyeuristas' sentados en un sillón, a pocos metros de la mujer que se muestra en primer plano, recorren con sus ojos el cuerpo desnudo y 'juzgan' lo que ven.

En Europa los críticos se han referido al programa, presentado por Thomas Blachman, como una 'humillación sexista contra las mujeres', pero Blachman, un músico de jazz que también fue jurado en la versión del 'Factor X' en su país, se ufana de ser 'creador' del nuevo concepto de 'reality' y dice ser 'un genio'.

'Blachman' es furor no solo en Dinamarca sino en otros países donde comenzó a circular información sobre éste.

Ha habido muchos comentarios del público exigiendo que se cancele el programa, que califican de "repugnante" y "excesivo".

Al respecto, su creador asegura: "Toda la idea del show es dejar que los hombres hablen acerca del cuerpo de mujeres desnudas mientras la mujer está parada frente a ellos. El cuerpo femenino ansía que hablen de él. Que los hombres hablen de él. Se trata de estimular la discusión sobre la estética".

Críticas

El escritor danés Knud Romer, en diálogo con el diario 'Daily Mail' dijo: "La supuesta intención de romper tabús o desafiar estereotipos que tiene el programa es basura. Es más como un 'strip-club' claustrofóbico que solo sirve para cimentar los conceptos de autoridad machista. Básicamente, cosas como esa debían relegarse al basurero de la historia, hace muchos años". (Lea aquí: Piden retirar 'Diario de Anna Frank' por pornográfico)

Lotte Hansen, otro de los líderes de opinión del país escandinavo describió el show como "un fallido intento de intelectualizar las presentaciones que se ven en Roskilde (festival folclórico). La única diferencia es que en el programa en lugar de yeguas jóvenes lo que se ve son mujeres desnudas". Hansen inició una campaña para pedir la cancelación de la emisión '"antes de que vaya más lejos"

De su lado, Martin Lyngbo, del Teatro 'Mungo Park', añadió: " el programa institucionaliza el típico pensamiento machista".

Defensas

Sofia Fromberg, la editora de DR que comisionó el programa, también lo defiende. En entrevista con BBC Mundo Fromberg dijo no entener por qué se ha desatado una vorágine con esta serie que simplemente está mostrando lo que los hombres piensan sobre el cuerpo femenino.

"Se ha acusado al programa de sexista y de todo tipo de cosas. Y hay un debate en los medios internacionales que lo están criticando sin haberlo visto. Pero eso, decidimos colocar en internet el último programa de la serie, con subtítulos en inglés, para que el público pueda juzgarlo por sí mismo".

"Es un programa que revela lo que los hombres piensan sobre el cuerpo de una mujer. Y honestamente, ¿qué hay de malo en eso?", dice la editora.

Fromberg se muestra firme en que en ningún momento de la serie de seis programas Thomas Blachman o sus invitados han hecho algún tipo de comentario ofensivo.

"Cuando Thomas Blachman vino a mi oficina a presentarme la idea yo tuve la misma reacción" explicó la editora.

"Thomas me presentó la idea explicando que muchos de sus amigos habían comentado que a pesar de que cuando los hombres están reunidos en un bar suelen hablar sobre el cuerpo de las mujeres, pocas veces están dispuestos a hacer esos comentarios directamente a su pareja".

"¿Acaso los hombres tienen miedo de hablar directamente del cuerpo femenino y lo que piensan de éste?".

"Entonces pensé que la idea tenía sentido porque en nuestra sociedad estamos continuamente hablando sobre el cuerpo femenino y, sin embargo, no nos atrevemos a decirle a nuestras parejas lo que pensamos".

"Hoy en día en los medios de comunicación el cuerpo femenino siempre se presenta de la misma forma: solo se ven modelos, anfitrionas hermosas con senos artificiales, presentadoras de noticias con caras perfectas".

¿Estereotipo?

"En los medios se ha olvidado como son las mujeres reales. En los seis programas de la serie incluimos todo tipo de mujeres: una con una visible cicatriz de cesárea, otra era una mujer de 85 años que mostró desnuda sus arrugas. Blachman le dijo que era hermosa, le habló de la belleza de su cara y de la belleza de su cuerpo arrugado" dice Sofia Fromberg.

"También tuvimos a una joven con un cuerpo voluptuoso que tenía mucha celulitis en el trasero. Después del programa nos escribió dando las gracias por los comentarios sobre su cuerpo que, dijo, la habían hecho sentir muy bien", agrega.

Fromberg señala que para buscar a las participantes se publicó un anuncio en un periódico y que de las solicitudes que llegaron se eligió a una variedad de mujeres: modelos, amas de casa, actrices, maestras de colegio, etcétera.

También subraya que las participantes solo recibieron una suma de dinero "simbólica", para pagar los gastos de su participación.

La editora afirma que ahora que terminó el programa tendrán que reflexionar si seguirán adelante con una segunda serie.

REDACCIÓN DIARIOADN.CO CON INFORMACIÓN DE BBC.CO.UK/MUNDO

“Yo nací pa’ ser historia en los valles del Sinú y un palo de Santacruz me cobija con su sombra. Soy orgullo de Colombia porque soy colombiano y un tuchinero artesano me fabrica emocionado. Soy el sombrero ‘vueltiao’ fabricado con cañaflecha, soy una cosa bien hecha, con respeto y con cariño, pa’que vengan unos chinos a embolatar mi procedencia.”

Desde ese momento, la canción no tuvo rival. Al final, Pérez obtuvo el título de rey vallenato de la canción inédita. “La canción nació como defensa de un símbolo cultural de la nación”, relató Pérez, autor de vallenatos románticos como Perdóname la vida (grabada por Los Inquietos) y Me duele el alma (Jesús Manuel).

Y después de presentarse 15 veces al concurso, muchas veces, con canciones de amor, el compositor sucreño, radicado en Maicao, ganó con una protesta contra los sombreros ‘vueltiaos’ chinos, que venían a remplazar el trabajo de los artesanos de Tuchín, Sampués y San Andrés de Sotavento. “Un sombrero normalito es un día de trabajo, y en uno fino, de los de 29 vueltas, se gasta casi un mes –explicó–, mientras que los chinos se hacen por montones de un tiraje. Por eso, entré a pelear por una buena causa desde mi tribuna, que son las canciones.”

Pérez compuso la canción en un solo día, dos meses antes del Festival. “La hice rápido porque tenía todas las bases de lo que estaba reclamando”, explica.

Y la hizo en ritmo de puya –una puya que se interpretó muy cadenciosa en tarima– porque siente que es un “ritmo olvidado”. Una vez lista, corrió a autenticarla, a grabarla en estudio con acordeón, caja, guacharaca “y dos guitarras para que sonara elegante” y la envió a la preselección. Pasó el primer filtro entre 270 canciones y fue la ganadora entre las 68 que compitieron entre el 26 y el 30 de abril. Un cuentico chino cautivó con su narración en primera persona, en la que un sombrero ‘vueltiao’ afirma: “Quieren burlarse de mí con material reciclado, pero el sombrero ‘vueltiao’ solo se hace en mi país; desde pequeño me hacen con cañaflecha criolla, de esa que nunca se parte y solo crece en mi Colombia”.

Pérez, que cuenta con 75 canciones grabadas por artistas vallenatos, espera la premiación oficial del Festival, este viernes 10 de mayo en Valledupar.

LILIANA MARTÍNEZ POLO
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

Es cierto: una técnica que baja el color y sube el contraste de las imágenes, algo que el laureado director estadounidense ha usado en sus películas –en Rescatando al soldado Ryan, por ejemplo– lo reprodujo el colombiano en su filme Estrella del sur para lograr ese tratamiento visual denso, que transmite la dureza de su historia.

Su ópera prima, que se puede ver en los cines del país, está inspirada en un grupo de estudiantes de colegio que aspira a tener una vida alejada del entorno de violencia y pobreza en el que han crecido, y hasta donde llegan los asesinatos selectivos (que reciben el horrible nombre de ‘limpieza social’).

“En principio, era la historia de un niño de 13 años que soñaba con ser piloto. Con el tiempo me di cuenta de que los demás personajes necesitaban más espacio y así se convirtió en una película coral”, recuerda González, que fue asesorado por el guionista Jorge Goldenberg (La estrategia del caracol). “Era una historia miedosa e inocente y él me ayudó a convertirla en lo que es”.

Estrella del sur es un relato crudo, violento, incómodo y esperanzador, que refleja una realidad estremecedora que la acerca al documental. Es una propuesta bien hecha que desde su estética indica hacia dónde va. “La gente no sale feliz, pero sí satisfecha de lo que vio”, asegura el director.

“Las actuaciones siempre apuntaron a ser muy naturales y creíbles. Pero esto se ve como una ficción cuando cada uno de los personajes se convierte en una metáfora de la naturaleza humana. No hay personajes totalmente buenos ni completamente malos”, explica el director, que trabajó como profesor en el colegio donde se filmó.

Un riesgo adicional fue usar actores desconocidos, egresados de la Asab: “Sí, y no me importó, lo que quería era tener buenos actores; no me importa si son feos, bajitos... pero que sepan actuar. Muchos habían vivido situaciones similares”.
David Trejos, Biassini Segura, Carolina Galeano y Luis Alejandro Prieto son los cuatro personajes principales. Julieth Restrepo completa el elenco y es la única cara reconocida (protagoniza la serie La promesa).

Pelé, considerado por algunos especialistas como el mejor futbolista de la historia, aparecerá la próxima semana en el Festival de Cannes para ayudar a promover el proyecto, agregó la publicación.

La productora del cineasta Ron Howard, Imagine Entertainment, se encuentra detrás de un proyecto que cuenta con la dirección y el guión de los hermanos Jeff y Michael Zimbalist.

La cinta girará en torno a los años iniciales de la carrera deportiva de Pelé hasta que ganó su primer Mundial en Suecia en 1958, con 17 años.

Los Zimbalist han realizado documentales como ‘Favela Rising’ y ‘The Two Escobars’. Está previsto que la película se estrene antes de la celebración del Mundial de Fútbol de Brasil en 2014.

A lo largo de su carrera, que terminó como integrante del Cosmos neoyorquino en 1977, Pelé obtuvo tres campeonatos del mundo con la selección de su país y ha sido condecorado con títulos como caballero de la Legión de Honor Francesa (1963), caballero honorario del Imperio Británico (1997) o la Orden de Mérito del Centenario de la FIFA (2004).

Precisamente el miércoles 8 de mayo se anunció que la compañía Epic Pictures Group prepara una película sobre la vida del futbolista argentino Lionel Messi, considerado el mejor futbolista de la actualidad.

“¿Por qué me voy? Aunque ha sido el trabajo más interesante de mi vida, empiezo a notar el cansancio, que asocio al tejemaneje administrativo, que me ocupa la mayor parte del tiempo –dice en entrevista con EL TIEMPO–. También es bueno que se renueve la gente. Yo estaba cansada y no es bueno el cansancio con semejante responsabilidad.”

Roda se enfrentó a las trabas puestas a la ley de bibliotecas, y a la adecuación tecnológica del edificio, que, advierte, ya no tiene espacio. Estos son cinco puntos que fueron y serán claves en el desarrollo de la entidad, que tiene un presupuesto de 7.450 millones de pesos.

1. La frustración: el edificio

“La gran frustración es irme sin solucionar el lío del edificio, al que se le acabó el espacio. Aquí se conserva el depósito legal del país, más allá de lo que es patrimonio, y hemos hecho malabares para organizar el material. Desde el 2009 tenemos un proyecto técnico para hacerle una reestructuración. Además, tenemos dos copias, para preservación y para uso, pero ¿qué pasa si se revienta un tubo de agua o hay un terremoto? Se desaparece todo ese material de un solo plumazo”.

2. ¿En qué van las bibliotecas públicas?

Hoy existen 1.406, de la cuales, según Roda, el 94 por ciento cuentan con dotación completa y 500 de ellas tienen conexión a Internet. La Fundación Bill y Melinda Gates aportó 3,2 millones de dólares para un programa piloto de conectividad de 26 bibliotecas en todo el país. “Nuestro mayor problema es que los bibliotecarios dependen de los alcaldes y muchos de ellos ven el cargo como algo político”, dice Roda. Adicionalmente, se están actualizando las colecciones y el trabajo en primera infancia.

3.La ley de bibliotecas

Uno de los momentos más amargos de Roda lo vivió con las trabas que sufrió la ley de bibliotecas en el Congreso, donde se intentó quitarles los recursos (15.000 millones de pesos). “Fue muy duro –dice–; la impotencia de que no la apoyen y de que nadie se rebote. Me sentí sola. La Ministra logró que la aprobaran en la reforma tributaria y que se garantizaran los recursos para las bibliotecas; así que podrá seguir el proceso.”

4. Pendientes y desafíos

“La Red de Bibliotecas Públicas queda con una carta de navegación asegurada y una ley que les asigna recursos, pero hace falta organizarlas de una manera más activa, dotarlas de tabletas y conectividad. Por otro lado, hay que fortalecer la red estatal de bibliotecas patrimoniales, pues el patrimonio bibliográfico nacional está repartido por todo el país. Y muy importante: continuar la digitalización.”

5. La digitalización

Se digitalizaron 28.134 títulos, entre archivos de Rufino José Cuervo, Germán Arciniegas, fotos de Nereo López, 102 mapas del país, 1.500 partituras colombia- nas de los siglos XIX y XX, los archivos de la prensa del siglo XIX del Tolima y 143 videos del Fondo de Patrimonio Fílmico. Se creó el Sello Editorial Digital BNC para producir libros diseñados para tabletas Android e iOS, disponibles gratis en Google Play Store y Apple App Store. De esos ya están La vorágine, Antología del cómic colombiano y Fábulas de Rafael Pombo. Y está por lanzarse Colombiae, un metabuscador digital de patrimonio, con las bibliotecas Piloto de Medellín, Luis Ángel Arango y Unal y el Archivo Histórico de Medellín, con cuatro grandes temas.

CATALINA OQUENDO
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO
@cataoquendo

Esa bandera que Najarro expone constantemente en sus declaraciones se puede rastrear en Suite Sevilla, una de las piezas que el ballet presentará mañana y el domingo en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, de Bogotá.

Según Najarro, creador de este título, aunque el concepto es muy tradicional –se desarrolla en momentos como las ferias y una Semana Santa de Sevilla, capital de la comunidad autónoma de Andalucía–, toda la puesta en escena, la interpretación musical y la coreografía son muy vanguardistas.

“Como creador, es una visión muy personal de lo que es la danza española en todas sus gamas... Hay movimientos técnicos muy potentes”, dice el coreógrafo en conversación telefónica con EL TIEMPO.

Suite Sevilla es originalmente una partitura musical compuesta por Rafael Riqueni para dos guitarras. Najarro decidió trasladar esa obra a un formato de diez músicos, que ambientan una revista de once coreografías.

“Aquí hay varios estilos, desde la escuela bolera, hasta la danza clásica, el folclor y el flamenco. Todos son interpretados por un cuerpo de baile con mucha técnica y expresión”, comenta el español.

Espacio para la tradición

Además de mostrar esas nuevas creaciones, Najarro es consciente de que el ballet tiene la responsabilidad de presentar las grandes obras del repertorio dancístico español.

Por eso ha revivido obras de reconocidos coreógrafos como Medea, una pieza de José Granero que se estrenó en 1984, y Paso a cuatro, del fallecido Antonio Ruiz Soler, conocido como el ‘Bailarín’, que se presentó por primera vez hace más de 50 años.

Najarro también ha recorrido la obra del popular bailaor Antonio Canales –a quien se considera el sucesor de Ruiz Soler–, cuya coreografía Grito complementa el programa que el Ballet Nacional de España presentará en Bogotá.

“Es una pieza que define muy bien el vocabulario y el estilo de Antonio Canales como coreógrafo... Es una coreografía bastante sencilla en cuanto al nivel estético y de puesta en escena, pero muy fuerte en la interpretación”, sigue.

En Grito, Canales plantea un repaso por los principales palos (variedades) del flamenco, con seguidillas acompañadas de castañuelas, soleas y alegrías. Cierra con tangos, interpretados por todos los bailarines.

Funciones

Mañana, 8 p.m. Domingo, 5 p.m. Teatro Mayor. Calle 170 No. 67-51, Bogotá. Informes: 404-2463. Boletas: 35.000, 70.000, 110.000 y 150.000 pesos. Canal Capital transmitirá en directo la función del sábado.

YHONATAN LOAIZA GRISALES
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

Considerada como una joya de la sangre y las tripas falsas –gracias en buena medida a los comentarios entusiastas que hizo el escritor Stephen King después de verla en 1981–, The Evil Dead había sido candidata a entrar en la moda de los remakes o actualizaciones, a los que se ha dedicado Hollywood en la última década.

Tanto Sam Raimi como Bruce Campbell, el protagonista de la cinta original, recibieron durante años proyectos alrededor de la historia de un grupo de jóvenes que quedan atrapados en una cabaña y son poseídos por demonios. Pero la que les interesó fue la de Fede Álvarez, un uruguayo que no quiso simplemente calcar la historia en el presente, sino que se arriesgó a dar un pequeño giro a la trama y usar el mínimo de efectos digitales, para volver al maquillaje y las prótesis, en el festín de sangre y violencia en que se convirtió su nueva Posesión infernal.

Ahora el espectador se enfrenta a una cinta brutal con excesos de forma, más que de fondo.

Por eso, casi que está dirigida a fanáticos incondicionales del horror extremo y a puristas de los efectos visuales y el maquillaje grotesco.

Es cierto que está bien filmada y tiene un ritmo atroz, pero hay que insistir en que puede resultar incómoda si no se tiene un gusto por el género más extremo del cine de horror.

REDACCIÓN EL TIEMPO

Recordado por Asesinos sustitutos, Lágrimas del sol y Día de entrenamiento, entre otras, Fuqua se le mide a una sobredosis de bala en esta cinta protagonizada por Gerard Butler (en el rol de Mike Banning), un experto en seguridad que busca recuperar el control, salvar al presidente y evitar un ataque terrorista contra el país. El director habló con EL TIEMPO.

¿La paranoia que se gestó desde los ataques contra las Torres Gemelas, el 11 de septiembre del 2001, fue un elemento primordial en la historia de su nuevo filme?

En verdad, yo quería divertirme haciendo una película llena de acción, explosiones espectaculares y que fuera entretenida. Pero, al mismo tiempo, mucha gente me hizo caer en cuenta de que, aunque era un factor importante, había que encontrar elementos que sirvieran como polo a tierra. Desafortunadamente, por los hechos que conocemos, es difícil tomar una película como esta y tratar de hacerla más liviana en su contenido.

Entonces, ¿cómo fue adaptar una temática tan sensible a la historia de un héroe?

Es imposible marginarla de los acontecimientos actuales para hacer una analogía de lo que pudiera suceder en realidad. El vínculo narrativo lo hace Banning (Butler) que busca, precisamente, recuperar la imagen de héroe, perdida tras haber tomado una decisión que afectó su trabajo y su relación con el presidente. Una crisis le da esa oportunidad al protagonista de reivindicarse consigo mismo y con su país.

¿Y la misión cómo fue concebida?

Me reuní con agentes retirados del Servicio Secreto estadounidense. En una mesa, desplegamos mapas y soldaditos de juguete para crear diferentes situaciones y escenarios. Así que, tras ver las armas y el contexto geopolítico de la actualidad, tomamos decisiones importantes para la trama, como que en esta oportunidad los malos de la película fueran los norcoreanos.

El próximo estreno de la cinta ‘White House Down’, de Roland Emmerich, en la que la Casa Blanca también es blanco de un ataque, hace pensar que se trata de una edificación muy vulnerable...

Sí, ese es un pensamiento aterrador, pero me siento feliz en decir que tras mis investigaciones, creo que estamos en buenas manos. El Servicio Secreto es una rama muy bien entrenada y preparada para evitar que le suceda algo malo al presidente de Estados Unidos. Sin embargo, ellos no pueden bajar la guardia.

¿Ha hablado con Roland Emmerich de las similitudes de su película con ‘White House Down’?

No lo conozco, pero respeto su trabajo muchísimo. Creo que sería divertido sentarnos con una cerveza en la mano y ponernos a discutir sobre similitudes y diferencias. Pero no me inquieta el trabajo de Roland en su filme acerca de la destrucción de la Casa Blanca, porque sé que se trata de una historia diferente.

Operación: Código olimpo

Dirección: Antoine Fuqua.
Con: Aaron Eckhart, Gerard Butler, Morgan Freeman y Rick Yune.
Género: acción

MARIO AMAYA
PARA EL TIEMPO

Esta vez, El desafío, reality de Caracol, se hace en África, “con paisajes, animales salvajes y todo el contraste cultural que es grande para los televidentes”, dice Juan Esteban Sampedro, gerente de Entretenimiento de Caracol Televisión.

A Senegal, país escogido, llegaron 170 personas del canal, entre ellos la presentadora, Margarita Rosa de Francisco, y los 21 concursantes, siete de ellos en el grupo de los famosos (María Luisa Calle, ciclista; Hasam, humorista, y los actores Gregorio Pernía y Fabián Mendoza, entre otros). Otros siete participantes están en el grupo Retadores e igual número en el de Sobrevivientes.

Sampedro agrega que con el tema del idioma (en Senegal se habla francés) no han tenido problemas gracias a los traductores, pero ya en el trabajo de campo “hay 130 trabajadores locales que hablan wólof (la lengua más común en ese país) y a punta de señas y de sentido común hemos logrado sacar adelante el programa, con el plan de grabación al día”.
Sampedro agrega que los senegaleses son “agradables, abiertos de corazón y muy buenos seres humanos”.

Además, los equipos han podido compartir con la tribu serer, una de las más antiguas. “Han convivido con ellos, volviendo al origen, a lo básico, a disfrutar la vida desde la esencia”.

‘Colombia tiene talento’, segunda temporada

José Gaviria, músico y productor, es el jurado de ‘Colombia tiene talento’ que debuta este año, al lado de las repitentes Paola Turbay y Alejandra Azcárate, y cuenta que aunque no puede adelantar nada, está seguro de que una concursante, Marly, cautivará a los televidentes.

La convocatoria se hizo en Cali, Medellín, Barranquilla y Bogotá, entre otras, y el equipo de producción del programa es de 120 personas, según información de Frank Sheuermann, director del concurso.

Agrega que “siempre en estas convocatorias hay gente nueva y talentosa y también personas que participaron en la temporada anterior, que llegan mucho mejor preparadas para sus presentaciones”.

‘El mundo animal de Max Rodríguez’

‘El mundo animal de Max Rodríguez’, programa infantil que estrena hoy Señalcolombia, nació de un grupo creador de propuestas de televisión infantil, Tribu 70.

Y dará a conocer las especies animales de América Latina, con Max y Chambimbe, como protagonistas. El primero, un explorador torpe y despistado, y la segunda, experta en fauna y flora.

Del programa solo se ha emitido un capítulo por el canal público y ya tuvo una nominación al India Catalina en el apartado de mejor programa infantil y es candidato a los premios del Festival ComKids Prix Jeunesse Iberoamericano, de São Paulo (Brasil), en Programas de ficción para niños de 7 a 11 años. Es una coproducción con Señalcolombia, Pakapaka de Argentina, TV Ecuador y Centro Ático de la Universidad Javeriana de Colombia.

Diana Narváez, de Tribu 70, dice que los niños “conocerán las especies rana dardo, danta y coatí, entre otros. Para hacer los programas, se formó un equipo liderado por un biólogo”.

‘Los pingüinos de Madagascar’

‘Los pingüinos de Madagascar’ es la propuesta de Citytv para las tardes infantiles.
Cuenta la historia de Skipper y su grupo de amigos, que deben mantener el control en el zoológico de New York. En este combo están Kowalski, Rico y Cabo, quienes, por supuesto, tienen aventuras todo el tiempo tratando de hacer bien su trabajo.

Chica vampiro’, por la tarde

Con la dirección de Tony Navia llega la telenovela infantil y juvenil Chica vampiro, protagonizada por Greeicy Rendón, exparticipante del Factor Xs , quien representa a Daisy, y el argentino Santiago Talledo, protagonista de la serie gaucha Patito feo, que es Max. Cuenta la historia de una joven que lucha por tener una vida normal, pues hace parte de una familia de vampiros.

La producción tiene 120 capítulos.

REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

Ella es la madre de Alana, la niña que protagoniza el docureality Here Comes the Boo Boo. Los críticos se rasgan las vestiduras revelando el poco valor cultural de esa serie que muestra la vida de una familia incorrecta, disfuncional y maleducada, en torno a la pequeña June, conocida popularmente como Honey Boo Boo, a quien alimentan con comida chatarra, le enseñan groserías y cuyo mayor ejemplo es el televisor; pero los índices de audiencia en EE. UU. marcan que supera los dos millones de televidentes por capítulo.

“Las opiniones son como los culos... todos tenemos uno”, agrega la señora Thompson, parafraseando al pornógrafo Larry Flynt y emulando su irreverencia televisiva en la entrevista; pero su exitoso show no es el único que gusta, a pesar de sus excesos.

Otro caso es el de Killer Karaoke , un concurso en el que aficionados al canto tratan de interpretar una canción mientras enfrentan pruebas como ser atacados por un perro, recibir descargas eléctricas o ser sumergidos en una tina con serpientes o alacranes.

“La tortura es el precio de salir del anonimato”, dijo el sociólogo argentino Giorgo Agostini en el diario La Nación, de Chile, al analizar ese espacio, que ya prepara la segunda temporada.

“Estos programas que se ven con un cierto placer culposo funcionan porque son fáciles de ver (...) generan emociones de asco, risa o rechazo, que no dejan que pasen inadvertidos”, agrega el crítico de TV Ómar Rincón.

Por eso, también funciona el reality My Big Redneck Vacation , en el que una familia pobre termina visitando una zona de millonarios en Nueva York; así como la serie documental Mi extraña obsesión , acerca de gente que es capaz de oler gasolina, coleccionar millones de muñecas o comerse el pelo como si fuera un postre.

“La audiencia (estadounidense, sobre todo) encuentra en esos excesos una oportunidad de catarsis para su vida correcta y aburrida. Son formatos que escapan de lo predecible y le dan un protagonismo a lo imperfecto, a lo polémico, a lo que el televidente no puede ser en su vida real”, agrega Rincón.

“Somos muy estadounidenses, pero escapamos del molde típico familiar. No sé si la fama me haya cambiado, pero tengo que confesar que el éxito ha llevado a mi familia a estar ‘disponibles’ para ser millonarios y divertir a otras personas”, resume Thompson.

REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

Este año, en Cannes, un puerto ubicado en la Riviera francesa, 22 películas en la competencia oficial se disputan, desde el miércoles (15 de mayo) y hasta el domingo 26, la cotizada Palma de Oro, que para muchos es tan o más importante que un premio Óscar.

Nombres de conocidos cineastas figuran en la sección oficial: Arnaud Desplechin, Jim Jarmusch, los hermanos Joel y Ethan Coen, Takashi Miike, François Ozon, Alexander Payne, Steven Soderbergh y Roman Polanski.

El gran Gatsby, de Baz Luhrmann, protagonizada por Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan y Joel Edgerton, será la película que inaugurará el legendario certamen cinematográfico, un hecho significativo para el realizador, pues en este mismo evento estrenó Moulin Rouge, 12 años atrás.

DiCaprio, ese ‘eterno soñador’

Nueva York. Leonardo DiCaprio llegó impecable a una de las suites en el cuarto piso del hotel Plaza en Nueva York. Con un vestido gris de lino sobre una camisa de cuadros lila claro, el cabello rubio peinado a la perfección y una barba candado con un delineado preciso. En su mano, un cigarrillo electrónico que discretamente puso detrás de una botella de agua y que ocasionalmente aspiraba. La elegancia estaba a tono con su más reciente trabajo, El gran Gatsby, la película cuyo estreno mundial será este miércoles en la gala inaugural del Festival de Cine de Cannes (a Colombia llegará el próximo 17 de mayo).

El actor de Titanic y Romeo y Julieta se vuelve a embarcar en una historia de amor marcada por la tragedia interpretando a Jay Gatsby, un millonario obsesionado con Daisy Buchanan (Carey Mulligan), una mujer de la alta sociedad, sensual y atractiva que, por cosas del destino, termina casada con otro millonario, Tom Buchanan (Joel Edgerton).

Considerada un clásico de la literatura estadounidense, la novela de F. Scott Fitzgerald habla de los excesos y la moralidad flexible de comienzos del siglo XX durante parte del renacer industrial en EE. UU. Baz Luhrmann, el director de la cinta, confesó que siempre supo quién interpretaría a Gatsby. “No fue difícil pensar en alguien que fuera complejo, romántico, oscuro, glamuroso y gran actor”. El australiano y DiCaprio habían colaborado hace 20 años en Romeo y Julieta, cuando el intérprete tenía 18 años. “Baz tiene un entusiasmo sin fin y una exuberancia por el trabajo que cada vez que se está con él en una misma habitación, uno es incapaz de decir que no”, dijo el actor.

DiCaprio sabía que el tratamiento que el director quería darle a la novela era “increíblemente arriesgado y audaz”, pero pese a sus dudas, en el fondo sabía que le iba a decir que sí. El resultado es una explosión de color y música que acentúa el fin trágico de los personajes.

Banda sonora ‘hip hop’

La idea de incluir canciones modernas, como temas hip hop, no partió tanto del deseo de modernizar la novela, sino de permitir que se conecte con una audiencia actual, dijo el actor, quien fue el encargado de poner en contacto a Luhrmann con Jay Z, productor y colaborador de la banda sonora.

En manos de Luhrmann, el director que le dio un giro contemporáneo al clásico de William Shakespeare Romeo y Julieta y quien cautivó con el musical Moulin Rouge, la novela de Fitzgerald es llevada a otra dimensión, literalmente. Rodada en 3D, El gran Gatsby tiene el principal propósito de hacer sentir a la audiencia como parte de un mundo de fantasía, lleno de mansiones, fiestas y escarcha.

DiCaprio, de 38 años, había leído la novela en secundaria, pero fue años después que entendió que no era una historia de amor tradicional. “Lo que me fascinó al leer nuevamente el libro como adulto es que tuve un entendimiento completamente diferente de quién era Gatsby, y quién era como representante de ese período en Estados Unidos… Era alguien que tenía una meta muy clara: imitar a los grandes magnates de la época. Iba camino de convertirse en un Rockefeller y luego conoció a esta mujer llamada Daisy y terminó canalizando toda su energía en esta ilusión y ese espejismo que él mismo crea”. Para el actor, Gatsby es el “eterno soñador”.

Los cuatro años que permaneció sumergido en el proyecto le dan a DiCaprio el conocimiento necesario para hablar con propiedad sobre el clásico personaje. El actor puede, incluso, recitar líneas enteras del libro con total facilidad. De hecho, dijo que su acercamiento a Gatsby lo hizo casi como un trabajo detectivesco, buscando pistas sobre el personaje en otros escritos de Fitzgerald y tratando de descifrar qué podría estar en la mente del millonario leyendo y releyendo la novela.

En muchas formas, DiCaprio cree que Fitzgerald escribió una novela profética. “Predijo la caída de la bolsa, es algo que sigue repitiéndose. Seguimos creciendo sin fin y con una falta de respeto por los recursos del mundo y eso en algún momento se va a chocar contra un muro. Puedo seguir con argumentos medioambientales, pero les ahorro la molestia”, concluyó el actor.

CLAUDIA SANDOVAL GÓMEZ
PARA EL TIEMPO

No es una imagen agradable. El video de Tuve para dar no es como los que protagonizaba Julieta antes, viajando en globo o adornando su loft multicolor. Algo ha cambiado, refleja la desazón que le produce lo que ve en el México de hoy.

“Yo siempre escribo desde lo emocional, no sabría cómo verter mi opinión política ni nada, pero sí sé que en México en los últimos años está el tema del miedo y de esta inseguridad que empieza a crecer, la incertidumbre y la tristeza de ver cómo tu país cambia, el nivel de violencia al que se llega, la cantidad de muertos que hay, eso definitivamente se coló en el disco, era inevitable”, explica la cantante acerca de su nuevo álbum Los momentos, que ya está en el mercado.
Tuve para dar generó todo un debate alrededor de la dura mirada a la realidad de su país. En los foros del video en Youtube, algunos le critican que incita a la violencia, mientras que otros la felicitan por intentar ser una voz de conciencia de lo que está pasando. Un cuadro poco común a la hora de hablar de Venegas.

“No me podía aislar a contar fantasías de platonismos y cosas así. El disco tiene que ver con mi momento en todo sentido, y sé que en Colombia lo pueden entender”, puntualiza la mexicana, hermanando las historias de violencia de su país con Colombia. Sin embargo, el disco no es solo un lamento. Venegas, quien es madre desde el 2010, también plantea la necesidad de pensar en positivo. Y su último video, Te vi, evoca los años de gozo de la preadolescencia. De hecho, es protagonizado por los nietos de Luis Alberto Spinetta.

“Son amigos de casa, a través de Dante (Spinetta, hijo de Luis Alberto). Definitivamente es como tener a la ‘realeza’ (del rock). Son dos niños superbonitos, porque además son actores, así que fue lindo tenerlos ahí”.

Sonido electrónico

Los momentos tiene además la peculiaridad de mostrar a una Venegas entregada al sonido electrónico de los sintetizadores. Por eso guardó en el baúl los cavaquinhos, ukeleles y guitarras que le acompañaron en producciones anteriores.

“Desde la partida a los demos empecé a inclinarme por los sintetizadores porque no quería recurrir a instrumentos que ya había usado mucho –afirma Venegas–; quería enfocarme en otro sonido, y como que los contrastes te ayudan a encontrar cosas diferentes. Ya sé qué puedo hacer con esos instrumentos, pero esto es una búsqueda”.

Se nota en el trabajo. Además, en la producción de Yamil Rezc, quien ha colaborado con Hello Seahorse!, Los Bunkers y otras bandas de la orden electrónica alternativa.

“Yamil tomó la parte de las bases, fue algo muy natural. Yo tenía cosas muy sencillas, con mucho piano Rhodes y sintetizadores, y él sumó la batería, el bajo. Siento que armamos bien (...) Fue natural y estuvo lindo”.

En Vuelve, una de las 11 canciones nuevas de Venegas, le colaboran Anita Tijoux y Rubén Albarrán (Café Tacvba). Además, para una versión en DVD que viene con el CD, realizó una grabación en bloque, muy diferente, en la que los reemplazaron Javiera Mena y Gepe. Esa propuesta de CD electrónico y DVD con el mismo material, en bloque, es como presentar dos álbumes distintos. Una suerte de reinvención instantánea.

“No fue planeado por mí, fue una propuesta de la disquera y me gustó. No veo el material del DVD como una reinvención sino como una reinterpretación para hacerlo en vivo. Hacerlas en una sesión es no copiar el disco y ayudarme a pensar en cómo las haré en concierto”, explica Venegas.

Vuelve es otro llamado. La letra reclama a un héroe que rescate la ciudad. “Más que nada, esa frase de ‘vuelve y sé nuestro héroe’ es como un ‘ven y cuéntanos lo que ves’; necesitamos miradas de afuera que nos cuenten lo que están viendo, una mirada objetiva porque nos sentimos un poco atorados, y también es un grito de ‘no abandones el vivir’ –comenta Venegas–. Se siente feo que te pregunten si deben ir a tu país; a mí me lo preguntó un amigo, y de ahí surgió la canción, no porque él me lo haya hecho sino porque la pregunta se tenga que hacer, es una realidad que antes no existía. Es una cosa que traes, un ¡ay!”.

Por el momento no hay aún una fecha de presentación de Julieta Venegas en Colombia para mostrar este nuevo material. La cantante estuvo en Bogotá y Medellín en diciembre, y allí cantó algunas de las canciones de Los momentos. Sin embargo lo ve en sus planes futuros.

CARLOS SOLANO
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

Y toda esa fuerza vuelve a revelarse en la pantalla con En trance (se estrenó el viernes en Colombia), un thriller que explora el poder de la hipnosis y mezcla con maestría visual y sonora los conflictos de un hombre enredado en el robo de una obra de arte y un mafioso (Cassell). “Frank es un malo diferente a los que ya he interpretado en otras ocasiones”, le cuenta a EL TIEMPO vía telefónica este actor que ha sabido crear una imagen oscura, seductora y violenta:

características que definen su trabajo en la cinta que acaba de estrenarse en Colombia y que tiene como director a otro monstruo del cine europeo: Danny Boyle (Trainspotting, Slumdog millonaire, 127 horas), acostumbrado a jugar con el espectador y a confrontarlo con lo que es incorrecto, malvado y a la vez humano.

El personaje que Cassel expone en la cinta En trance es imponente y violento. Además ofrece un estilo en la forma y en los sentimientos que lo hace absolutamente necesario en la tensión que se genera entre un empleado de una casa de subastas londinense (James McAvoy) junto a una experta en hipnosis (Rosario Dawson).

¿Qué hace diferente su papel de antagonista en este filme?

A lo largo de mi carrera he podido interpretar a muchos mafiosos, pero en esta oportunidad es un mafioso un poco más normal. Un hombre de negocios que escapa del estereotipo. Cuando acepté el papel quedé enamorado de todos sus matices.

¿No es molesto que siempre se relacione su trabajo con personajes malvados?

Para nada, y te voy a decir por qué: me encanta cuando la gente tiene una referencia tan marcada de mi trabajo, pues significa que hice una buena representación y sigo siendo recordado. Es una experiencia como la que vive un héroe, y eso me hace sentir muy bien. En trance propone un viaje enloquecido entre tres protagonistas que están involucrados en un robo, pero es una historia llena de giros inesperados.

¿Qué fue lo que lo llevó a enamorarse del proyecto?

La razón principal es que es una cinta dirigida por Danny Boyle. Para mí, una de las cosas más importantes cuando asumo un proyecto cinematográfico es el director. Él es (Boyle) arriesgado y ambicioso, y lo que transporta del papel a la pantalla siempre es mucho mejor.

¿Cómo fue trabajar con actores internacionales?

No pienso mucho en la nacionalidad de mis compañeros. Es chistoso, porque al final del día la gente habla en su idioma y es interesante hacer esa conexión con las personas y su cultura. Lo más importante es mantener la libertad de poder moverme de un lado a otro y hacer películas.

‘En trance’ explora el poder de la hipnosis. ¿Ha probado esta terapia?

No.

¿Pero cree en su poder?

Yo creo en todo. Puede funcionar para la gente, pero todo depende del estado de ánimo y la disposición.

¿Cómo lidia con el hecho de que lo vean como uno de los actores más representativos de Francia?

Me siento muy afortunado,pero creo que hay otros actores y actrices muy importantes: Gerard Depardieu, Jean Reno o Juliette Binoche.

ANDRÉS HOYOS V.
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

Esa idea, descabellada quizá, es el tema central de Make Hummus Not War (algo así como ‘Haz el hummus y no la guerra’), el documental del director Trevor Graham, que fue presentado en la sección Culinary Cinema de la última edición del Festival Internacional de Cine de Berlín.

El hummus, como se denomina el plato, es una humilde delicia que logra –entre otras cosas– sentar en la misma mesa a los pueblos judío y árabe, según dice Graham.

“Palestinos e israelíes son muy dependientes entre sí en el aspecto económico. Irónicamente, Palestina provee de mano de obra en los asentamientos colonos de Cisjordania. Cuando estás in situ, es difícil distinguir quién es árabe, quién palestino, quién judío-israelí, porque se ha producido una gran hibridación”, sostiene el director australiano.

Pero no es el único punto de encuentro. El director también habla de la música. “La música israelí moderna toma prestadas melodías palestinas. Es cierto que hay muchos judíos marroquíes y judíos tunecinos que se han marchado a vivir a Israel. Sucede lo mismo con la comida; se vuelve complicado”, sentencia el director.

El documental explora el hummus en el Líbano, Israel y Palestina e, incluso, en otros países que reclaman ese plato como propio, como Siria, por ejemplo.

“El documental se fraguó en el periodo en que estalló la guerra, de modo que descartamos filmar en Siria porque no era seguro. No obstante, durante el recorrido, los judíos nos insistieron en que el hummus de Damasco es fenomenal. En Jordania también afirman que lo inventaron ellos. En cuanto a Irak, me dijeron que el hummus no es un plato típico iraquí, pero que ha terminado formando parte de su tradición por ósmosis”, dice al respecto Graham.

–Se dice que cuando la gente comparte su comida no puede traicionarse. ¿Funciona así en la vida cotidiana?
–Ese es uno de los elementos más interesantes del hummus, particularmente en Jerusalén, donde coinciden judíos y musulmanes en los mismos restaurantes, mesa con mesa, compartiendo la misma atmósfera. Hay algo ahí. Hay gente de todo el mundo, soldados israelíes, curas, turistas, palestinos, israelíes… Cuando un local adquiere una buena reputación por proveer buena comida, la gente acude y olvida sus prejuicios.

Y esa es precisamente la razón por la que Graham hizo el documental. Su punto de vista –según explica– es que esa comida deja el conflicto en la puerta.

“Hay una gran organización en Jerusalén llamada Chefs to Peace (Garbanzos para la Paz), conformada por cocineros cristianos, musulmanes y judíos. Afirman, con mucha gracia, que en las cocinas trabajan con utensilios muy peligrosos, como cuchillos y nadie muere”, dice en tono burlón.

Y es que, agrega luego, el hummus es un plato muy nutritivo. “El sésamo contiene mucho calcio, los garbanzos son muy buenos para el sistema digestivo y el tránsito intestinal. Y la adición de ajo es anticancerígena. Además, se ha comprobado que hay un elemento en los garbanzos que resulta un gran estímulo sexual”, concluye. Y es de esa última consigna de donde salió el título de su trabajo: ‘Haz el hummus y no la guerra’.

¿Ajo para desayunar?

El documental explora las diferencias en el modo de preparación del ‘hummus’, que no en todo los casos incluye ‘tahina’, ajo y limón. “Aunque la combinación es única –dice Graham (foto)–, fui a numerosos sitios palestinos e israelíes donde no usan ajo, porque toman el ‘hummus’ como desayuno y el ajo de buena mañana no sienta bien. Pero en otros sitios sí lo incluían en el desayuno, de modo que no hay reglas. Es cosa tuya o de la tradición familiar. De hecho, en un mismo restaurante puede haber un surtido de hasta seis variedades distintas. Como sea, el (‘hummus’) palestino es mi favorito por su sabor. Es una cuestión meramente objetiva.”

BEGOÑA DONAT
PARA EL TIEMPO

El restaurante Shahrzad, en Bogotá sirve café al estilo iraní: “En Colombia se sirve en la mesa –explica Jalal Pourmousa Arbani, dueño del lugar–, pero en Irán se tiene la costumbre de sentarse en el piso, sobre las alfombras para degustar el té de manera tradicional”. El servicio es en tetera de cerámica y copas de vidrio, la costumbre es transportarlo en una bandeja dorada y se sirve en todos los momentos del día: al desayuno o entre comidas, y con té se recibe a las visitas, pero, en las cafeterías, “se sirve para las personas que fuman narguile”, añade Pourmousa. Es común echarle azúcar y, en materia de comida, sus acompañantes más comunes son las galletas y los postres. La taza de té Shaí en Shahrzad, tiene un valor de 3.500 pesos.

Restaurante Shahrzad, carrera 16 No. 48-79, Bogotá. Teléfono: 245-4694 y 285-5716.

El clásico inglés con ‘petit fours’

Scones, bocados de panadería rellenos de crema inglesa, minisándwiches –algunos tienen recetas muy clásicas– y petit fours (pequeños postres o bocaditos dulces) son los acompañamientos que se han asociado durante años con el servicio del té al estilo inglés, ese que dio origen a la expresión ‘la hora del té’ en las tardes. El servicio completo incluye también una copa de espumante. En Bogotá hay varias opciones para probarlo.

Dos recomendadas son las tardes de té del restaurante Monnet, del JW Marriott (que ofrece 18 variedades de té y agregó nuevos bocados, como crêpes, para acompañarlo) y
la propuesta de Ixcacau.

Ceremonias japonesas

En Japón el té es un elemento cotidiano, que se toma a lo largo del día. Sin embargo, hay una ceremonia especial que se conoce como cha no yu (que quiere decir agua caliente para el té). En ella se conjuga la relación entre la persona que prepara y sirve el té y sus invitados. “Más que una persona que va a servir, es una persona que se va a dedicar a otras con respeto, generosidad y el espíritu del té”, dice la estudiosa del tema Ericka Henao. “El auténtico espíritu del té es la dedicación que implica atender a una persona. Ni siquiera se conversa en una ceremonia del té, todo es austero, limpio, sencillo, humilde y esa humildad la da la persona que estudia esta ceremonia durante años”, agrega.

Hay dos tipos de ceremonias del té, la que se hace con matcha (té en polvo) y la que se hace con sencha (hojas tradicionales). “Una persona podría hacer una ceremonia del té en su casa sin importar con qué clase de té la realice, si se dedica con toda la humildad a servirlo a su familia o a sus amigos. En Japón el tema es un objeto de estudio que toma toda la vida. El vestuario también debe ser especial, neutro, para no distraer el té. “El té es el que debe resaltar, no la parafernalia. Por eso no se esconde tras dulces, ponqués y grandes vajillas que puedan competir con su majestuosidad”.

Sentarse en el piso, en una estera, ver la preparación, esperar a que el té esté servido para todos (nadie puede adelantarse) y tomarlo en pequeñas tacitas, tan pequeñas, que cada una se consume en tres sorbos, son elementos de esta práctica ancestral. Restaurantes japoneses en Bogotá ofrecen té con sus platos, pero no hay un lugar donde se realice la ceremonia. La embajada japonesa hace demostraciones de la misma en eventos relacionados con la difusión de su cultura.

En China el verde es el más popular

En China el té es una constante en la vida cotidiana, dice Keny Tsui, del restaurante Cooking Taichi, en Bogotá, que tiene en su carta diferentes variedades de té chino. En ese país hay tés tan finos que pueden costar hasta 2.000 dólares una libra (unos 3 millones y medio de pesos). El de ese valor es un té proveniente de la Montaña Amarilla (Anhui). No obstante el más popular es el té verde, pero las mezclas son infinitas. Se puede acompañar en el desayuno con el ja gao (empanadita de camarones, en la foto) y el siu mai (bolita de cerdo). La costumbre es tomarlo sin azúcar. Estos maridajes de bocados chinos con té se pueden probar en Cooking Taichi.

Restaurante Cooking Taichi. Carrera 14 No. 93-14, Bogotá. Informes: 530-4773.

REDACCIÓN EL TIEMPO

Son agrupaciones que están conectadas por principios similares: los ‘tacubos’ han expresado siempre la importancia de la unidad latinoamericana por la protección de los recursos naturales, mientras que Krápula ha sostenido una campaña constante por la preservación del agua y de las comunidades ancestrales que la vigilan. Por eso, se espera un concierto cargado de mensajes.

El concierto comienza a las 4 p.m., pero se abrirán ‘las puertas’ (los cordones de seguridad que rodearán la plaza) a partir de las 10 a.m.

La agrupación mexicana, que vino recientemente para participar en el festival Estéreo Picnic, ofrecerá un conversatorio, también gratuito, horas antes.

En su primera edición, el concierto, que organiza Canal Capital, trajo al artista francés Manu Chao y abarrotó la plaza de decenas de miles de fanáticos.

En vivo y por televisión

Plaza de Bolívar, 4 p.m. Canal Capital transmitirá el evento por el 2 de Claro y 116 de Claro Avanzado, 107 UNE, y 143 DirecTv).

REDACCIÓN EL TIEMPO

Este relato surgió de la imaginación de Salma Aljure, una niña de 6 años y 4 meses, del barrio Villa de los Alpes en Bogotá y ahora se puede escuchar en Con mi cuento encanto, un proyecto multimedia que recogió este y otros 39 relatos de niños de todo el país, leídos y cantados por ellos mismos.

Sus voces traen los acentos y las historias de Rincón del mar, Sapzurro (Chocó), Piedecuesta (Santander) o Caquetá, como en La negrita bonita, que grabaron los niños de Sapzurro, frente al mar Caribe, y cuenta lo que le sucedió a un conejo blanco que quería ser negrito como su dueña: “Un conejito la tinta se echó, negrito, negrito, negrito quedó, un aguacero del cielo cayó y el conejito blanquito quedó”, cantaron.

O el relato de Dulce María y el cangrejo, leído con voces costeñas; Cucarachita Martínez, con el tradicional acento chocoano que se traga ciertas letras y las risas de los niños, lo que hace que se sientan más reales los relatos.

El proceso

Los niños participaron en talleres de creación y luego, de la mano de artistas como Édson Velandia (Velandia y la Tigra); la directora del grupo Cantaclaro, María del Sol Peralta; el músico Miguel Camacho y Antonio Díaz, entre otros, armaron los cuentos y los grabaron en estudio.

Estos artistas y productores trabajaron con pequeños de jardines del Instituto Colombiano de Bienestar Familiar, pero también con estudiantes del colegio Helvetia, y niños indígenas que leyeron sus cuentos y los cantaron en su lengua.

“Fue muy fácil. Yo me inventé Un país llamado Bogotá y La Reina Flor, y leí La cucarachita Martínez. También me gustó cantar, pero tuve que repasar y repasar 131 mil veces”, dice la niña Salma Aljure, aunque aclara que a ella lo que más le gusta es pintar y pintar “gasto hojas y hojas y hojas y a veces pinto en las paredes pero no me regañan”.

Esta serie sonora de relatos fue creada por la dirección de comunicaciones del Ministerio de Cultura y quería demostrar que los niños pueden ser grandes productores de contenidos e incentivar la creación de historias en la primera infancia.
Aunque publicaron 2.000 ejemplares del CD que se repartirán en las bibliotecas del país, los cuentos y las canciones se pueden escuchar y leer en www.conmicuentoencanto.gov.co . Ahí se encuentra, además, una sección de juegos, donde con una aplicación interactiva, cualquier niño puede grabar su propio cuento.

“Al principio sus historias hablaban de personajes que ven en la televisión y en todas mencionan mucho de la muerte, porque era su manera natural de ‘resolver’ los relatos, pero después fueron a salir a flote sus ideas y su universo”, dice María del Sol Peralta, que trabajó con los de Bogotá.

Para ella, el valor más grande de este proyecto es que puso a los niños a llegar a acuerdos sobre “la palabra”, pues la mayoría de los cuentos fueron creación colectiva. “Lo más importante es que ellos empiecen a crear contenido, a grabar sus historias, sin importar lo surreales que sean”, dice Peralta, cantante y pedagoga escolar.

CATALINA OQUENDO
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO
@cataoquendo

El comentario tiene relevancia, ya que Sean se aventuró a seguir los pasos de su papá, al dirigir y protagonizar la cinta de terror Presencias paranormales, que se puede ver actualmente en las salas de cine del país.

“Siempre me llamaron la atención las historias extrañas o insólitas, aunque tengo que confesar que después de la experiencia de Presencias paranormales (Greystone), quisiera aventurarme a otros géneros como el drama”, reconoce Stone, quien decidió contar la historia de un grupos de amigos que se aventuran a visitar un hospital psiquáitrico abandonado y sufren las consecuencias de su intromisión.

“Creo que mi cine se mueve por terrenos muy distintos a los de mi padre, pero eso no lo hizo estar alejado de este proyecto. Me dio muchas ideas y hasta tiene una pequeña aparición en el filme”, finaliza.

REDACCIÓN EL TIEMPO

¿Por qué se creó esta lista?

Latinoamérica merecía un premio, porque hay muchos festivales y muchos encuentros gastronómicos del mundo invitan a nuestros sabores. Nuestra gastronomía está teniendo un peso importante.

¿Nos falta representación en los 50 Mejores del Mundo?

Para la mayoría de los votantes de la lista mundial América Latina está muy lejos y muchos no vienen. Así que, la calidad de los restaurantes no se refleja. Ahora sí la podremos mostrar.

Aunque cada año la lista mundial cuenta con más lugares de Latinoamerica...

Sí. Es el reflejo de lo que estamos avanzando. Antes no había barras de ceviche. Depronto veías barras de sushi.

¿Desde hace cuánto se pensó en este nuevo listado?

Hace un año se vio la posibilidad. Además, como se lanzó el conteo de Asia, se vio que el 2013 era un buen año para lanzar los 50 Best Latinoamérica.

¿Cuál será la importancia de esta lista?

Lo importante es que se pueda decir que la gastronomía latinoamericana es fuerte y se conozca en el mundo. pasó. Más que para premiar a un restaurante en el número uno, hay que verlo como un mecanismo de reconocimiento para la región, que no es un continente de gastronomía insípida. Cada país tiene algo que decirle al mundo. Los premios ayudarán a que el mundo venga a visitarnos, implica que se conozcan nuestros productos y se puedan exportar.

Entre los 20 primeros

Tres lugares latinos están entre los 20 del mundo: D.O.M (Brasil), sexto lugar; Astrid & Gastón (Perú), 14, y Pujol (México), 17.

REDACCIÓN EL TIEMPO

Explicó que últimamente ha decidido incluir a cantantes del género urbano en sus producciones porque componen "canciones con un lenguaje más atractivo que hacen a la salsa más interesante".

Admitió que la química musical entre él y los raperos es "excelente", debido a que la mayoría de los cantantes del género urbano son seguidores de la salsa y respetan su trabajo. "Hay que darles mérito, porque han llevado un género alrededor del mundo y han perdurado a diferencia de otros artistas en otros géneros", dijo el llamado "sonero de la juventud".

En su último álbum, ‘Busco un pueblo’, el puertorriqueño incluyó a los reguetoneros Jowell y Randy y a Voltio en el tema ‘Ella lo que quiere es salsa’.

Victor Manuelle ha trabajado durante su carrera con Héctor El Father, Tego Calderón, Don Omar y Wisin & Yandel, entre otros. De las 23 colaboraciones de su carrera, 8 son con reguetoneros. Según él la idea es ofrecer algo más refrescante y juvenil con los raperos, pero sin perder su esencia salsera.

También ha colaborado con reconocidos músicos y cantantes como Eddie Palmieri, Ismael Miranda, Andy Montañez y Gilberto Santa Rosa.

Además explicó que el primer sencillo de su nuevo disco será ‘Ando por las nubes’, una canción que dijo es "súper romántica y jocosa", sobre personas que no se atreven a confesar su amor.

15 de mayo de 2013
San Juan
EFE

Ese estado de excitación, dice la artista, se debe no solo a la crudeza de la historia, sino al formato de esta pieza, escrita y dirigida por Johan Velandia, de la que cada noche se realizan seis funciones como parte de ‘Un cuarto para las 7’, temporada de microteatro de Casa Ensamble, de Bogotá.

En cada cuarto de hora, Ércole da vida a Yolanda Monreal, una veterana actriz a la que se le agotaron sus años de gloria y además vive una difícil situación económica. La olvidada artista también apunta que no ha superado el dolor de perder a su esposo (una situación que de alguna manera ha experimentado Ércole por el reciente fallecimiento de su esposo, el humorista y cantante Lizardo Díaz). Así que decide visitar a un productor conocido para pedirle un papel en su nueva película.

“La temática es una realidad, la están viviendo miles de actores y actrices que pasan por situaciones sumamente difíciles... Colombia es uno de los países en donde al actor mayor no se le respeta; si se le tiene en cuenta es para hacer papelitos mínimos”, reflexiona Ércole.

Han pasado más de 20 años desde que Ércole pisó por última vez un escenario de teatro. Fue en Los japoneses no esperan, una comedia que se estrenó en 1985 en el Teatro Nacional.

Ahora rompió ese periodo de ausencia para plantear una reflexión sobre el trabajo del actor en la televisión colombiana: “Las caras bonitas y las niñas voluptuosas son lo que están de moda... No es que me oponga a que entren nuevas generaciones, me parece lindo, pero sí noto que se ilusionan y creyeron que cogieron el mundo con las manos porque llegaron a la televisión, y eso es totalmente efímero...”.

Superando el pánico

Desde sus 14 años, Ércole ha estado ligada a la actuación. Hizo teatro con Fausto Cabrera en los sótanos de la avenida Jiménez, en Bogotá; fue bailarina cuando la televisión colombiana apenas daba sus primeros pasos y ha actuado en más de 30 producciones televisivas.

“Raquel es un ícono, una artista de la escena. Si iba a hablar de un tema como este, necesitaba apoyarme en una gran actriz”, asegura Velandia, quien también actúa en este montaje.

La experiencia se nota cuando Ércole entra a la oficina en la que se desarrolla La ceguera del halcón. En ese limitado espacio, la artista se mueve con elegancia, como si Yolanda Monreal aún fuera la actriz del momento. Pero, cuando la historia lo requiere, cambia de registro y se convierte en un ser capaz de humillarse para conseguir cualquier papel.
Para lograr esa interpretación, la artista debió superar el pánico que le despertó estar en una pieza con un formato tan íntimo, en el que los 30 espectadores están muy cerca al escenario.

“Para mí fue impactante y de mucha responsabilidad; aquí delante de ellos me toca entregar mi vida. Estos quince minuticos son demasiado emotivos, demasiado duros, pero eso era lo que se quería mostrar, por eso acepté este reto... Pero el pánico todavía lo sigo sintiendo”, remata.

¿Dónde y Cuándo?

Sala 6 de la temporada ‘Un cuarto de obra’. Miércoles a sábado, seis funciones desde las 8:15 p.m. Cra. 24 No. 41-69, Bogotá. Teléfono 368-9268. Boletas: 10.000 pesos por función.

YHONATAN LOAIZA GRISALES
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO
@YhoLoaiza

La agrupación conocida por temas como ‘What Makes You Beautiful’, ‘Live While We're Young’, ‘One Thing’, entre otros, se presentará en el Estadio El Campín. Las boletas se venderán en Tu Boleta a partir del 24 de junio de este año.

La banda está formada por exparticipantes del 2010 del concurso The X Factor en el Reino Unido. De la mano de Cowell deslumbraron a las audiencias, al grabar a dúo con Robbie Williams. Ese momento fue la bendición que la industria pop les dio para alzar el vuelo.

Desde entonces, estos muchachos, que provienen de diferentes provincias inglesas, han venido cosechando una carrera que ya tiene varios récords: En el 2012, debutaron en el Billboard 200 de Estados Unidos, con el álbum ‘Up All Night’, que vendió 176.000 copias en la primera semana.

Niall Horan, Louis Tomlinson, Zayn Malik, Liam Payne y Harry Styles han desatado una fiebre mundial, similiar a la que en su momento provocaron bandas como los Backstreet Boys.

Las personalidades de cada uno de los miembros parecen ser contrastantes –como ha ocurrido con todas las bandas de ídolos adolescentes, desde los Monkees hasta los Backstreet Boys, los Jonas Brothers y, por supuesto, Menudo–: Liam es el más noble; Niall, el más calmado; Zayn, el más galán, y Louis es el serio. Harry, el menor, es el más provocador, con sus declaraciones acerca de su vida sexual.

16 de mayo de 2013

Stephanie Pérez Cepeda
Redactora www.vive.in

No fue tan notorio como el impacto de otras figuras también contestatarias de su generación: así como su trabajo resultaba polémico entre los círculos de la samba en Río de Janeiro, al mismo tiempo estaban emergiendo Gilberto Gil o Caetano Veloso, en Bahía, con la tropicalia.

“Eso no fue premeditado. Quizá porque yo no tenía prisa en grabar para acompañar el circuito comercial –explica Melodía, quien viene a Colombia para un concierto este sábado–. No sé bien, realmente. Lo que me importaba era hacer buena música”.

Su origen está en el barrio Estácio, conocido como una cuna de la samba, a veces tan tradicional. “Haber crecido en el Estácio fue como una escuela para mí... Todo era vivido con mucha sinceridad y alegría y eso todavía está muy presente en mí, por eso el homenaje a mi barrio con Estación Melodía”.

El álbum Pérola negra, publicado en 1973, fue su debut como solista, luego de haber compuesto durante años canciones, algunas que se convirtieron en inolvidables en voces como la de Gal Costa. Pero en su momento, su lanzamiento no fue fácil, tuvo contradictores entre los más tradicionalistas de Río.

“Yo lo tenía que grabar, sí o sí –dice Melodía–. La reacción fue fuerte, quizá por la mezcla de sonidos, pero fue un disco muy bien recibido por los colegas artistas, por el público y por la mayoría de los críticos en Brasil”.

Acerca de la censura de aquellos años, que lo afectó considerablemente, Melodía prefiere no extenderse en explicaciones: “Era molesto tener que cambiar o modificar mis letras... Pero no había mucho que hacer”.

Hoy, Melodía cuenta en su carrera haber sido invitado a festivales como el de Jazz de Montreaux y el de Paléo, en Suiza, y el Chateauvallon, en Francia.

Estación Melodía (2007) es uno de sus últimos trabajos, que tiene además una versión para MTV, y que contó con colaboraciones como la de Gal Costa y Zeca Pagodinho, entre otros.

¿Cuándo y dónde?

El concierto será en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, en Bogotá, el sábado 18 de mayo, a las 8 p.m. Boletas desde 50 mil a 80 mil pesos, disponibles en Tuboleta.com. Teléfono 593-6300.

CARLOS SOLANO
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

Esos ingredientes llamaron la atención del realizador de cine Martin Scorsese para producir, inspirado en él, el documental Feel Like Going Home.

El músico, originario de Denver (Estados Unidos), se presentará por primera vez en Colombia, hoy en el Auditorio León de Greiff y mañana en Tábula.

Harris ha salido de gira por todo Estados Unidos junto a grandes del blues como B. B. King, Buddy Guy y Taj Mahal, así como con Tracy Chapman, Dave Matthews Band y el reconocido Ali Farka Touré. Y es que hay coincidencias entre su música y las influencias de otros continentes. Uno de sus discos se tituló, precisamente, Mississippi to Mali –siguiendo la línea del compilado Mali to Memphis–.

Otros trabajos destacados en su carrera son Green from the Garden (1999), Vu-Du Menz (2000), Downhome Sophisticate (2002) y Daily Bread (2005). Y su participación en un proyecto de Wilco para interpretar la música de Woody Guthrie fue muy aplaudida por la crítica.

Con la venida de Harris se reactiva la iniciativa del Festival Blues DC, que tuvo dos ediciones anteriores, y que luego de una reestructuración (menos conciertos, más concentración de públicos amigos del blues), traerá también al músico de la escena zydeco y ganador de un Grammy, Cedric Watson y su trío, quienes se presentarán en el Auditorio León de Greiff el 6 de junio.

Dos conciertos

La presentación de Corey Harris es hoy, en el Auditorio León de Greiff, boletería en Tuboleta.com, precios: de 20.000 a 65.000 pesos. Y el viernes en Tábula (calle 29 Bis No. 5-90).

REDACCIÓN EL TIEMPO

Se refieren a la polémica adaptación que fue cancelada en estos días en la Ópera de la Rheinoper, en Düsseldorf, porque esa versión es una modernización ambientada en los tiempos del Holocausto, mientras que la ópera original es una recreación de leyendas medievales. Estas son las que se llevarán a escena –por primera vez en Colombia– los próximos 13, 16 y 18 de julio.

Así es de amplio el mundo ‘wagneriano’, al que los colombianos se han acercado a través de los inmensos montajes del Metropolitan Opera de Nueva York (El anillo del nibelungo) que transmitió Cine Colombia. La pieza musical también fue interpretada hace unas semanas por la Sinfónica de Montreal, bajo la batuta de Kent Nagano.

Pero la versión en vivo, en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, promete llevar la experiencia en grande. Esta es, según Gloria Zea, directora del Museo de Arte Moderno de Bogotá y de la Ópera de Colombia, la primera vez que Dudamel, la figura que ha conmocionado la escena mundial de la música clásica y que actualmente es el director titular de la Filarmónica de Los Ángeles, dirigirá una obra completa de Wagner, por lo que “hay expectativa mundial” y nacional.

Las dimensiones del espectáculo lo demuestran: 112 músicos, 10 solistas y 80 coristas, además del ballet, presente en el primer acto, protagonizado por la compañía de danza Colegio del Cuerpo, que por primera vez estará en un montaje operático.

En algo sí tendrán contacto los colombianos con el montaje de Düsseldorf: dos de sus solistas. Se trata del cantante sueco Daniel Frank, quien interpreta a Tannhäuser, y la rusa Elena Zhidkova, que encarna a Venus. Ambos harán los mismos papeles en Bogotá.

Una tara histórica

Aunque la historia de Richard Wagner data del siglo XIX (se cumple el bicentenario de su nacimiento, en 1813), su nombre fue ligado en el siglo XX a Adolf Hitler desde que este dijo que el compositor lo había influenciado cuando, a los 12 años (en 1901), lo llevaron a ver un montaje de la ópera Lohengrin, y en su adolescencia se dedicó a gastar su mesada en ir a la ópera. El hecho quedó consignado en el libro Mein Kampf, de autoría del dictador alemán.

Por ello, la obra de Wagner ha sido ensombrecida por un estigma que no se ha diluido del todo en el siglo XXI. No son pocas las veces en que familiares de las víctimas del Holocausto abuchean presentaciones de obras de Wagner.

Una gran inversión

La inversión en el proyecto de esta temporada lírica en Bogotá (que no tendrá otras óperas en el programa) alcanza los 2.500 millones de pesos, explicó Gloria Zea. Una inyección del Ministerio de Cultura de 1.000 millones de pesos y el patrocinio de empresas colombianas contribuyeron a reunir tal monto. Gracias al espaldarazo del maestro José Antonio Abréu, Gustavo Dudamel y la orquesta llegarán en un avión privado auspiciado por PDVSA y la embajada de Venezuela.

CUÁNDO Y DÓNDE

Teatro Jorge Eliécer Gaitán, de Bogotá, julio 13, 16 y 18. Boletas en Tuboleta.com, precios desde 30.000 hasta 120.000 pesos.

CARLOS SOLANO
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

"El verano está ya muy cerca y para muchos adolescentes será el primero en disfrutar una serie de cambios en su cuerpo. Los padres están preocupados por la ropa que van a llevar como minifaldas muy cortas o pantalones demasiados caídos", explicaba la presentadora del telediario de sobremesa de 'TVE'.

Daba así paso a un reportaje grabado en un taller de formación "en que enseñan a los padres cómo afrontar esta nueva situación". En dicho taller, una psicóloga aconseja a los padres que pongan a sus hijos frente a un espejo para hacerles entender que la imagen que transmiten es importante.

La madre de dos adolescentes declara por ejemplo que sus hijas "a lo mejor no tienen el concepto de ir provocando, pero a lo mejor los que las ven sí ven que van provocando".

La oposición socialista reaccionó en un comunicado, calificando el reportaje de "rancio, casposo y de baja calidad": la televisión pública "quiere imponer su moral y devolvernos a la etapa del No-Do", el noticiero franquista proyectado en los cines durante la dictadura, consideró el portavoz del grupo socialista en la comisión de control de 'TVE', Juan Luis Gordo.

En Twitter, las protestas fueron numerosas. Algunos internautas subrayaban que es "muy desafortunado vincular vestimenta y provocación, es un mensaje que culpabiliza a las mujeres".

Otros se mostraban más indignados: "¿Van a venir a decirme qué ponerme? ¿BURKA?", "En un par de meses será delito llevar minifalda", "Dimisión YA de la directiva de TVE por cargase la televisión pública, intentando imponer una moral retrograda y ultraconservadora".

La radio-televisión pública española estuvo marcada en el verano boreal de 2012 por el estrepitoso despido de algunas de sus figuras más famosas, creando malestar entre los periodistas que temían una intervención de la televisión y la radio pública por el gobierno conservador de Mariano Rajoy.

AFP

Los creadores de ‘Angry Birds’, la compañía finlandesa Rovio, buscaban ya desde 2011 la forma de adaptar su producto al cine, para lo que contrataron a David Maisel, expresidente de los estudios Marvel y responsable de lanzar títulos como ‘Iron Man’.

Maisel producirá la película junto con John Cohen (‘Despicable Me’) con el sello Rovio Entertainment, y Sony distribuirá el título internacionalmente después de alzarse con el contrato en una puja con otras compañías del sector interesadas en rentabilizar el éxito del videojuego.

Las diferentes versiones de ‘Angry Birds’ acumulan más de 1.700 millones de descargas desde que se comercializó por primera vez en 2009.

"Todos los estudios en la ciudad estarían encantados de añadir 'Angry Birds' a su lista. Hay pocos títulos ahí fuera que traigan este tipo de entusiasmo, conocimiento de marca y audiencia", aseguraron el presidente y la copresidenta de Sony Pictures, Michael Lynton y Amy Pascal.

El juego consiste en lanzar una serie de aves contra unas estructuras en las que se refugian un grupo de cerdos que les han robado los huevos.

EFE

Nacido en la ciudad española de Alicante, Galván vivía desde 1981 en Argentina, país en el que triunfó con su tema ‘¿Por qué te quiero tanto?’, que se convirtió en todo un clásico.

El cantautor español, que falleció el miércoles 15 de mayo por la noche en una clínica del Gran Buenos Aires, comenzó su carrera musical en Madrid como parte del grupo ‘Sonors’, aunque poco después inició su carrera en solitario. En 2006 realizó su última gira para despedirse de los escenarios.

Manolo Galván grabó alrededor de 40 discos, con temas como ‘Poema del alma’, ‘Deja de llorar’, ‘Te quise, te quiero y te querré’, ‘Hijo de Ramera’, ‘¿Por qué te marchas, abuelo?’, ‘Solo pienso en ti’ y ‘Suspiros de amante’, entre otros.

Participó en una veintena de festivales de España y actuó en varias oportunidades en el Festival Internacional de la canción de Viña del Mar en Chile. Entre sus discos más conocidos están ‘Mis inquietudes’, ‘Te quise, te quiero y te querré’, ‘Mi única razón’, ‘Esperando el amanecer’, ‘El ganador’, ‘Una copa conmigo’, ‘Cada mujer un templo’ o ‘Amame’.

Su último trabajo, ‘Clásicos inolvidables’, salió a la venta en 2005.

16 de mayo de 2013
Buenos Aires
EFE

Los aficionados del metal también podrán disfrutar de la icónica agrupación Megadeth, quien compartirá escenario con Black Sabbath el próximo 19 de octubre en el Parque Simón Bolívar.

A través de un comunicado, Black Sabbath anunció que las boletas saldrán a la venta a partir del jueves 30 de mayo.

Ocesa Colombia ha logrado reunir esta nómina de lujo para los amantes del rock en un momento clave, mientras aumenta la expectativa global por el nuevo álbum ‘13’ de Black Sabbath y la décima cuarta producción discográfica de estudio de Megadeth, titulada Super Collider.

La gira por Latinoamérica de Black Sabbath dará comenzará en Santiago (Chile) el viernes 4 de octubre. Continuará hacia Buenos Aires (Argentina) y visitará las ciudades brasileras de Porto Alegre, Sao Paulo y Rio de Janeiro antes de llegar a Bogotá.

Black Sabbath ha vendido más de 70 millones de álbumes a nivel mundial. Éxitos como ‘Iron Man’, ‘Paranoid’ y ‘Never say die’ han alcanzado los primeros lugares en las listas de popularidad, al igual que ‘God is dead’, el último sencillo que acaba de lanzar la banda, incluido en su álbum ‘13’.

Por su parte, Megadeth, liderado por uno de los mejores guitarristas del metal; Dave Mustaine, acompañará a Black Sabbath en su gira por Latinoamérica junto a Shawn Drover en la batería, Chris Broderick en la guitarra y David Ellefson en el bajo.

La nueva producción discográfica de Megadeth, titulada Super Collider, está planeada para ser lanzada en junio de 2013 y ha generado muchas expectativas tras su último y muy exitoso álbum ‘13’, mismo nombre que llevará el nuevo disco de Black Sabbath.

Por lo visto, '13', nombre que comparten estas dos bandas en su carrera musical, será el número de la suerte que reunirá en Bogotá a dos de las agrupaciones de rock más icónicas de la historia.

Fechas de la gira Latinoamérica:

Viernes 4 de Octubre: Santiago, Chile - Estadio Monumental
Domingo 6 de Octubre: Buenos Aires, Argentina - Estadio Único de la Plata
Miércoles 9 de Octubre: Porto Alegre, Brasil - Estacionamento da Fiergs
Viernes 11 de Octubre: Sao Paulo, Brasil - Campo de Marte
Domingo 13 de Octubre: Rio de Janeiro, Brasil - Apoteose
Miércoles 16 de Octubre: Lima, Perú - Estadio Monumental
Sábado 19 de Octubre: Bogotá, Colombia - Parque Simón Bolívar
Martes 22 de Octubre: San José, Costa Rica - Estadio Nacional

REDACCIÓN ELTIEMPO.COM

Podría creerse que son fenómenos del mercado, diseñados por las editoriales para captar la atención de los adolescentes.

Pero Tonya Hurley, creadora de Ghostgirl y The Blessed, parece moverse en un territorio intermedio entre el conocimiento que tiene de los productos para jóvenes y el propósito de escribir historias que calen en sus vidas cotidianas. Ella habló con este diario acerca de cómo su trayectoria fue el origen de estas series de libros.

Usted quería hacer música y terminó cómo escritora, ¿cómo fue ese viraje?

Estudié escritura de guiones y realización de cine, después me mudé a Nueva York para hacer música y obtuve un trabajo como publicista musical en una disquera. Trabajé para Prince, Depeche Mode, The Cure, pero nunca dejé de escribir.

¿Escribía mientras trabajaba con marcas juveniles?

Trabajé para las gemelas Mary Kate y Ashley Olsen desde que tenían unos 5 años y durante 15 años. Construí su marca, muñecas, juegos de video y programas de televisión. Y ahí empecé Ghostgirl, que al principio fue un guion y después simplemente no podía dejar de escribir.

¿Cómo conjugó esos dos proyectos?

Lo hice precisamente porque quería alejarme de Hollywood. Veía a las jovencitas queriendo ser como las Olsen y a ellas queriendo ser como otras del espectáculo. Eran personas muy solitarias, y eso me hizo darme cuenta de cuánto se parece Hollywood al bachillerato, pues todos quieren ser notados, encajar y ser populares, lo que hace invisibles lo que son en realidad.

Ese es, en esencia, el argumento de ‘Ghostgirl’...

Claro, porque supe que ese tema era fundamental para muchos jóvenes de esa edad, que no saben quiénes son, que están solos y que buscan amor y atención.

¿Qué es lo que más le gusta de ‘Ghostgirl’?

Me gusta la determinación de los personajes, y aunque quiero que mis lectores disfruten de la historia, también desearía que caminaran al lado de ese sentido de perseverancia, de no detenerse, de creer e ir detrás de lo que quieren.

¿Por qué hace tanto énfasis en la fe en sí mismo?

Es un tema que se necesita en esa edad, hay que tener algo en qué creer, y mis libros subrayan que no se necesita de nadie para vivir feliz ni para salvarse, sino que uno mismo puede hacerlo. Y, por supuesto, las sagas juveniles son de temas universales, que les inquietan especialmente a los jóvenes, pero que a todos, en cualquier edad, nos pueden tocar.

En ‘The Blessed’ se alude a santas católicas, ¿por qué?

Crecí como católica, pero no soy de rituales. Estas santas aparecen allí porque fui a México y me inspiró esa tradición en la que los santos tienen mucho de sobrenatural y de paranormal. Las historias de Agnes (mártir), Cecilia (patrona de la música) y Lucy (patrona de la vista) cuentan cómo eran inamovibles en lo que creían y cómo estaban dispuestas a morir por ello. Entonces pensé: ‘¿Por qué no tomar estas leyendas y modernizarlas?’. Además, hay mucha gente escribiendo sobre demonios y diablos, ¿por qué no escribir sobre santos y hacer de ellos superhéroes, con sus superpoderes, que, según las historias, los tenían?

¿Qué le dejó el vínculo de su familia con el espectáculo?

Mi hermana gemela está casada con uno de los creadores de Depeche Mode, que ahora está en Erasure, y mi esposo es el gerente de una empresa de entretenimiento. Aun así, todos son muy aterrizados, hacen buena música, van de gira y luego nos reunimos a hablar de cualquier cosa en casa. Mientras tanto, yo paso mi tiempo sola, escribiendo, en mi ático, que es mi oficina, y cuidando de mi hija de nueve años, que me ha nutrido con sus luchas para estos libros.

Se ha calificado a estos libros como fórmula de moda para adolescentes. ¿Qué opina?

Si hubiera una fórmula, quisiera saberla, pues sería billonaria, pero creo que si no se tiene una buena historia, no va a haber conexión con el público. Además, esto no fue una operación de mercadeo, no empezó con muñecos de Mattel, como Monster High. Soy una escritora y me lo tomo en serio.

MELISSA SERRATO RAMIREZ
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

“Siempre estamos para lo que nos necesiten: inaugurar un colegio, proteger un cerro, luchar porque no se haga una carretera en una zona protegida... Eso es ser político, tener una posición política, pero también una muestra de que somos sociales”, comenta Muñoz.

Por eso, están listos para el Concierto por la Paz, que se llevará a cabo hoy en la plaza de Bolívar, de Bogotá, organizado por Canal Capital y en el que también estarán Café Tacvba, de México, y los colombianos La 33, Alerta Kamarada y el grupo de hip hop PaZur.

Los Krápula, intérpretes de rock y ska (todos bogotanos y además de Muñoz, Sergio Acosta, teclados; Germán Martínez, guitarra; Niko Cabrera, batería, y David Jaramillo, bajo) se remarcan rolos y amantes de su ciudad. Y también hacen parte de un colectivo no oficial de grupos del continente que apoyan las causas ecológicas y donde muchas bandas –entre ellas Café Tacvba y Caifanes– terminan encontrándose.

“Es un camino bellísimo, no es lo mismo ir a hacer una gira por una cerveza que por una montaña o contra una mina antipersona”, dice Muñoz.

O con su propio movimiento de conciertos, Viva el Planeta, que realizó hace poco su segunda edición, un evento en el que participaron, además de Krápula, Enjambre y Sonido San Francisco (México), Percance (Costa Rica), Outernacional (Estados Unidos) y las locales Diamante Eléctrico, Skampida y Providencia.

Sobre este camino tienen varias historias, una en especial, en México, a donde los invitó Rubén, de Café Tacvba, a un concierto para que el cerro Wirikuta, en San Luis Potosí, según los indígenas el lugar donde nació el mundo y protegido desde 1998 por la Unesco, no fuera devastado por una empresa minera canadiense. “Hicimos ruido y recogimos un dinero para apoyar a los luchadores de esta causa”, cuenta.

Los intérpretes de El pibe de mi barrio, La fuerza del amor y Amanece se manejan de forma independiente, apoyados por empresas musicales de Colombia, Estados Unidos y Europa.

Y empezarán una gira de 40 conciertos durante dos meses en Estados Unidos y el Viejo Continente, arrancando en Nueva York el 29 de mayo. También irán a Italia, Alemania, Holanda, Suiza y República Checa.

Su idea, ahora, es hacer un concierto en algún punto del Amazonas, para luchar porque este pulmón del planeta no siga siendo saqueado y devastado.

Mientras tanto, irán adonde los inviten por una buena causa. “Porque si nos llevan a la inauguración de un colegio distrital –en las entregas de varios planteles de la administración de Luis Eduardo Garzón, en Bogotá, fueron el grupo permanente– y un pelado nos ve y se queda estudiando, entonces estamos haciendo bien las cosas, apoyando lo constructivo”, termina Muñoz.

¿Dónde y cuándo?

Hoy, 4 p.m. Plaza de Bolívar. Cra. 7a. calle 10a., Bogotá. Entrada libre desde las 10 a.m.

REDACCIÓN EL TIEMPO

En París (Francia), estudió en la Académie Nationale de Danse y con la compañía de danza Ebene se presentó en 15 países del continente africano. También estudió en Burkina Faso y Senegal, donde se enamoró de bailes tradicionales como el sabar.

“Es una técnica muy difícil, pero a la vez hermosa y elegante, con unos zapateos muy fuertes”, comenta Palacios, que basado en esos movimientos senegaleses construyó la coreografía de La ciudad de los otros, montaje que inaugurará, el 22 de mayo, el Festival de Danza Contemporánea Impulsos, que se realizará hasta el primero de junio en Bogotá.

La pieza, interpretada por 18 artistas, no solo mezcla los movimientos africanos con las técnicas afrocolombianas, sino que resalta una conexión más profunda.

Todo partió de una invitación que, en el 2010, le hizo la Alcaldía de Medellín a Palacios para que creara una coreografía que conmemorara la abolición de la esclavitud en Colombia.

El coreógrafo empezó a trabajar con bailarines residentes en Medellín, nacidos en poblaciones como Tumaco (Nariño) y Puerto Tejada (Cauca) y regiones como el Urabá. Así nació una producción que indaga sobre las relaciones entre nuestro país y África.

“Tenemos un cordón umbilical con el continente africano. Eso se expresa a través de nuestros cuerpos, de las técnicas de danza que utilizamos”, dice Palacios.

Más allá de rescatar la tradición, esta pieza también pretende hablar de la Colombia urbana. Por eso, la composición musical combina percusión en vivo con vallenatos y ritmos del Pacífico y plantea una reflexión sobre cómo es ser afro en este país.

“Durante el laboratorio encontramos que todavía hay una gran exclusión hacia las comunidades afrodescendientes... Pero no solo se trata de quejarnos, se trata de dar soluciones a unas fisuras sociales que solo pueden ser entendidas a través de la tolerancia y de la admiración por la diversidad”, añade.

Aunque en el nivel estético reconoce la influencia de creadores como el inglés Peter Brook, Palacios aclara que La ciudad de los otros pretende crear su propio lenguaje. “Nosotros ya sabemos lo que queremos decir, no necesitamos traductores. Mi obra es una construcción con bailarines que viven en Medellín, estamos creando una voz propia y un autorreferente de nuestra cultura”, añade.

La ciudad invitada

En esta tercera edición de Impulsos, la ciudad invitada de honor es Medellín. “Allí hay un gran interés por crear lenguajes contemporáneos y con muchas personas que valoran la danza. Es un momento importante para este lenguaje, en Medellín y en Colombia”, asegura Rafael Palacios. Además de ‘La ciudad de los otros’, desde la capital antioqueña llegarán las obras ‘Middlesex’ y ‘Materia material’.

Apuesta por Latinoamérica

En esta tercera edición del Festival Impulsos, los curadores (Tino Fernández, Juliana Reyes y Daniel Álvarez Mikey) le apostaron a mostrar la producción de danza contemporánea de Latinoamérica. Por ello, hay obras de México, Ecuador, Argentina, Uruguay, Costa Rica y Colombia.

También sobresale ‘Bon appétit!’, coproducción entre Francia y Estados Unidos. Además, en la Factoría L’Explose se realizará una muestra performática con trabajos de grupos nacionales.

 ‘La ciudad de los otros’

22 de mayo, 8 p.m. Teatro Jorge Eliécer Gaitán. Carrera 7a. No. 22-47, Bogotá. Informes: 593-6300. Boletas: 15.000, 20.000, 30.000 y 35.000 pesos.

YHONATAN LOAIZA GRISALES
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO
@YhoLoaiza

“En el bosque, las cosas más sencillas adquieren un tono trascendental, casi espiritual”, reflexiona en un tono solemne, antes de hablar de su más reciente producción, El reino secreto (Epic), una cinta animada en la que el espíritu de la naturaleza palpita en una trama cargada de aventuras, humor y mensaje ecológico.

Wedge, recordado por películas como La era del hielo y Robots, se basó en la historia del escritor y colaborador en algunas de sus cintas, William Joyce, artífice del libro The Leaf Men and the Brave Good Bugs.

“Joyce creó un mundo impresionante que se convirtió en un reto gigantesco para nosotros”, agregó el director del filme.
El reino secreto se centra en la lucha de los hombres hoja: unos seres diminutos que se enfrentan a una raza malvada que busca destruir el equilibrio de la naturaleza.

Una guerra secreta para los humanos, hasta que una adolescente, Mary Katherine, termina accidentalmente implicada en el conflicto de ese universo en miniatura que se esconde bajo las hojas de los árboles.

“La animación fue muy divertida, pero, a la vez, compleja y exigente; además se trata de una historia que rompe con la fórmula de producciones recientes del género”, explica.

“Nuestra receta fue diseñar con conciencia cada plano, cada trazo y cada personaje en una trama cargada de emoción y comedia”, insiste el realizador.

Mary Katherine será testigo de los conflictos, pero también de la belleza, maldad y ‘espiritualidad’ que se esconde entre los árboles, los lagos y los reductos donde pululan la erosión y el hedor.

Humor y naturaleza

“Es acción pura con elementos de ternura y un humor para toda la familia. Es como un huracán de emociones en el cual los humanos cambian su imagen de su entorno natural, que a veces no valoran como es debido”, asegura Wedge.

El director comenzó a trabajar en los primeros esbozos de la cinta a finales de los años 90. Visitó una exposición de pintura antigua que mostraba a civilizaciones en miniatura que vivían en lo más profundo del bosque.

“Ese fue el comienzo de todo y me sirvió para pensar en guerreros (los hombres hoja) que defienden a una reina que tiene el poder de florecer la vida en su ecosistema. Me basé en los samuráis japoneses para crear las armaduras de esos personajes”, recuerda.

“Este es el momento adecuado para la película: tenemos las texturas, la tecnología y la historia para hacer de un mundo increíble, algo creíble”.

“Además de las herramientas precisas para mostrar una selva como esta (se refiere a Monteverde), que podría esconder también un mundo diminuto, pero con una dinámica gigantesca”, finaliza.

ANDRÉS HOYOS V.*
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

*Por invitación de 20th Century Fox

El ataque de risa ocasionó que el rodaje de 15 segundos se extendiera por medio día y requirió que el director Baz Lurhmann (Moulin Rouge!) filmara a cada uno por separado.

No era la primera vez que los dos reconocidos actores trabajaban juntos, pero sí la primera en un proyecto en el que estuvieron más cerca. De hecho, fue DiCaprio el que llamó a Maguire para decirle que su nombre encabezaba la lista de candidatos para interpretar a Nick Carraway, el narrador y amigo del personaje principal en El gran Gatsby, la novela de amor, decepción y excesos de F. Scott Fitzgerald, que Lurhmann llevó a la pantalla grande, también en 3D.

Nick es quien narra la película. ¿Le costó encontrar la voz de su personaje?

Trabajé con Baz y Leo desde el 2009 y creo que hice unas 25 sesiones formales. Compartí con un asesor de dialecto y en total creo que le dediqué unos cuatro años. Era un elemento muy importante... La narración está muy presente a lo largo de la película y queríamos hacerlo correctamente.

En el libro, Nick es más un personaje neutro. ¿Lo ve en la película como un participante más activo?

Fue una de las cosas que hablamos con Baz y Leo. Ciertamente, es un observador y narrador, pero en la lectura del libro y ciertas secciones hay varias pistas de cómo esta experiencia lo afectó. Sugiere que es un escritor y, haciendo un poco de investigación, terminamos usando un poco del propio Fitzgerald en el personaje de Nick.

Al final, Gatsby solo sigue siendo el gran Gatsby para Nick...

Para mí, la novela se trata de la lucha entre los valores personales y los de la sociedad, y de cómo esa sociedad ejerce presión sobre nuestras decisiones. Y, en el caso de Nick, es una de las pocas personas aterrizadas y conscientes de este universo y aun así tiene problemas para encontrar su camino. Pero Gatsby termina siendo su inspiración, porque se aferró a lo que era verdad para él. Persiguió este sueño y la idea de ser un hombre grandioso... La pureza de ese sueño, la esperanza de la que Nick habla en la novela, es algo que termina admirando en retrospectiva, y al recordar esa experiencia, se da cuenta de que en realidad Gatsby fue el gran Gatsby para él.

La novela se ha interpretado como el epítome del sueño americano. ¿Cree que ese sueño es aún posible?

Sí. De niño no tuve dinero, nos preocupábamos de cosas tan simples como el alquiler y la comida, porque no siempre teníamos suficiente. Y eso crea una especie de inseguridad y de circunstancias, de las cuales quería salir; quería escalar y fui muy ambicioso con la meta de lograr éxito. Pero, a lo largo de mi vida, he redefinido lo que significa éxito mí. Ahora tiene más que ver con conocerme a mí mismo, perseguir mi pasión, tener una vida llena de propósitos y sentirme satisfecho con lo que hago.

Si pudiera escoger, ¿seguiría interpretando a Nick?

Seguiría con Nick, porque me divertí mucho interpretándolo, y también dejaría a Leo como Gatsby.

Ficha técnica

Dirección: Baz Luhrmann.
Con: Leonardo DiCaprio, Tobey Maguire y Carey Mulligan.
Clasificación: 12 años.

CLAUDIA SANDOVAL GÓMEZ
PARA EL TIEMPO

"Está siendo atendido por cortes y heridas superficiales, pero está bien", señaló hoy en un comunicado Filippello sin aportar más detalles.

Exintegrante del dúo Wham!, George Michael no conducía sino que iba como pasajero en el vehículo siniestrado en el suceso, que tuvo lugar ayer por la tarde y en el que no estuvieron involucradas terceras partes.

Los servicios sanitarios informaron hoy de que, tras el accidente, se desplazaron tres ambulancias y que, finalmente, se trasladó por aire al cantante a una unidad hospitalaria especializada tras ser estabilizado.

Un portavoz médico indicó que Michael, ganador de dos Grammys, presentaba "una herida en la cabeza y, tras estabilizarlo, se procedió a su traslado".

La policía tuvo que cortar la autopista en sentido norte durante la hora que duró la actuación del equipo de emergencias.

No es el primer incidente con un coche que sufre el cantante londinense, que en septiembre de 2010 fue sentenciado a ocho semanas de cárcel por estrellar un vehículo en una tienda del norte de la capital británica.

Durante el juicio, se declaró culpable de conducir bajo los efectos de las drogas y de posesión de cannabis.

Anteriormente, se le había prohibido conducir durante dos años y en 2006 fue condenado a cien horas de servicios comunitarios tras ser juzgado asimismo por conducir bajo el efecto de estupefacientes.

Esta producción, que se estrena hoy por el canal de televisión paga Fox, a las 10:30 p.m., no se fija en complejas decisiones de poder o en cambios para mejorar la economía del país, sino en los conflictos de una madrastra enloquecida, un hijo adulto que tiene que regresar junto a sus padres, dos adolescentes incomprendidos y un presidente que no siempre tiene todas las respuestas para ese caos.

En entrevista vía telefónica desde Los Ángeles con EL TIEMPO, Gad contó: “Siempre me llamó la atención saber cómo vive un presidente. Me refiero al sentido de ser padre y esposo dentro de la Casa Blanca. Estaba fascinado con el reality que hizo la candidata republicana Sarah Palin, en donde mostraba cómo era su familia y resultó siendo como la mía o como la tuya: común y corriente”.

Con humor, Gad comenta cómo le fue teniendo que lidiar con el trabajo de actor, productor y creador de la serie. “Me sentía como un malabarista: actuar, ver guiones, después reunirme con el director, productores y editores; se debe tener un estómago fuerte, sobre todo para aguantar hambre (bromea)”.

La serie la componen 13 capítulos y, por lo pronto, no se tiene prevista una segunda temporada. También actúan Jenna Elfman y Bill Pullman.

Dónde y cuándo

La serie se estrena hoy por el canal de televisión paga Fox, a las 10:30 p.m.

REDACCIÓN EL TIEMPO

La saga vampírica juvenil se reactiva con el episodio Growing Pains, en el que Elena (Nina Dobrev) se entera de su nueva condición y de que ha perdido a sus seres queridos.

“Damon y Stephan tienen que lidiar con el hecho de que existe una cura para el vampirismo y se empeñan en encontrarla para ayudar a Elena, pero no son los únicos interesados en obtenerla”, adelanta Somerhalder, quien se dio a conocer por su papel de Boone Carlyle en Lost. También actuó en Smallville y CSI.

“En uno de los momentos más difíciles de la serie, mi personaje debe enfrentar el reto de saber si hace lo correcto con la cura, si la encuentra. No olvidemos que para Damon es casi un regalo que Elena se haya convertido en vampiro”, explica el actor.

El conflicto se genera, pues en el fondo, Damon no quiere salvarla, ya que su nueva condición le da la oportunidad de que sea suya por siempre, en un momento en el que Elena parecía decidirse por Stefan.

The Vampires Diaries es producida por Kevin Williamson, quien es recordado por ser el artífice de la saga cinematográfica de terror Scream.

MARÍA DEL MAR QUINTANA
Especial para EL TIEMPO

Memoria..., que se estrenó el viernes pasado en Colombia, cuenta la historia de ‘el Sabio’ (Emilio Echevarría), veterano columnista de un periódico costeño, que nunca se ha casado ni se ha enamorado. Al cumplir 90 años decide pasar una noche de amor con una joven virgen, y acude a su vieja amiga Rosa Cabarcas (Geraldine Chaplin), encargada del burdel.

“Leí la novela en el verano del 2005. Ese mismo año, pensé que podría funcionar como una película. En mi inconsciente, es probable que haya cambiado la estructura de novela para que funcionara como filme”, dijo Carlsen.

Sin embargo, el director no impactó con su versión del libro de Gabo: “Algo, pero no mucho, de la magia de García Márquez se transfiere a la pantalla en esta adaptación”, escribió Jonathan Holland, en Variety.

No es la primera vez que una película basada en un texto del Nobel colombiano recibe comentarios tibios: Del amor y otros demonios y El amor en los tiempos del cólera tampoco colmaron las expectativas ni lograron taquillas rentables, pese a contar con actores reconocidos (Javier Bardem, Liev Schreiber, Benjamin Bratt) y presupuestos robustos.

“Las obras de Gabo me parecen muy cinematográficas, desde el punto de vista de las historias que cuenta. Pero creo que buena parte de las atmósferas que logra nacen del puro uso del lenguaje, de sus magníficos adjetivos, de sus símiles o sus hipérboles, algo que el cine no puede reemplazar”, explica la escritora colombiana Piedad Bonnett.

“Lo que pasa es que adaptar las novelas de García Márquez no es cosa fácil, porque son muy estructuradas, puntuales, precisas. Hay muy pocos que se atreven, porque la cinematografía tiene que responder a esas expectativas o el fracaso será rotundo”, comentó en el 2006 el realizador mexicano Arturo Ripstein, quien dirigió El coronel no tiene quien le escriba, una de las pocas adaptaciones que ha sido elogiada.

Una película tortuosa

El proceso de Memoria de mis putas tristes fue complejo. Partir de la historia de un viejo que quiere acostarse con una niña de 14 años representaba ya un problema. “Por obvias razones la actriz debía ser mayor de edad, pero con apariencia inocente y joven”, comentó Carlsen.

Luego de varios escándalos, Memoria... se estrenó el año pasado, y su costo subió a 4 millones de dólares. “No sé qué esperar de la gente, no sé cómo la van a tomar. Sólo les digo que la vayan a ver y no se asusten por lo que se escribió en los medios; que adaptamos la obra de un premio Nobel y que hicimos una buena película”, comentó la productora mexicana Raquel Guajardo en el diario La jornada.

En contra de su complejidad, habría una esperanza para quienes insisten en llevar los libros del Nobel colombiano al cine: “Creo que las mejores adaptaciones, en su caso, podrían ser de los Doce cuentos peregrinos (...) Y aun así, de todas maneras, algo se queda en el tintero o, mejor, por fuera de la propuesta garcíamarquiana”, concluye Luz Mary Giraldo, profesora de literatura.

Rodaje, bajo amenaza

El primer día de filmación, organizaciones acusaron a ‘Memoria de mis putas...’ de hacer una “apología de la prostitución infantil”. Se anunciaron demandas penales (que no prosperaron) en contra de productores y hasta del mismo Gabo. Ante este panorama, la producción se rodó de forma clandestina en Campeche (México).

SOFÍA GÓMEZ G.
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

Banderas encarnará a Mario Sepúlvera, el carismático minero que se ganó el apodo de "súper Mario". El anuncio lo realizó el productor Mike Medavoy en el festival de cine de Cannes. El rodaje de la cinta, dirigida por la mexicana Patricia Riggen, comenzará este otoño en Chile.

El estadounidense Martin Sheen y el brasileño Rodrigo Santoro también formarán parte del elenco. Santoro interpretará a Florencio, el primer minero en salir a la superficie. El guion, obra de Mikko Alanne y José Rivera, se ciñe a los hechos que tuvieron lugar en el yacimiento San José, en pleno desierto de Atacama, donde los mineros permanecieron sepultados 70 días a unos 700 metros de profundidad antes de su rescate en octubre de 2010.

El guion fue escrito en colaboración con los propios mineros e incluye detalles nunca relatados sobre sus primeros 17 días bajo tierra, antes de que lograran contactar con el exterior.

"The 33" se rodará por completo en Chile, aunque será una producción rodada en inglés. "Me fascinó, al igual que al resto del mundo, todo el drama de los 33 mineros", dijo Riggen en septiembre del año pasado al darse a conocer que se haría cargo del filme.

"Ha sido una experiencia extraordinaria reunirme con ellos en persona y escuchar todos los detalles acerca de su experiencia. Desde su rescate, su verdadera historia de supervivencia no se ha contado", manifestó. En paralelo al rodaje de la cinta, el periodista y autor Héctor Tobar escribe actualmente el libro oficial sobre la historia de los mineros.

EFE

Y llegaron, entre otros, Álvaro Castaño, William Vinasco, Amparo Pérez, Manolo Bellón, Judith Sarmiento, Flor Vargas y Jorge Antonio Vega, con sus recuerdos radiales más importantes.

Con ellos se inauguró la exposición Voces de radio, en la que hay 13 páneles con información de 50 voces, en sus programas y transmisiones, así como momentos de gloria deportiva y cultural del país.

Igualmente, se pueden oír las grabaciones de quienes ya fallecieron, entre ellos Guillermo Zuluaga ‘Montecristo’, uno de los iconos del humor radial en el país.

Los que vayan a Rtvc se ponen audífonos y seleccionan el programa de su gusto. Pero si no se vive en Bogotá –la muestra recorrerá colegios y universidades del país próximamente–, en www.fonoteca.gov.co se puede acceder a los audios.

Y hay más: en contactofonoteca@rtvc.gov.co, se reciben comentarios sobre los recuerdos que les traen a los oyentes esas voces. Algunas de ellas nos contaron qué significa este medio, cómo fue su paso por él y cuáles fueron sus historias.

Jorge A. Vega

“La radio es magia”, dice Jorge Antonio Vega, que llegó a este medio en 1949. Empezó en Radio Cristóbal Colón, en Bogotá, “comentando discos y leyendo comerciales. Luego pasé a leer noticias y terminé hace poco”, comenta sobre sus 64 años en el medio, todo un récord.

Y también, estuvo en ‘La hora Philips’, espacio de Caracol en el que entrevistó a los grandes de la música de varias épocas. Para Vega, “la radio alimenta la imaginación de la gente”.

Judith Sarmiento

“En la radio, uno pone con la voz lo que los otros medios pueden poner con otros recursos”, comenta Judith Sarmiento, cuyo primer día en este medio tuvo que ver con su carrera de abogada.

“Fue en 1975, en Todelar. Llegue a contestar una pregunta de un oyente sobre un tema jurídico, en un programa que dirigía Alberto Cepeda”. Y se quedó hasta el 2009, cuando se pensionó. Pero no se fue del todo. Hace ‘En familia’ (Caracol), y en Radio Nacional, ‘Colombia responsable’.

Hilda Strauss

Hoy, gracias a Internet, a Hilda Strauss la oyen en “Siberia, Japón y Nuevo México”, dice, y para esta mujer de radio, que presenta el programa ‘De 9 a 11 con Hilda Strauss’, en Todelar, significa que lo único que hace este medio es crecer. Empezó en Radio Modelo, hace 60 años, en Bogotá. “En esa época, era ceremonial y de libretos rígidos. Hacíamos un programa de belleza, hogar y recetas, temáticas con la que siempre he trabajado”.

Manolo Bellón

“La radio acompaña sin interrumpir. Con ella se puede leer, manejar, planchar, charlar”, dice Manolo Bellón, que llegó a este medio cuando le hizo una corrección a un locutor que dijo mal el nombre de una canción y este lo invitó a su programa. Pero cuenta que cuando tenía 4 años, la radio lo sorprendió. A su papá lo entrevistaron en un programa y toda la familia se reunió en torno al aparato. Manolo no sabía de dónde salía la voz de su padre y la buscó por toda la casa, “hasta detrás de las cortinas”.

Flor Vargas

Lo que hoy en TV se llama ‘Mujeres al límite’ y ‘Tu voz estéreo’, la actriz Flor Vargas los hizo en radio en programas como ‘Así resolvemos su caso’, ‘Doctora corazón’, ‘Buenas tardes corazón’ y ‘Una cita contigo’, “que eran espacios sociales”, según comenta, en las emisoras de Caracol, RCN y Todelar. Durante 30 años, hizo radio y tuvo licencia de locutora. “Era de primera categoría y podía decir los nombres de las canciones que sonaban y daba información comercial”.

Algunos audios

Carlos Arturo Rueda. Pelea entre Mamatoco y Bill Scott, en Bogotá.

Eucario Bermúdez en los Olímpicos del 72.

Cecilia Fonseca, sus inicios como locutora.

Bernardo Hoyos habla de la importancia de las emisoras culturales.

¿Dónde y cuándo?

Radio Nacional de Colombia. Avenida ElDorado con carrera 45, Bogotá. Tel.: 222-0700. De lunes a viernes, de 8 a.m. a 5 p.m. Entrada gratis.

Con sólo leer los mensajes y sin ver ninguna fotografía, muchas personas de seguro pensarían que el físico de Tammy se asemeja al de una modelo. Y así es, sólo que al de una fetiche. Porque la mujer de 23 años y oriunda de Los Angeles, California, no luce medidas de 90-60-90, sino que su cuerpo está lejos de ellas, ya que en su 1.57 metro de altura retiene nada más y nada menos que 101 kilos de peso, es decir, casi el doble de lo que debería pesar una mujer de su tamaño.

Pero Tammy no siempre fue así, ya que -según ha aparecido en diversos medios que han recogido su historia luego de que ésta apareciera en el canal online Barcroft TV- durante su adolescencia era una joven sana, de 50 kilos de peso, que usaba pantalones apretados, le gustaba hacer deporte y adoraba salir con sus amigos. No obstante, se sentía insegura.

"Era consciente de mi apariencia. Siempre pensaba que estaba gorda y tenía una baja autoestima", señaló. Sin embargo, cuando dejó de jugar voleibol y fútbol, comenzó a ganar peso de verdad, hasta que un día se miró en el espejo y se encontró "fantástica". En ese momento, se planteó su objetivo: engordar todo lo que pudiera para ser famosa en internet. Y claramente lo ha logrado, aunque todavía no alcanza su meta de pesar 190 kilos. (Más artículos sobre obesidad).

Tammy sube 19 kilos cada seis meses, para lo cual come 5.000 calorías diarias. Su menú incluye pollo frito, cajas de donuts, queso crema, leche con chocolate, galletas y pilas de panqueques y waffles, entre otros muchos alimentos muy poco saludables. "Puedo comer queso durante todo el día, un par de trozos no es problema. Luego, de cena, puedo comer pizza o preparar comida mexicana", dijo.

Para terminar, todos los días ingiere lo que puede ser calificado como una "bomba de calorías", con la cual se asegura subir lo necesario. Ésta consiste en un batido de crema y helado, popularmente conocido como milkshake, que su novio Yohan (28) le ayuda a tomar a través de un embudo.

"El embudo me obliga a beber el batido incluso cuando estoy satisfecha después de un día completo comiendo", asegura.

"Comer me hace feliz"

A pesar de que los médicos le han advertido a Tammy que lo que está haciendo es riesgoso tanto para su salud como para su vida, ella aseguró que no se detendrá hasta conseguir lo que ella llama su "sueño". "Nunca he sido más feliz que ahora que estoy ganando peso (…) Sé que es polémico, pero el asunto no le incumbe a nadie más. Comer me hace feliz", afirmó.

Y alimentarse en exceso no sólo le causa satisfacción -de hecho ella considera que su cuerpo "se ve muy sexy" con todos los kilos demás que tiene-, sino que también está ganando dinero con ello, ya que cuenta con varios seguidores que están dispuestos a pagar por ver sus videos. "Recibo mucha peticiones para que coma y me pese frente a la cámara. Algunas personas incluso me envían libretos para que sepa qué decir", contó.

"Puedo ganar hasta 1.000 libras (unos $730 mil) al mes si trabajo en ello y tengo la esperanza de ganar más cuando esté más gorda", agregó.

Por su parte, a su novio -con quien lleva ocho meses de relación- no le molesta que otros hombres la vean, muchas veces en ropa interior y poses bastante sugerentes. Tampoco le importa su físico y es por eso que asegura que la amará "sin importar cómo se vea".

Consultada respecto a la opinión que tiene su familia sobre su empeño por engordar, Tammy reconoció que aunque se han dado cuenta de que ha aumentado de peso, aún no saben que lo ha hecho a propósito.

"Probablemente no estarían de acuerdo, pero (con esto) me gano la vida y puedo sostenerme (económicamente) a mí misma", argumentó.

Se trata de Sr. Ávila, que explora la vida de un vendedor de seguros, casado y con un hijo adolescente, que tiene una doble vida: es un sicario de una organización criminal. Esta producción se estrena este domingo, por el canal de televisión paga HBO, a las 7 p.m.

“Es lo irónico de tener la fuerza para jalar el gatillo sin tener ningún complejo de culpa; a la par con ser un marido amable y dedicado a su esposa y a su hijo”, insiste Dalton, quien vio muchas veces el documental Into the Abyss: A Tale of Death. A Tale of Life, de Werner Herzog, acerca de dos asesinos condenados a la pena de muerte, que recordaron sus crímenes ante una cámara.

“La carga moral en esa situación era algo insólita para mí, pero me dio elementos para armar el buen amigo, padre dedicado y tolerante halo que rodea a Ávila”, reconoce el protagonista,

“Pero no es una trama acerca de los ‘contratos’ (asesinatos)”, indica, refiriéndose al drama de una esposa insegura y Emiliano, el hijo, que tiene que afrontar la violencia en el colegio.

“También hay que sumar la historia de Ismael, un joven que se convertirá en un alumno de Ávila en su profesión de asesino, una pieza esencial de los retos y peligros que le esperan a mi personaje”, explica.

“Soy un malvado entrañable, de esos que responden a las expectativas de ese público que está cansado del bueno y el malo clásicos; el que prefiere centrar su atención en tipos que tienen que confrontarse y tomar decisiones fuertes”.

Sr. Ávila sigue el esquema de mezclar thriller y drama, que le ha funcionado muy bien a HBO en Latinoamérica, con producciones como Capadocia o Prófugos.

“La TV latinoamericana ha crecido de manera impresionante con casos como los de Colombia y México. Ahora se hacen más series y menos telenovelas en las que la niña pobre se enamora del millonario de la casa en la que trabaja”, reflexiona Dalton, que no puede esconder su emoción de ser el malo del cuento.

“En la vida real trato de ser un pan de Dios”, finaliza.

¿Cuándo se puede ver?

La primera temporada de ‘Sr. Ávila’ se estrena el domingo, a las 7 p.m. por el canal de TV paga HBO.

ANDRÉS HOYOS V.
Cultura y Entretenimiento

Y aunque su afirmación parece salida de rígidos estudios sociológicos, lo cierto es que en sus obras encuentra la manera de aterrizar sus ideas, de un modo sencillo para el público, con pintura, video, objetos intervenidos, instalaciones y fotografía.

La pieza que abre las puertas de su muestra ‘Propaganda de la utopía’ es un símbolo de color azul y rojo, que se repite varias veces y que el artista seleccionó a propósito por la asociación directa que tienen estos colores con distintos fenómenos, ideologías, partidos y grupos sociales.

Entonces, sitúa al espectador ante ciertas realidades de la vida cotidiana, para que se cuestione sobre la utopía; es decir, “ese puente entre lo que somos y lo que podríamos llegar a ser”, comenta.

A medida que se va avanzando, se encuentran variados objetos, como un rodillo para pintar, que tiene el lema de ‘No pintar aquí’, junto a unos tarros de pintura, hechos de lienzo y pancartas relacionadas con el trabajo de los artistas, que se encuentran sostenidas por escobas.

Él cuenta que estas obras tuvieron su origen cuando encontró un símbolo que indicaba el mensaje de no pintar; es decir, una brocha tachada (ver foto arriba). El logo reposaba en un puente vehicular de una autopista, cuya función era justamente la de evitar que las personas pintaran grafitis sobre la pared. “Me pareció muy curioso que intentaran detener a la gente de pintar, pintando”, dice Mellizo.

Esa discordia entre legalidad e ilegalidad, y entre el grafiti y el antigrafiti, llamaron la atención del artista, que intervino los espacios públicos con su trabajo.

Y es que, para Mellizo, el artista es un miembro activo de la sociedad, pero desligado de muchos sistemas, como el de pensiones, empleo y seguridad. Por eso, trata de mostrarlo como una especie de “obrero emancipado”.

Una de las obras que hacen evidente esta posición es una cinta de advertencia, de las que se usan en las calles para evitar que los transeúntes circulen por áreas peligrosas, hecha con lienzo para pintar, y que Mellizo utilizó en una exposición que tuvo lugar en la Universidad Nacional, en 1998.

Su propósito en ese momento fue cerrar temporalmente y para su muestra ese museo. Sin embargo, con el paso del tiempo, obreros que pasaron por la exhibición –sin saber que lo era– utilizaron la cinta para cerrar una construcción en la que estaban trabajando.

Con este acto, esa cinta se recontextualizó, según explica Mellizo, pero además reafirmó la posición de que tanto el artista como el obrero, se dignifican a través de su trabajo, sus obras y las herramientas que utilizan.

Sin embargo, la inquietud de Mellizo por el rol del artista en la sociedad no se queda ahí, pues en otro lugar de la muestra, interviene libros de pensadores como Carlos Marx y Mao Tse Tung. Para ello, corta los libros con las formas de Colombia, las islas de San Andrés y Providencia, entre otras, en señal de que la historia puede y debe ser modificada por las personas, por las luchas y por la inconformidad frente a los sistemas.

“Todo se resume en que en mi exposición se puede ver aquello que se promete, aquello que es ideal para las personas y los pueblos: una utopía”, finaliza Mellizo.

¿Dónde y cuándo?

La muestra estará abierta hasta el 8 de junio, en la galería Nueveochenta. Calle 70 No. 9-80, Bogotá, Teléfono: 346-6987.

MARÍA DEL MAR QUINTANA CATAÑO
Para EL TIEMPO

En el 2009, la revista Time clasificó al pianista chino –quien se encuentra en estos días en Colombia– en su lista de los 100 personajes más influyentes del planeta. En el 2010, el diario británico The Telegraph lo llamó ‘el Tiger Woods’ de la música clásica –por su talento– y destacó que entonces daba 125 conciertos al año y por cada uno podía ganar hasta 170.000 libras esterlinas (alrededor de 475 millones de pesos).

Detrás de Lang Lang, quien tiene hoy 30 años, hay un relato que parece de película: el niño prodigio que surge en un hogar exento de privilegios y que tiene que viajar de su natal Shenyang a la convulsionada Beijing para buscar el amparo de un buen maestro. Allí, la disciplina china lo somete a un entrenamiento sin par y, por momentos, a la frustración que trae consigo la búsqueda de la perfección.

El joven Lang Lang, ya radicado en EE. UU., a los 17 años encuentra la posibilidad de reemplazar a un pianista en el Concierto para piano de Chaikovski con la Sinfónica de Chicago. Al día siguiente, los diarios reseñan la aparición de un fenómeno. Y otro cuadro: Lang Lang inaugura los Juegos Olímpicos de Beijing 2008, por petición del gobierno de su país, para simbolizar el futuro de millones de niños chinos. Lang Lang habló con EL TIEMPO acerca de esa historia.

¿Cómo fue esa transición de la educación china a la occidental?

Hubo un choque cultural. En China tenemos este sistema estricto para estudiar música. Yo ya estudiaba en el conservatorio cuando tenía 9 años y medio. Por un lado, es muy profesional, pero en ese momento en China, los 90, no teníamos tantas facilidades como en Estados Unidos: mi profesor fue Gary Graffman, quien ¡había sido alumno de Vladimir Horowitz y Rudolf Serkin! Ese tipo de cosas era apenas imaginable estando en el Este (...). Pienso que en la educación musical necesitamos este link con las generaciones tradicionales. No se trata de escuchar historias de hadas, sino de cómo se pasa ese conocimiento. En América tuve ese link. Pero también en Alemania estuve estudiando con Daniel Baremboim y hablábamos sobre Karajan. Esas cosas necesitamos aprenderlas y nada lo puede reemplazar.

Gran contraste con ‘Professor Angry’ (a quien menciona en su biografía, ‘Journey of a Thousand Miles’)...

Si, mi primera profesora en Beijing... Es una historia muy triste. El error fue profundo: nos decían que la profesora ‘Angry’ (enojada) era una de las mejores y era clave para poder entrar al conservatorio. Todo el mundo decía que era buena para los niños, y tenía amigos que viajaban de Shenyang para estudiar con ella. Es lógico que uno siga esos pasos. La decisión no fue correcta: nunca hubo química, y eso es doloroso. Fue como haber perdido ese link. Nada le parecía bien. Durante seis meses fue un proceso poco natural. Si hubiera seguido con ella, habría sido trágico.

Cabe preguntar: ¿qué es la perfección para usted?

Como músicos, intentamos buscar ser lo más perfectos posibles, pero la verdad es que en la música siempre hay nuevas formas de interpretar. Lo único que podemos hacer es lo mejor para redescubrir y analizar las piezas. La experiencia en vivo, lo que te dice la música. Es como cuando toco un nocturno de Chopin. Realmente estás hablando con Chopin, lees su mente, sientes su ritmo cardiaco, su pulso, y te metes en el momento de su vida. Cómo combinamos esos sentimientos originales de una pieza con tu propia interpretación; cuando eso hace clic, la magia funciona. En la música, lo que necesitamos siempre es la pasión.

¿Qué pasa en la mente de un artista cuando se ve en esa lista de ‘Time’?

Obviamente fue un gran honor (...). Pensé que era un error y que tal vez esto llegaba muy temprano. Recuerdo haber visto el artículo sobre mí que fue escrito por Herbie Hancock. Uno de mis mejores amigos, Gustavo Dudamel, también estaba en la lista, así que era un gran año para la clásica. No es común para este mercado influenciar a nuevas generaciones y que disfruten esta música.

Usted cruzó esa frontera de lo clásico y ha hecho de todo. Una escena particular: ver a un niño jugando el videojuego ‘Gran Turismo 5’ y, en el fondo, escuchando a Prokofiev...

Fue algo genial. Un productor se acercó luego de un concierto y me hizo la propuesta: “Música clásica en un juego de carreras”. Le dije: “¿Estás loco?”. (...) Resulta que sí funcionaba. Lo hicimos y fue increíblemente efectivo. Mucha gente joven me dice: “Ah, tú eres el de Gran Turismo, eso es muy cool”, y les digo: “¡Es Prokofiev!”.

En Medellín y por Bogotá
Su gira por Colombia

Lang Lang vino al país para dos conciertos: ayer se presentó en el Teatro Mayor, con boletería agotada, y el martes será el solista con la Filarmónica de Medellín, que celebra su aniversario 30, en el Teatro Metropolitano. El artista participó, además, en el foro ‘De la creatividad a la innovación’, de Telefónica, en beneficio del Hogar Nueva Granada.

CARLOS SOLANO
Cultura y Entretenimiento

El coreógrafo de 36 años se declara un hedonista de tiempo completo y, fiel a esa doctrina, trae al III Festival Impulsos, que arranca este miércoles en tres escenarios de Bogotá, un montaje sobre el placer físico como respuesta a la crisis. A través de los cuerpos desnudos de 6 bailarines, música electrónica y sugestivas imágenes de comida, pretende que los espectadores quieran subir al escenario y bailar, comer y desear. Que busquen comer y ser consumidos.

Amselem (Toulon), conocido en Francia por hacer flashmobs y sacar la danza contemporánea a la calle y las discotecas, habló con EL TIEMPO de este espectáculo de canibalismo “urbano y visceral”.

¿Por qué abordar el lado oscuro del placer?

Siempre he tenido interés en el placer y he dirigido varias obras en las que hago inmersiones en él, en la posibilidad de bailar cuerpo a cuerpo (creó la Danza de abril-, que estuvo de moda en discotecas), quería utilizar esta energía participativa del placer y ponerla en el escenario para que la gente tuviera la sensación de venir a bailar y no poder, y así explorar la paradoja entre placer y frustración.

¿Y cómo traduce eso en un espectáculo que la gente sienta y entienda?

Busco crear algo accesible pero sorprendente. En Bon Appétit! es muy claro: se ven personas encerradas en sus burbujas de tensión y de hábitos que van a encontrarse para consumirse juntos, pero luego como si alguien estuviera manipulándolos para cocinarlos. Y muestra a la gente buscando maneras de conectarse, de moldearse y suavizarse en distintas etapas, como adultos y volviendo a ser niños, con la desnudez de antes de nacer.

¿Por qué plantea que en época de crisis hay que recurrir al placer físico?

El placer hay que defenderlo contra todas las reglas, porque en momentos de crisis la gente se aísla, pierde el contacto, la apertura. Por ejemplo, todos los recursos tecnológicos nos están dados para quedarnos encerrados en casa, con nuestro iPad, o nuestras TV gigantes, para mantenernos alejados los unos de los otros, y la danza aleja el miedo. Además, el placer físico es algo a lo que puede acceder la gente sin pagar.

El espectáculo también habla de qué pasaría con la necesidad de consumo si solo nos quedaran nuestros cuerpos...

Si solo nos quedaran nuestros cuerpos, lo más probable es que nos comeríamos entre nosotros. Esa es una de las escenas del espectáculo, que es violento y brutal, pero al mismo tiempo dulce. Antes, el montaje se titulaba ‘amor fati’ que es un concepto filosófico que significa ‘querer al destino’, y que en este caso es estar consumidos por la vida y por los demás y aprovechar el placer. Después de trabajar en Minneapolis (Estados Unidos) –donde hizo la creación con una beca internacional– se cambió el nombre por Bon Appétit!. Quiero generar en el público el deseo de comer y de bailar.

En Colombia mucha gente ve la danza contemporánea como algo inaccesible, lejano, ¿cómo contrarrestar esto?

Estoy segurísimo de que la manera de acercar a la gente a la danza contemporánea es agarrarla por la calles, llevarle explosiones de alegrías y de sorpresa, y los flashmobs son una manera. Cuando la danza contemporánea se queda en la élite, se mantiene en una burbuja inaccesible. Yo creo que hay que ir a la gente, mostrarles primero la danza y luego llevarlos a otro nivel.

¿Y el uso de música electrónica en la danza contemporánea, a la que recurre, es otra manera?

Entre mi trabajo y mi vida personal hay poco límite, he ido a discotecas desde siempre y toda esta energía de placer es mi noche. Así que siempre estaba pensando que en las discotecas también estábamos en burbujas, y propuse bailes de electro de a dos (Danza de abril), ahí fue la primera vez que usé música electrónica. Lo interesante es que primero funcionó en clubes y luego la comenzaron a pedir en festivales de danza contemporánea.

¿En qué consiste el trabajo pedagógico con jóvenes de París?

Trabajo con escuelas en un programa de la Ópera de París, en el que profesores de chicos de 6 a 18 años proponen proyectos para conocer el mundo de la coreografía, el vestuario y ver qué pasa alrededor del arte en la Ópera; y también trabajo con otros artistas profesionales, creando coreografías con jóvenes. Creo que esa es otra manera de acercar a la gente a la danza contemporánea.

Enfoque
Obras de Medellín

Esta es la tercera edición del festival de danza contemporánea que realizan en conjunto el Teatro Nacional y el grupo L’Explose.

Según Tino Fernández, uno de los curadores del certamen, este año el objetivo es visibilizar la producción latinoamericana de este lenguaje.

Por ello, el grupo de invitados está conformado por México (con la obra ‘Yo antes es ahora’ y la coproducción con Colombia ‘ESCrito absurdo’), Uruguay y Ecuador (que presentarán ‘Maravillosa’) y Argentina (‘Maneries’). La ciudad invitada de honor es Medellín, de la que se podrán ver ‘La ciudad de los otros’, ‘Materia material’ y ‘Middlesex’.

¿Dónde y cuándo?

‘Bon Appétit!’ es una coproducción entre Francia y Estados Unidos. Funciones: 23 y 24 de mayo, 8 p.m. Para mayores de 16 años. Teatro Jorge Eliécer Gaitán, de Bogotá. Boletas: 15.000, 20.000, 30.000 y 40.000 pesos.

El Festival Impulsos se realizará del 22 de mayo al primero de junio en cuatro escenarios de la ciudad: teatro Jorge Eliécer Gaitán, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Casa del Teatro Nacional y Factoría L’Explose.

Informes sobre funciones y boletería, en la página: www.teatronacional.com.co/impulsos/.

CATALINA OQUENDO B.
Cultura y Entretenimiento

Hasta ahora, todos sus proyectos han sido exitosos: en su larga lista de reconocimientos está la serie Lost, que innovó el formato televisivo de los últimos tiempos; fue escritor de las recientes entregas de la franquicia cinematográfica Misión imposible; estará detrás de una nueva apuesta del canal Fox, Almost Human, y, el año entrante llevará el peso de dirigir el episodio VII de Star Wars, que marcará el regreso a la gran pantalla de la idolatrada saga de ciencia ficción creada por George Lucas (se estrena en el 2015).

Este fin de semana, Abrams vuelve a ser centro de atención de los medios y de los fanáticos de Star Trek, al estrenarse su más reciente película como director, Star Trek: en la oscuridad (Star Trek into Darkness), que retoma la historia de la nave Enterprise que el mismo realizador empezó en 2009, con un nuevo elenco –encabezado por Chris Pine y Zachary Quinto– en una ‘modernización’ de la serie de TV original de los años 60.

Star Trek: en la oscuridad se estrenó el viernes en Colombia y su director habló con este diario en Londres acerca de los detalles de la nueva entrega.

La narrativa no lineal de esta película es más compleja en comparación con la primera. ¿Lo tenía previsto así?

Mi intención era contar una historia que se percibiera como independiente de la serie o de la anterior película, lo cual significa que cualquiera, fuera un trekkie (fanáticos del universo Star Trek) o un espectador normal, la disfrutara de igual manera. Para entenderla, no se necesita haber visto el filme que hice en el 2009 ni tampoco la serie original de televisión.

¿Es esta una historia más densa?

El título puede haberse malentendido porque no es precisamente una historia densa u oscura, también existen momentos divertidos y de acción.

A propósito, ¿por qué eligió a Benedict Cumberbatch como el villano?

La razón primordial es que es un gran actor, ahora que lo pienso, esa fue la única razón. Su presencia y su voz traen esa oscuridad necesaria y auténtica que no es forzada, y su transformación era sorprendente cuando yo gritaba “acción”.

Está claro que la serie fue visionaria respecto al futuro de la humanidad…

Siempre ha habido en la ciencia ficción películas que proponen cosas que podrían pasar en el futuro. En Star Trek existen factores que muestran cómo sería el mundo y su interacción con otras razas y planetas, pero como narrador, no me interesa el momento en el que la tecnología y la ciencia son más importantes que la humanidad. Lo relevante es cómo se sienten los personajes.

Su siguiente reto es Star Wars, episodio VII...

Para mí es una increíble oportunidad y honor estar involucrado en Star Wars, porque estoy familiarizado desde pequeño con el universo de Darth Vader, Han Solo y Luke Skywalker, por encima de cualquier otra historia de ciencia ficción.

Conservar la esencia

En la película se mantienen los avances tecnológicos que se veían en la serie original...

Sí. La teletransportación, la intercomunicación espacial y la diversidad de seres de la serie, que era lo más original y auténtico, se mantienen. Nuestra idea nunca fue crear o adicionar cosas, más bien quisimos mantener esos detalles para los fanáticos incondicionales. A un espectador corriente no creo que le importe o sienta la diferencia, porque él se centrará más en las emociones de la historia.

Inicios
Historia y futuro arriesgado

‘Star Trek’ comenzó como una serie de televisión en 1966 y estuvo al aire durante tres temporadas con William Shatner (James T. Kirk) y Leonard Nimoy (El señor Spock).

Se centró en los viajes de la nave Enterprise, pero uno de los aspectos más interesantes y que la convirtieron en una serie de culto es que hizo una arriesgada mirada al futuro de los viajes espaciales y ofreció una lectura de la sociedad en el futuro, bajo el manto de la ciencia ficción. El éxito de la serie llevó a que se trasladaran al cine (contando la más reciente), 12 filmes de ‘Star Trek’ y que se gestara el mayor séquito de seguidores: Los imbatibles ‘Trekkies’.

MARIO AMAYA
Para EL TIEMPO

Se trata de Ilusa, la liga de la lucha contra la tusa, el monólogo-comedia de María Irene Toro que se presentará hasta el próximo 9 de junio, todos los domingos a las 6 de la tarde.

La historia gira en torno a Fulana, conferencista con ardua especialidad en desamores y ‘tusas’, quien tiene el remedio contra la enfermedad.

Ella logra que el ‘paciente’ se ría de su drama sin que se le desgarre el alma.

“Si a usted le han roto el corazón, si ha sentido que se le van las luces, que en medio de la espesa oscuridad se ha llenado de terror y se le aferra al estómago un mordisco con el que se acuesta y amanece, este espectáculo es para usted”, dice un comunicado promocional del montaje.

Ilusa, se basa en la exposición de casos de la vida real acompañados con ejemplos que ilustran los síntomas de la enfermedad del amor.

A eso se suman los riesgos durante la crisis, el perfil del victimario y algunas recomendaciones para tratar de sobrevivir a ese dolor que, como dice la actriz en escena, tarde o temprano termina por pasar.

Al final, el propósito de la obra es enseñar que sí es posible reírse de un dolor al que todos los seres humanos están expuestos. Nadie es infalible.

¿Dónde y cuándo?

Teatro Santafé, en la calle 57 # 17-13. Funciones hasta el 9 de junio. Boletas desde 45.000 pesos. Info.: tuboleta.com

REDACCIÓN DOMINGO

Uno de los programas más vistos, con un promedio de 800.000 espectadores, es la apocalíptica "Doomsday Preppers", en el que personas que se preparan para el fin de la civilización tal como se la conoce cuentan su experiencia. Allí, por ejemplo, se puede ver cómo un hombre se arma para un ataque terrorista que considera inminente.

"Wicked Tuna", de gran éxito y con una tercera temporada en producción, gira en torno a la rivalidad entre equipos de pesca en Gloucester, Massachusetts (noreste), cuyos medios de vida dependen de la captura de estos peces.

También ofrece "Polygamy Usa", protagonizada por una secta mormona disidente que se mantiene fiel al matrimonio plural, además de "Ultimate Survival: Alaska", sobre cómo sobrevivir en un desierto helado, y muchas otras series de "docu-reality", dedicadas a personajes raros o situaciones más o menos extrañas.

Según Hamish Mykura, director de contenido internacional de National Geographic Channel, esto realmente se trata de "antropología contemporánea". "Queremos mostrar el mundo en que vivimos, cómo vivimos, ver gente haciendo trabajos peligrosos, con programas interesantes, agradables, que la gente quiera ver", dijo. "Es más interesante contar la historia de una persona desde la perspectiva de ella misma, en sus propias palabras, que tener un narrador invisible dando su opinión detrás de la cámara", asegura.

La credibilidad en juego

Para disgusto de los puristas, sin embargo, estos programas de telerrealidad del National Geographic Channel -propiedad mayoritaria de la News Corporation de Rupert Murdoch- no hacen honor al legado de 125 años de la venerable revista National Geographic, de la cual surge.

Para ellos, la famosa publicación mensual de tapa amarilla de la National Geographic Society (NGS), una de las mayores organizaciones científicas y educativas sin fines de lucro del mundo, es primero que nada una revista académica, la primera, por ejemplo, de hablar sobre la ciudadela inca de Machu Picchu en Perú.

Es una revista "que siempre ha luchado por buscar la verdad", dijo Alan Mairson, un experiodista de esa publicación que creó un blog muy crítico, societymatters.org.

La cadena de televisión "quiere entretener, la revista tiene como objetivo educar", dijo. Estos "programas disminuyen gravemente la credibilidad" de la NGS, dijo de su lado Michael Parfit, documentalista de animales salvajes y excolaborador de la revista. "Algunos programas son excelentes, pero la mayoría no tiene ninguna conexión verdadera con la realidad. (...) Son sólo comedias tontas", dijo. "Otros son ofensivos. Se burlan de la gente", añadió citando una serie sobre los huteritas, una comunidad protestante aislada que exigió disculpas a la cadena tras sentirse "humillada".

Los peores son los temas "pseudo-científicos", añadió Parfit, citando una serie sobre ovnis. Mairson, por su parte, sospecha que el factor Murdoch está en juego, ya que News Corporation cerró su canal de telerrealidad de Fox después de comprar el National Geographic Channel.

¿Qué gana Murdoch con un canal así? "Confianza. Una sensación de autenticidad" que no tenía con la cadena de telerrealidad de Fox. Para Mykura, empero, "lo que se necesita es reflejar el mundo de National Geographic, con una gran audiencia". "Siempre habrá algunas personas que piensan que la National Geographic sólo debería hacer programas sobre los elefantes y los glaciares y Papúa Nueva Guinea", señaló. "Pero si uno va a hacer un canal de televisión que la gente quiere ver y que es interesante y entretenido, su reto es mucho más importante y significativo que eso". La cadena acaba de anunciar que quiere cambiar la actual proporción de 75% de documentales y el 25% de series a la inversa.

Para David Carraro, uno de los pescadores de Gloucester, "Wicked Tuna" muestra "los altibajos de nuestras vidas". Su colega David Marciano también aprecia los ingresos adicionales por participar en un programa de telerrealidad, ya que a los pescadores se les paga. "Lo que no se ve es cuando tiramos la línea y esperamos, esperamos y esperamos", bromea.

AFP

Aniston aparece muy atractiva con lencería y en diferentes looks asociados a la labor que ejerce en este filme, con pelucas en rubio platino y negro azabache.

‘We’re the Millers’ narra la historia de un traficante (Jason Sudeikis) que contrata a una familia falsa para pasar de contrabando 1.400 libras de marihuana desde México a Colorado.

El plan incluye a una stripper (Jennifer Aniston) como su esposa, y como sus hijos a una adolescente sin hogar (Emma Roberts) y un chico británico (Will Poulter).

Hasta el final de la que es su primera gran gira africana, que concluye el próximo 3 de junio, el grupo participará en tres festivales en Sudáfrica, Mozambique y Suazilandia, en los que presentará su último trabajo, ‘Elegancia Tropical’ (2012).

El público de la región disfrutará por primera vez del potente directo de Bomba Estéreo, una banda muy popular en los canales independientes de Internet que otorga gran importancia a los elementos visuales, tanto sobre el escenario como en sus videoclips.

Los componentes de Bomba Estéreo impartirán durante su paso por los tres países varios talleres sobre las fuertes influencias de la música africana -que trajeron a América los esclavos negros- sobre la cumbia y la música popular colombiana en general.

"Queremos explicar también cómo la música originaria de cada sitio se puede mezclar con la música moderna, como ha ocurrido con la cumbia, que se ha mezclado con hip hop o con ritmos electrónicos", cuenta Liliana Saumet, vocalista de la banda, en referencia a la propia experiencia del grupo.

El primero de sus conciertos tendrá lugar el 25 de mayo en Mozambique, dentro del festival AZGO que se organiza en la capital de la excolonia portuguesa, Maputo.

También actuarán el 29 de mayo en la capital sudafricana, Pretoria, en un concierto ofrecido a los representantes diplomáticos y el Gobierno del país. El 31 de mayo el grupo tocará en Ciudad del Cabo (Sudáfrica), en el festival Fire Ball, y el primero de junio lo hará en uno de los festivales de música más prestigiosos del sur de África, el Bush Fire, que se celebra en el pequeño reino de Suazilandia.

"Son festivales importantes y la idea es abrir aquí las puertas", dice el fundador de Bomba Estéreo, Simón Mejía, que cree que el marcado carácter africano de la cumbia que el grupo fusiona con ritmos electrónicos, reggae o rap puede resultar muy atractivo al público del continente.

La gira está coorganizada por la Embajada de Colombia en Pretoria, que quiere aprovechar la música de Bomba Estéreo para promover la cultura colombiana en Sudáfrica y los países de la zona.

"Queremos que la música contribuya a que identifiquen aquí una Colombia alegre, positiva y orgullosa de sus rasgos africanos", declaró a Efe el cónsul de Colombia en Pretoria, Raúl Sánchez.

EFE

Según reportó el New York Post, el impostor habría logrado incluso bebidas gratis en un lugar de moda frecuentado por verdaderos famosos como Justin Timberlake.

Las fiestas a las que se logró colar el hombre incluyen la organizada por la millonaria Goga Ashkenazi en el Château Garibondy, en donde estaban invitadas estrellas como Rosario Dawson y la supermodelo Karolina Kurkova.

Después de sus apariciones en los Estados Unidos, el verdadero Psy publicó en su cuenta de Twitter: “Parece como si hubiera otro YO en Cannes. Díganle hola de mi parte”. Más adelante, el mismo artista puso en evidencia al falso Psy con una foto publicada por su manager. 'Aquí está la foto del #falsoPSYenCannes descubierto por @scooterbraun!! lol #elverdaderoPSYenSingapur'.

Con información de E!

Lo notable del filme rodado enteramente en Palermo y en la Sicilia árida de tierra adentro es precisamente su austeridad. El glamour con que Hollywood suele condimentar sus películas sobre la mafia está totalmente ausente. Aquí no hay acordeón nostálgico, solo el ruido de la realidad, apenas exacerbado por la ceguera de Rita y los sentidos hipertrofiados del sicario.

"Salvo, a su manera, también es un ciego", explicó Piazza en entrevista con la AFP el día del estreno mundial. "Pero es ciego moralmente: puede ver a los demás pero es incapaz de mirarse a sí mismo. Y en el momento en que se encuentran, ella ve por primera vez, pero él también ve por primera vez".

Las balas suenan como las reales. No hay comilonas endomingadas ni la menor nobleza en el personaje del capomafia: aquí el "Corleone" tiene sus códigos y habla en voz baja como siempre, pero no deja de ser una figura abyecta.

"Somos de Sicilia y venimos de ese mundo muy violento", comentó Piazza. "La violencia en este filme es un elemento importante, aunque después, la historia se orienta a lo que sucede entre los dos protagonistas".

Al pasar, la película poco dialogada dice muchas cosas en lenguaje visual y muestra en particular la mezcla de temor y veneración con que el pueblo siciliano ve a los miembros de la Cosa Nostra. "Es una relación de temor y poder", comenta Piazza. "Siempre hay alguien que quiere oprimir a los demás en Sicilia, y eso es reprobable pero comprensible. Lo más misterioso es que haya una parte de nuestra sociedad que quiere, necesita e incluso disfruta el ser oprimido".

Hacer una película sobre la mafia es de por sí un tabú en Sicilia, y los autores de la película batallaron duro para reunir de once fuentes distintas el financiamiento de los 1,1 millones de euros que costó. "El rodaje no fue difícil porque es un filme pequeño y no llamó la atención de la gente, que ni se enteró", comentó Piazza. Pero lo más difícil fue llevar a término el proyecto sin respaldo institucional italiano. "Aquí estamos en Cannes, tenemos un distribuidor francés y un representante internacional, así como el respaldo de un canal de televisión francés, Arte, pero ningún canal italiano nos respaldó, y esto no es una coincidencia. No les gusta que haya filmes con un enfoque crítico de la realidad, sólo les interesan las películas comerciales", dijo Piazza.

A las cuestiones de contenido se suman en Italia las dificultades de la crisis. Las restricciones de presupuesto provocaron nuevos recortes en los financiamientos públicos del séptimo arte. En febrero, el gobierno italiano redujo esos fondos en 4 millones de euros, que en 2013 pasaron a ser en total 72,4 millones.

Tras superar esos obstáculos a menudo insalvables para un filme de autor que echa una mirada nueva a una vieja realidad, ‘Salvo’ cosechó aplausos al ser proyectado este jueves y viernes en Cannes. Además del Gran Premio, ‘Salvo’ obtuvo el premio "Revelación" del canal France 4, y embolsa en total 14.000 euros de recompensa, anunciaron los organizadores en un comunicado. La Palma de Oro, máximo galardón del Festival de Cannes, se otorgará junto a otras recompensas el próximo domingo.

AFP
FRANCIA

Sus estilos fueron muy diferentes desde el principio, y sus temperamentos y rebeldías, tan propios de cada una. Hoy, el hogar y el espíritu de su madre, Lola la ‘Faraona’, las reúne de nuevo.

“Las dos no podemos negar que somos Flores, se nos ve por todos lados”, sostiene Rosario, días antes de las presentaciones conjuntas de las hermanas en Colombia. Será un recorrido por la música de las dos hijas y su madre, con la posibilidad de verlas cantar a las tres, juntas, gracias a grabaciones que dejó la ‘Faraona’.

Y es que la distancia que hay entre, por ejemplo, Amor amor, de Lolita, y Sabor sabor, de Rosario, es musicalmente inmensa, así suenen coincidentes sus títulos. Dos estilos radicalmente diferentes, el primero, ligado a la balada de los años 70, y el segundo, a la escena del funk y el soul de los 90. Esas distancias no hicieron tan fácil que compartieran el escenario y por eso no son muchas las veces en que lo han hecho. Hoy, las acompaña la misma banda.

“El público verá lo distintas que somos y también lo iguales”, adelanta Lolita: “Mi madre nos parió a cada una como somos, no es un estilo que hayamos probao a ver qué tal nos funcionaba, es con el que nacimos cada una, la forma de proyectar nuestro arte”.

Aunque han hecho colaboraciones en canciones de una y otra, no se ve en el horizonte un disco conjunto. “Hacer algo así es más complicado, una cosa es cantar en directo, pero plasmarlo en un álbum completo, difícil... ¡No somos Azúcar Moreno! Las admiro mucho y me gustan, pero nosotras somos algo diferente”, afirma la hermana mayor.

Herencias de familia

La carrera de Rosario arrancó más de 15 años después de que comenzó la de Lolita, quien ya lleva 38 años en el ruedo de la música, pero nunca se han dado consejos, “ni mi madre a mí, ni yo a mi hermana. Hemos nacido sabiendo, ya dominábamos el escenario de chiquititas”, bromea Lolita.

Eso sí, hay una historia de infancia y adolescencia que las vincula: el oír a la ‘Faraona’ y a su padre, Antonio González el ‘Pescaílla’, y cantar con ellos en casa, en las fiestas.

“Cuando mamá vivió, no pude nunca cantar con ella en público, solo en casa –recuerda Rosario–. Nos reíamos, bailábamos, nos poníamos bulería, nos poníamos de todo. Ella era un ser muy gracioso, muy vivo, te lo pasabas muy bien con ella. La única vez que cantamos juntos fue en un homenaje que le hicieron en Miami, cantamos Pan y chocolate toda la familia”.

“No tengo claro el primer recuerdo, somos todos artistas en casa y desde siempre hemos cantao y bailao”, completa Lolita.

Ella adelanta cómo será el concierto: “Cada una canta sus canciones de siempre, luego nos juntamos y hacemos versiones diferentes, junto a mi madre”.

“Va a haber muchas sorpresas –dice Rosario–. Hemos renovado canciones para dárselas. Vamos a hacer un homenaje a las madres. Las dos lo somos y hemos tenido una maravillosa”.

¿Cuando y dónde?

Barranquilla, mañana, 8 p.m., Teatro Amira de la Rosa. Martes 28, Teatro U. de Medellín, 8 p.m. Bogotá, viernes 31, Auditorio León de Greiff, 8 p.m.

CARLOS LOSANO
REDACCIÓN CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

Responsable tras las consolas del éxito de álbumes de bandas como In Flames, Behemoth, Meshuggah, y de un trabajo debut destacado en el rock colombiano, el de la banda Antípoda, Bergstrand escuchó y calificó a más de 340 agrupaciones locales que se inscribieron al festival, y vio en vivo a 45 finalistas. Los otros jurados son Diego Pradilla y Rodrigo Mancera.

“Esta ha sido una experiencia grandiosa, te das una pincelada de lo que está pasando en Bogotá”, afirma Bergstrand, quien además dio un taller para bandas locales.

Acerca de lo que encontró en esta convocatoria, que publicará los elegidos para actuar en Rock al Parque el próximo 28 de mayo, dice: “No sé si pueda decir que es identificable un sonido colombiano. Creo que lo mejor que he oído apunta a hacer algo nuevo, y probablemente eso nuevo es lo que permita hablar de un género del rock nacional; puede pasar. Eso es lo que la gente quiere escuchar en el lugar de donde vengo, siempre buscamos algo nuevo, no repetir fórmulas clásicas del rock”, señala el productor.

“¿Cómo puedes hacer que algo suene nuevo? Siempre es inevitable encontrar influencias y comparaciones –agrega Bergstrand–. Recomiendo algo que suena estúpido: practicar mucho y hacerlo divertido, y tratar de hacer algo nuevo”.
Rock al Parque es un festival que ha vivido transformaciones a lo largo de sus 19 años. Sobre ello, Bergstrand colabora con una reflexión: “Hay muchos festivales en Suecia que están totalmente mezclados; qué es bueno y qué es malo para cada festival, no lo sé, pero hay uno muy cerrado a un género que se volvió una fiesta bajo techo en una bodega llena de tipos, pero también queremos ver mujeres, ¿no?”.

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“Siento que este disco representa el buen ánimo que vive Stratovarius hoy: canciones más alegres que de una u otra forma han estado ahí”, afirma Matias Kupiainen, quien desde el 2008 reemplazó en la guitarra a Timo Tolkki, anterior líder del grupo y quien no salió en los mejores términos.

Stratovarius viene por segunda vez a Colombia desde que vive esta nueva etapa, pero su historia es larga y casi continua desde 1989, con 14 álbumes en estudio.

“Creo que desde que Rolf (Pilve, baterista) entró a la banda (tiene 25 años), trajo nueva energía, y eso nos dio un empujón a nosotros. Eso es muy bueno; se nota mucho en la grabación del álbum”, asegura Kupiainen.

Según la crítica especializada, Nemesis es lo mejor que han hecho sin Tolkki.

“Es el mejor que he hecho con esta banda –asegura Kupiainen–; es un heavy metal más sólido; no hay canciones débiles, y estoy orgulloso de eso”.

La producción les tomó cerca de cuatro meses. “Amamos progresar y gastamos ese tiempo en el estudio para poder lograrlo”, dice.

Desde la salida de Tolkki, el líder del grupo es el vocalista Timo Kotipelto. “Él es el típico finlandés básico. No se ve como una estrella de rock. Es un buen líder”, afirma Kupiainen.

Para este, reemplazar a Tolkki no ha sido como llenar sus zapatos. “ Timo se preguntaba si debían seguir usando el nombre Stratovarius. Después de grabar juntos, nos dimos cuenta de que debíamos continuar. Vino lo de los derechos del nombre, y con ello, toda la m... de Internet”, recuerda acerca de los rumores de supuesto maltrato contra Tolkki, que él ya desmintió.

“Después hicimos la gira mundial y Kotipelto me envió por correo 40 canciones que debía aprender en dos meses. ¡Ahí sí sentí presión! (...) –asegura Kupiainen–; Tolkki hizo casi el 99 por ciento de las canciones, y es entendible, si lo piensas, que un fanático se pregunte ‘qué hace este tipo ahí arriba’. Pero fue volviéndose más cómodo cada día, la gente se dio cuenta de que no soy Tolkki ni pretendo serlo. Es otro artista. Y la excepción es buena (...), obvio, tienes que hacer siempre discos mejores”.

¿Dónde y cuándo?

Teatro ECCI (calle 17 No. 4-64), el domingo 26 de mayo, a las 8 p.m. Boletas: 120 mil pesos, disponibles en el sitio de Ticketexpress.

REDACCIÓN EL TIEMPO